Escándalo - (Notes on a Scandal)

"Con esos amigos..."
***1/2

Notes on a Scandal
Inglaterra, 2006

Dirige: Richard Eyre

Con: Judi Dench, Cate Blanchett y Bill Nighy.

La dama Judi Dench y la australiana Cate Blanchett brindan unas actuaciones de primer nivel en el drama psicológico "Escándalo", o que bien pudo haberse llamado "Notas sobre un Escándalo" (haciendo alusión a su título original), cinta que se basa en la novela homónima de Zoe Heller. "Escándalo" nos presenta la vida de dos personajes, cuyos caminos se intersectan, llevándolos por sendas inimaginables hasta llegar a situaciones inesperadas.


Barbara es una maestra solterona, de caracter fuerte y dura para juzgar a los demás. Según ella, la gente toma confianza fácilmente y en cuestión de poco tiempo, se convierte en la confidente de sus más íntimos secretos, los cuales transcribe a sus diarios. Barbara comienza a entablar una amistad con la nueva maestra de arte, Sheba, quien por ser una novata, desconoce la manera de controlar la disciplina de sus estudiantes. Poco a poco, Sheba va agarrando confianza con ella y la invita a cenar con su familia. Sin embargo, Barbara descubrirá que Sheba está teniendo relaciones con uno de sus estudiantes y le reclamará el porque no se lo comunicó. Con tal de encubrirla y salvar su matrimonio, Sheba caerá en una red de chantajes y en una amistad que comienza a rayar en la obsesión.


La película explora el concepto de la confianza, sobre todo en aquellas personas que conocemos de forma muy superficial. La cinta nos muestra que en ocasiones, el exceso de confianza con la persona equivocada, puede ocasionarnos problemas que pueden ser capaces de destruir nuestra vida personal, profesional y familiar por el resto de la vida. "Escándalo" realiza un análisis en la dinámica de la amistad, su significado y los límites obvios que deben existir en las relaciones. Así como plasmar, por medio del personaje de Sheba, que todos los actos que realicemos tendrán una consecuencia, que las cosas ocultas siempre terminan por salir a la luz y que uno es finalmente el responsable de los efectos ocasionados por nuestra causa.


Lo más resaltable del filme son las actuaciones de las dos actrices protagónicas. El duelo de actuaciones que se avientan tanto Dench como Blanchett es un exquisito ejercicio histriónico que vale la pena ser visto. Judi Dench demuestra nuevamente que es toda una señora del performance y se roba la película como la solterona obsesionada con su mejor amiga. "Escándalo" tiene sus puntos débiles, como la musicalización, pero estos detalles logran pasar casi desapercibidos ante el arrebato de emociones que logran las actuaciones y que finalmente, nos involucran de plano a la historia.

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Cines del Ayer - Cine Montoya

Desde hace aproximadamente 4 años, tuve la idea de recolectar información y lanzarme a las calles de Monterrey y su área metropolitana, para hacer una especie de antología sobre aquellos cines monumentales, los cuales durante mucho tiempo albergaron a miles de familias en busca de pasar un rato entretenido y que hoy se han convertido en inmuebles viejos, olvidados, descuidados y en malas condiciones. Antes solían ser lugares que congregaban a familias completas, mientras que hoy, su única función es almacenar chatarra y basura, servir de asilo para indigentes o changarros de material apócrifo o bien, de reunir arquitectos que desean deshacerse de dichas obras para darles un mejor uso.

Espero que por medio de estos espacios, brindemos una especie de reconocimiento a todos esos cines, que pese a que ya no funcionan como tales en la actualidad, aún viven en la memoria de muchos regiomontanos.





Cine Montoya
Monterrey, Nuevo León
Aramberri y Villagrán. Centro

Estatus: Cerrado
Pantallas: 1
Asientos: 900
Apertura: 1963
Cierre: 1992
Función actual: Teatro

El cine Montoya, ubicado en la esquina de Aramberri y Villagrán en pleno centro de la ciudad de Monterrey y en contraesquina de la Alameda Mariano Escobedo, fue inaugurado en el año de 1963, siendo la cinta "El Cid" con Charlton Heston, la primera en proyectarse en este complejo cinematográfico, el cual consistía de una sala con capacidad de 900 personas.

El cine fue fundado por la actriz María Tereza Montoya y fue por ello que llevó su nombre. El nombre completo del cine era: Cine María Tereza Montoya, aunque entre la gente, simplemente se le acostumbraba a llamarle "El Montoya".
Durante los años 60, el centro de la ciudad de Monterrey, en especial la Alameda y la Calzada Madero, eran los puntos de reunión y paseo dominical de las familias regiomontanas. Aprovechando dicho auge, este cine se dedicó a proyectar cintas de corte familiar desde sus inicios, por lo que inmediatamente se convirtió en uno de los lugares preferidos de la gente.

Para los ochentas, los complejos cinematográficos de 4 salas y los entonces llamados "gemelos" (de 2 salas) comenzaron a invadir la ciudad. El Cine Montoya dio un giro a su cartelera y optó por proyectar únicamente cintas de Disney y producciones animadas. Hasta donde recuerdo, tuve la oportunidad de asistir 2 veces a este cine, a principios de los noventa, cuando proyectaban "Todos los Perros Van al Cielo" y "Patoaventuras". Recuerdo que se vivía un ambiente totalmente familiar. El público en su mayoría, eran padres de familia en compañía de sus hijos pequeños, quienes todavía gustaban por revivir esa tradición de asistir los domingos a las funciones del Montoya.


Con la llegada de nuevos cines, así como el deterioro del cuadro principal de la ciudad, inició el declive del cine Montoya. El barrio aledaño, por la calle de Villagrán, se convirtió en el establecimiento de un gran número de bares, cantinas y prostíbulos y poco a poco, la Alameda fue abandonando su concurrencia familiar hasta convertirse en un lugar de mala muerte en la ciudad, especialmente los domingos, donde gente proveniente de otros estados se reúne y bueno... para que seguir.

Total, que en los noventas, el cine Montoya decidió volver a proyectar cintas familiares, en vista de que la competencia le estaba comiendo el mandado. Justo cuando el cine cumplió sus 29 años de existencia, en el año 1992, se tomó una decisión definitiva: cerrar el cine. ¿La causa? El cine se volvió incosteable, las funciones se cancelaban debido a la falta de audiencia y los pagos de servicios eran enormes. La sala cinematográfica apagó su proyector con la película "Beethoven" el sábado 24 de octubre de 1992. Inmediatamente, el inmueble fue adquirido y se convirtió en estudio de grabación para algunos programas locales de los canales 2 y 12. El cine cambió su nombre a teatro, pero conservando el nombre de su fundadora.

Hasta la fecha, el teatro sigue en vigor, presentando obras teatrales infantiles durante los fines de semana y espectáculos de comedia y humor para adultos entre semana.
A continuación les presento algunos detalles importantes en relación al cine:

- El Teatro María Tereza Montoya continúa conservando su misma fachada que hace aproximadamente 17 años que asistí al cine.
- El cine proyectaba material exclusivamente para niños, por lo que estaba prohibida la entrada de hombres solos.

- La falta de material infantil para proyectar, fue una de las causas que provocó el cierre de la sala, ya que la misma cinta se tenía que exhibir durante muchas semanas.

- El Cine Montoya era el único en su género en toda la República Mexicana, ya que pese a que otros complejos exhibían material infantil, ninguno como el Montoya se encargó de proyectar material exclusivamente dirigido hacia los pequeños.

- Fue el primer cine de Monterrey que proyectó la primer película en 70 milímetros.

Escrito por: René Sánchez.

Con información obtenida de: "Cierra el cine Montoya". El Norte. 29 de octubre de 1992., así como de entrevistas y testimonios.

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Recortes de mi Vida - (Running wih Scissors)

"Le falta filo"
**

Running with Scissors
EU, 2006

Dirige: Ryan Murphy
Con: Annette Bening, Brian Cox, Joseph Cross y Evan Rachel Wood.

El director Ryan Murphy (creador y director de la serie de TV Popular), adapta la obra autobiográfica de Augusten Burroughs para llevarla a la pantalla grande con el título en español de "Recortes de mi Vida" o bien, "Running with Scissors" en inglés. La película se centra en la vida de Augusten, quien desde pequeño ha estado muy unido a su madre Deirdre, una escritora fracasada. Sin embargo, cuando sus padres deciden divorciarse por órdenes de un psicólogo medio estrafalario, su madre cae en un estado de depresión que la lleva casi al borde de la esquizofrenia y su psicólogo accede a adoptar a Augusten como un nuevo miembro en su loca familia, compuesta por su mujer y sus dos hijas.

La cinta empieza muy bien. De hecho, la primera media hora me tuvo muy entretenido, pero cuando la historia pasa a ubicarse en la extravagante casa del Dr. Finch, las cosas comienzan a perder el sentido súbitamente y nos encontramos con una historia retorcida y extremadamente pretensiosa. De ir por buen camino, termina por recrear escenas de otras cintas como la escena donde Bening es internada, es muy parecida a la que vimos en "Requiem for a Dream" donde sostenían a Ellen Burstyn en una camilla para inyectarla y darle shocks. Asimismo, intenta lograr el humor de las cintas de Wes Anderson, especialmente "The Royal Tenenbaums", y logra fallar en ésto.

Ya para el final, la cinta se vuelve lenta e insípida. Los personajes actúan por actuar, sin presentarnos siquiera el porque de su comportamiento tan extraño. Digo, principalmente cuando tu película está basada en un libro que supuestamente es autobiográfico y lo único que se remite a hacer, es presentarnos a un montón de personajes que se comportan como si fueran personajes de alguna serie animada para niños. Otro aspecto que me desagradó fue la música. A pesar de que las canciones eran buenas y nos remontaban al ambiente de los setentas, en muchas escenas salía sobrando o el tono de la melodía no iba de acuerdo con lo que veíamos en pantalla.

"Recortes de mi Vida" se va quedando sin filo. Y pese a contar con un gran elenco, en donde sobresalen especialmente Annette Bening, Alec Baldwin, Brian Cox y Joseph Fiennes, la cinta no logra tener un momento sumamente empático como para sentir algún tipo de emoción por cualquiera de los personajes y lo único que obtiene, es el deseo de que termine pronto y de una explicación coherente y realista acerca de lo que estamos viendo. Es una historia que cuando intenta ser cómica falla, cuando intenta ser rara llega a sobrepasar los límites y cuando quiere ser dramática o depresiva, se queda en el camino.

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Jesus Camp

"En el nombre de Bush"
****

Jesus Camp
EU, 2006
Dirigen: Heidi Ewing y Rachel Grady

"Jesus Camp" es un documental, dirigido por Heidi Ewing y Rachel Grady, el cual sigue a un grupo de cristianos evangélicos en los Estados Unidos, para presentarnos sus ideas, pensamientos y la forma de vida de los integrantes de esta comunidad, compuesta principalmente por niños. El filme nos lleva a un campamento de verano, en donde tanto padres de familia junto a sus hijos, rezan y esperan que Dios les perdone sus pecados, ayude al mundo y bendiga a la nación elegida por Él.

Realmente es uno de los documentales que más he disfrutado. De hecho, se terminó y yo aún quería más. Son tantos los temas que tocan y es demasiada información que me encantaría discutir pero trataré de plasmarlo de una forma breve. Primeramente, el documental es un retrato de una comunidad religiosa que casi raya en el fanatismo. Estoy seguro que no todos los cristianos evangélicos son como ellos y estoy convencido que el objetivo del filme no es transmitir ese mensaje. Yo creo que lo que nos trata de enseñar es que existen ciertos límites para todo y que en ocasiones, la pérdida de la cordura hace que se desencadenen actos que se acercan al fanatismo. Los niños que salen en la película son educados en casa por sus mamás, ya que no creen en las mentiras que enseñan en la escuela, ni en que éstas sean laicas. Por lo tanto, los pequeños son aislados de la sociedad y su único contacto es con miembros de la misma comunidad religiosa que les lava el cerebro de una manera impresionante.

Hubo momentos en los que realmente sentía miedo y a la vez tristeza por los niños. Después de todo, ellos no tienen la capacidad de darse cuenta que están siendo manipulados por los adultos y les enseñan una versión deformada de los hechos. Más allá de hablar de la palabra de Dios, este grupo de fieles incitan a los pequeños a la guerra, les dicen que no hay porque preocuparnos por la problemática del calentamiento global ya que nuestra estadía en este planeta es corta y no afectamos al medio ambiente, les enseñan que la manera de "orar" con Dios es rompiendo objetos, provocando a la violencia, a pensar que los que no pertenecen a su grupo no se merecen una vida posterior y finalmente, a venerar y casi casi ver como una especie de dios o ídolo al presidente norteamericano George Bush.

Es una religión que tomó un rumbo más político y más que educar a los niños en la palabra de Dios, los obliga, los restringe de muchas actividades que a los pequeños les agradan y los preparan mentalmente para convertirse en viles borregos, que siguen al líder sin cuestionar nada, con la finalidad de llegar a tener a algún puesto público de dicho país y guiar al pueblo por la verdad única de que Dios es el salvador. Es meramente, un ejemplo de abuso y de ejercer el poder y el control de una manera indiscriminada.


Siendo católico, considero que la religión es parte importante de cada persona, pero creo que hay un punto que marca la diferencia entre ser un creyente y convertirte en un fanático. No por el hecho de que algunas religiones o ideologías orientales opten por el fanatismo, nosotros también habremos de hacerlo. Definitivamente no es un argumento válido ni razonable. Es muy lamentable que las iglesias, y no únicamente la cristiana evangélica, muchas veces persigan otros intereses, pactos con empresas o gobiernos y que utilicen su poder de convocatoria y convencimiento para controlar las mentes de sus feligreses y terminen por apartarse de los estándares que las rigen y pongan en mal el nombre de una iglesia y a todos los que forman parte de ella.


Si tienen oportunidad de verlo, ¡háganlo!. Les aseguro que no serán 84 minutos que tirarán a la basura. Al contrario, es un filme que te hará pensar y ver más allá de lo que conocemos.

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Half Nelson

"Cambio de vida"
****

Half Nelson
EU, 2006

Dirige: Ryan Fleck

Con: Ryan Gosling, Shareeka Epps y Anthony Mackie.

"Half Nelson" es el primer largometraje de ficción del director Ryan Fleck, un trabajo honesto y conmovedor, acerca de la vida, la amistad y el apoyo incondicional. La cinta narra la historia de Dan Dunne, un profesor de historia que trata de enseñarles a sus alumnos que tienen el poder para cambiar el mundo en el que vivimos. Pese a tener el respeto por parte de sus pupilos, la vida personal de Dan es un desastre: su ex-novia está a punto de casarse, no puede concentrarse para realizar su novela y cada vez va cayendo en el bajo mundo de la drogadicción. Un día después de la práctica de baloncesto, Drey (Epps), una de sus alumnas, lo descubre en pleno efecto psicotrópico y decide ayudarlo, naciendo un inesperado lazo que unirá las vidas de los dos personajes.

El título de la cinta hace referencia a un movimiento de lucha llamado "Half Nelson", que básicamente consiste en que uno de los oponentes sujeta al otro por el cuello, dejándolo casi imposibilitado de moverse, pero aún manteniento una oportunidad para lograr escapar. El significado del título, es sin duda alguna una metáfora en relación a lo que nos presenta la historia. Tanto Dan como Drey, viven en mundos completamente opuestos, pero ambos tienen la oportunidad de cambiar su vida y pese a que las circunstancias no estén a su favor, el destino cruza su camino para que se apoyen mutuamente y comprendan sus problemáticas.


Ryan Gosling ofrece el papel protagónico de su vida. Desde que lo vi en "The Slaughter Rule" (2002), me percaté de su gran talento y esperaba el momento en el que lo demostraría a todo el mundo. En "Half Nelson", nos ofrece una interpretación que es capaz de estrujarnos, estremecernos y llevarnos por un espiral que parece que no tendrá un fin. Gosling logra plasmar de una manera natural y maravillosa, los conflictos emocionales de un maestro que comprende que no predica con el ejemplo y que por lo tanto, a los demás les resulta imposible confiar en él. Shareeka Epps es toda una revelación histriónica, al ponerse mano a mano junto a Gosling en un verdadero derroche de compasión y sentimentalismo.


"Half Nelson" sobresale por contar una historia de una manera sincera. No es el tipo de cinta que juega con nuestros sentimientos gracias a algún diálogo medio conmovedor. Al contrario, es una película que requiere de análisis para comprender todas las capas que la componen, transmitiendo más allá de las palabras, el verdadero mensaje de la historia. En resumen, un gran logro del cine independiente, que vale la pena tanto por su historia, su mensaje y dos tremendas actuaciones de los protagonistas.

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Esta Película Aún No Ha Sido Clasificada - (This Film is Not Yet Rated)

"Hollywood y sus trapitos sucios"
***

This Film Is Not Yet Rated
EU, 2006

Dirige: Kirby Dick
Con: Kirby Dick y Becky Altringer

La MPAA (Motion Picture Association of America), la organización encargada de asignarle las clasificaciones a la cintas en los Estados Unidos, es puesta en el lente del director Kirby Dick en este documental que nos presenta el absurdo, obsoleto e incoherente sistema bajo el cual este consejo determina si una película merece una clasificación G, PG, PG-13, R o si llevará el estigma del NC-17.


Desde ya hace varios años, la MPAA decidió reemplazar la entonces clasificación más restrictiva para una película: X por NC-17, en aras de no sonar tan fuerte, pero aún así, continuaba siendo restrictiva para menores de 17 años. Sin embargo, dado que esta clasificación surgió para "ayudar" a que dichas cintas tuvieran un poco más de difusión y no sufrieran por llevar la marca X, resultó ser todo lo contrario. Hoy en día, todo mundo en Hollywood sabe que si una película es clasificada NC-17 está destinada a fracasar en taquilla, puesto que no tendrá espacio en las grandes cadenas de cines de la Unión Americana, no tendrá derecho a publicidad en ningún tipo de medio (excepto Internet) y se olvidará de pasar una larga vida en los estantes de alguna reconocida cadena de videoclubes.

Dick nos lleva a conocer a los miembros de esta organización, que opera en completo secreto para supuestamente proteger la identidad de sus miembros y evitar que éstos sean víctimas de presión de cualquier tipo. Asimismo, nos lleva a conocer un sistema, que además de obsoleto, carece de estándares al momento de realizar un juicio y se basa en las influencias de los grandes estudios cinematográficos, que a final de cuentas, son los dueños de la mayoría de los medios de comunicación, complejos de exhibición, etc. "Esta Película Aún No Ha Sido Clasificada" nos muestra la doble moral de los americanos. Por un lado, se encuentra la aceptación de la violencia como algo normal, mientras que el sexo lo toman como un tema tabú siendo que los Estados Unidos es uno de los principales países productores de pornografía a nivel internacional.


Es un documental bien fundamentado, que cuenta con la opinión y anécdotas de directores independientes, quienes al final de cuentas terminan sufriendo las consecuencias de este rating, al verse envueltos en un círculo vicioso y enfrentarse a la disyuntiva de presentar su cinta tal como la pensaron, o editarla para complacer a un selecto grupo de personas que ni siquiera se atreven a dar la cara, ni a presentarles a los realizadores las verdaderas razones por las cuales asignan una clasificación restrictiva, para de esta forma
poder llegar a un mayor público.

"Esta Película..." es entretenida, desafiante y controversial. Aunque termina presentando algo que ya conocíamos, o de perdido sospechábamos, desde hace tiempo. Estaría bien que Kirby Dick viniera a México y explorara también los oscuros secretos de la Secretaría de Gobernación, que no le pide mucho a la MPAA y también se da el lujo de censurar películas debido a su temática (o bien, otorgar clasificación D a Hostal, mientras que cintas mucho más violentas y con contenido adulto se llevan simplemente la clasificación C). Todos sabemos que el problema está ahí, pero es muy difícil cambiarlo, sobretodo cuando se trata de una industria que es apoyada por las compañías más poderosas, la iglesia y el gobierno.

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SherryBaby

"Confesiones de una adicta"
***1/2

SherryBaby
EU, 2006

Dirige: Laurie Collyer

Con: Maggie Gyllenhaal, Giancarlo Esposito y Brad William Henke.

Año tras año, la industria cinematográfica (especialmente la estadounidense), se encarga de lanzar con gran algarabía sus "mejores" producciones. Algunas terminan por decepcionarnos y otras no tanto. Lo que si es un hecho, es que en muchas ocasiones, hay unas pequeñas joyas fílmicas, modestas películas independientes que luchan por tener un lugar en cartelera y que vienen con una gran historia, pero que desgraciadamente no encuentran, ni la proyección ni la distribución apropiada ya que nadie quiere tomar el riesgo. "SherryBaby" es una de esas cintas. Es una razón más para pensar que el mundo del cine independiente le está comiendo el mandado a los grandes estudios y sus mega-producciones.

"SherryBaby" nos presenta a Sherry Swanson, una mujer que acaba de abandonar la prisión bajo libertad condicional y que está luchando fuertemente por alejarse de su adicción a las drogas. La única razón por la cual Sherry se mantiene en pie es por su hija de 5 años, quien ha sido criada por su hermano y la esposa de éste. Sin embargo, las cosas no serán tan fácil como ella imaginaba, puesto que su hija se ha encariñado a sus padres postizos y además, deberá enfrentar sus demonios internos para evitar incurrir en conductas auto-destructivas.


El gran acierto de la cinta, es mostrar de una manera honesta y sumamente real, la vida de una ex-convicta y su deseo por encontrar un lugar en una sociedad, que en lugar de ayudarla a superar su problemática, le es indiferente, le da la espalda y la ahorilla a regresar a sus hábitos impropios. Asimismo, plasma con gran acierto una verdad absoluta en la vida: sin sacrificios, no hay recompensa. Puesto que aunque Sherry pregonaba que estaba cambiando su actitud y reformando su conducta, poco a poco va comprendiendo que para ser alguien diferente, requiere de un gran sacrificio de su parte, dejar de ser tan egoísta y darse cuenta que muchas veces, lo que uno anhela con tanta pasión, no es lo correcto para uno ni para los demás.

Es totalmente cierto que la película pertenece y gira en torno a Maggie Gyllenhaal. La actriz sorprende y demuestra su nivel de madurez histriónica. Desde que la vi en "Secretary" se convirtió en una de mis actrices preferidas (junto a Patricia Clarkson y Julianne Moore). Sinceramente, sin Maggie en la cinta, SherryBaby hubiera pasado desapercibida, ya que es ella quien se convierte en el personaje principal, te lleva a sentir lo que a ella le ocurre y nos sumerge en un mundo depresivo, pero a la vez esperanzador. Bravo a Gyllenhaal por su maravillosa y espectacular actuación que derrocha y transmite fuerza, coraje y pasión.


Ojalá que alguna distribuidora se anime a estrenarla en México, aunque sea de manera limitada, o de perdido en DVD. Por lo pronto, yo ya la apunté en mi lista de DVDs para comprar, porque vale mucho la pena.

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Ambulante: Gira de Documentales 2007


El día de hoy, viernes 16 de febrero del 2007, da inicio en la ciudad de Monterrey el 2do festival, por así decirlo, de documentales llamado Ambulante. Este proyecto, encabezado por Gael García y Diego Luna, arrancó el año pasado y se encarga de presentar largometrajes de no-ficción tanto mexicanos como extranjeros, los cuales traen propuestas frescas, controversiales e inteligentes.

En nuestra ciudad, la sede será el complejo de Cinépolis Garza Sada. Ambulante estará presentando dos o tres documentales por día hasta el 22 de febrero cuando el ciclo finalizará.
A continuación les presento las cintas y los horarios de esta gira de documentales en su segunda edición:

Viernes 16

Sala de Control - (Control Room) 4:35 / 8:35

Esta Película aun no ha sido Clasificada - (This Film Is Not Yet Rated) 2:30 / 6:30 / 10:30


Sábado 17

Camino a Guantánamo - (The Road to Guantanamo) 2:00 / 6:00

Jesus Camp 4:00 / 10:30

Witness 8:00


Domingo 18
El Pan de Cada Día - (Unser Taglich Brot) 1:00 / 6:45

37 Usos para una Oveja Muerta - (37 Uses for a Dead Sheep) 2:55 / 8:45

La Forma de la Luna - (Stand Van de Maan) 4:45 / 10:35


Lunes 19

Oro Negro - (Black Gold) 2:30 / 7:25
La Palomilla Salvaje 4:15 / 9:10

Cada quien su Granito de Arena - (Everyone their grain of sand) 5:35 / 10:30


Martes 20
Bajo Juárez 5:00 / 8:30
México, La Revolución Congelada 3:30 / 7:00 / 10:30


Miércoles 21

Maquilápolis 2:30/ 6:10
Soy Cuba, el Mamut Siberiano - (Soy Cuba, O Mamute Siberiano) 4:10 / 8:00 / 10:30


Jueves 22

Que suene la calle 3:00 / 6:00 / 9:00

Buscando a Fidel - (Looking for Fidel) 4:30 / 7:30 / 10:30


Más información, visiten el sitio oficial http://www.ambulante.com.mx
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La Dalia Negra - (The Black Dahlia)

"Se queda en la oscuridad"
*

The Black Dahlia
EU, 2006
Dirige: Brian De Palma
Con: Josh Hartnett, Aaron Eckhart, Scarlett Johansson y Hilary Swank.

"La Dalia Negra" es la adaptación a la novela homónima a la pantalla grande, gracias a los esfuerzos del director Brian De Palma. Situada en Hollywood de los años cuarenta, y con un supuesto toque noir, la cinta "debería" centrarse en un homicidio que llamó la atención en aquel entonces, cuando una joven veinteañera, aspirante a actriz, fue encontrada brutalmente mutilada y recibió el apodo de "La Dalia Negra" debido a la popularidad de la cinta "La Dalia Azul". Sin embargo, todo queda en un mero supuesto, ya que el director prefiere centrarse en otras historias secundarias e irrelevantes, que opacan lamentablemente la trama central semi-basada en hechos reales.

Pese a las advertencias leídas, decidí verla y formar mi propio juicio. "La Dalia Negra" es un meollo. Es como si te estuvieran contando la historia de Caperucita y terminan contándote Blanca Nieves, en pocas y reducidas palabras. Es un filme que debía centrarse en el homicidio y toma rumbos tan absurdos, se inmiscuye en eventos, personajes y situaciones que no aportan absolutamente nada a la historia y tarda tanto tiempo en enfocarse en detalles que no desencadenan en algo. Por ejemplo, toda la historia del supuesto lesbianismo de la víctima sale sobrando. Personajes entran y salen de la cinta sin la mínima introducción y además, hay unos cuantos hoyos en la cinta que quiero creer que se deban a una mala edición.


Las actuaciones son más malas que buenas. Me gustaría recalcar que Josh Hartnett es un mal actor. Además de que su química con Scarlett Johansson en la película es malísima, es un actor que no me inspira, no transmite emociones y siempre lo veo igual en todos sus papeles. La que da una terrible actuación en Scarlett y lo culpo a una dirección deficiente, porque he visto en otras cintas de lo que ella es capaz. En este caso, no da pie con bola, su personaje es tan irritante, hueco y soso. Del resto, me sobra decir que el talento se desperdicia, hablando de Aaron Eckhart y especialmente de Hilary Swank, quien da la mejor protagonización.


Total, que para no hacer el cuento más largo, a la muertita apenas la vemos como 3 veces durante las dos horas de duración, la cinta carece de escenas gore y termina por quedarse muy lejos de ser calificada como "noir". De centrarse en un asesinato, se enfoca en un forzado y fallido triángulo amoroso. Al menos resulta cómica gracias a su "parecido" entre Swank y Mia Kirshner (¡que alguien me haga el favor de decirme cual es la similitud entre ambas!) y los personajes que rayan en caricatura. En resumen: desperdicio de tiempo, desperdicio de talento, todo un fiasco.

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Dreamland

"Entre los sueños y el amor"
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Dreamland
EU, 2006
Dirige: Jason Matzner

Con: Agnes Bruckner, Justin Long y John Corbett

"La Tierra de los Sueños" (Dreamland) es el nombre de un pequeño "trailer park" (un pueblito de casas móviles) que se encuentra perdido entre el desierto de Nuevo México. Este lugar, es el refugio para una serie de personajes que, atados por sus miedos, viven de lo que pudiera ser su vida, si cumplieran todos sus sueños. Audrey es una chica inteligente que sueña en convertirse en escritora, pero que decidió quedarse en Dreamland para cuidar de su padre alcohólico, quien no ha podido reponerse de la pérdida de su esposa y no es capaz de abandonar el poblado, así como de su mejor amiga Calista, quien enfrenta una enfermedad crónica y quiere convertirse en Miss América. La vida de todos ellos se alterará con la llegada de Mookie y su familia a este lugar enmedio de la nada.

La cinta aborda varias problemáticas con las cuales nos podemos identificar, ya que en algún punto de nuestra vida, nos hemos enfrentado a ellas. Primeramente nos presenta que para ser capaces de cumplir nuestras metas y alcanzar nuestros sueños, es necesario deshacernos de todos los miedos, inseguridades y todas aquellas circunstancias que nos alejan cada vez más de lo que queremos. Dreamland nos enseña que debemos tener el control de nuestras vidas y que si nuestro objetivo es ayudar a alguien para que se sobreponga a sus penas, la solución no está únicamente en demostrar nuestro apoyo incondicional, sino que también hacerles ver que la vida continúa y que un hecho del pasado no destruya los sueños por los que luchamos.


A mi gusto, Dreamland pudo haber sido una mejor cinta si no hubiera sido por las actuaciones que parecen salidas directamente de una serie de televisión y un final muy soso para ser una película independiente. Pese a tener una historia interesante y personajes bien definidos, el hecho de elegir a actores y actrices del medio televisivo le inyectan un tono muy distinto a sus caracterizaciones y a los diálogos. Puede que no sea muy notorio, pero actuar en cine es muy distinto a actuar en pantalla chica, por lo que es inevitable que en Dreamland se sienta por momentos un estilo más de serie televisiva. Sin embargo, la cinematografía y la musica de la película, principalmente del género electrónica, son aspectos técnicos que sobresalen en la producción.


No es la mejor película del año y posiblemente no llamará la atención en los principales circuitos de cine, pero es una película que aborda temas muy universales, lo que nos permite involucrarnos en la historia y reflexionar sobre nuestras metas y lo que hacemos para cumplirlas.
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La Conquista del Honor - (Flags of Our Fathers)

"Fuimos héroes"
**1/2

Flags of our Fathers
EU, 2006

Dirige: Clint Eastwood

Con: Ryan Phillippe, Jesse Bradford y Adam Beach.

"La Conquista del Honor" es la primera de dos cintas que ha realizado el director estadounidense Clint Eastwood, en relación con la guerra que se llevó a cabo en la isla de Iwo Jima en tiempos de la Segunda Guerra Mundial entre los Estados Unidos y Japón. En esta primera entrega, Eastwood trata de plasmar el punto de vista gringo ante dicho conflicto bélico, mientras que en su contraparte "Cartas desde Iwo Jima", reflejará el sentir del país asiático ante tal enfrentamiento.

Como en toda cinta bélica norteamericana, los clichés están presentes y cualquier excusa es buena para resaltar el valor, el coraje y los actos heroicos de miles de soldados estadounidenses que mueren en el campo de batalla dando todo por su nación y que terminan siendo víctimas de otra potencia mundial. Si algo intenta hacer primeramente la cinta, es sentir empatía y compasión por los soldados que, supuestamente, fueron directo al matadero. ¿Pero que acaso los obligaron a ir? Digo, solo es una pregunta que se me ocurre.


Lo que me agradó fue como en los Estados Unidos aplica a la perfección la frase "Con dinero baila el perro". Durante esta batalla se tomó una fotografía de varios soldados alzando la bandera, como símbolo de triunfo. Dichos soldados fueron sacados del campo de batalla y trasladados hasta la Unión Americana para presentarlos como héroes. Sin embargo, la fotografía fue planeada y no representaba la victoria de los Estados Unidos ante Japón. Pero, para el gobierno americano eso no fue un impedimento y lograron, gracias al patriotismo ferviente del pueblo, sacarles dinero para continuar apoyando la causa bélica.


Total, que a final de cuentas, los supuestos héroes no son héroes, pero... ¡un momento! ¿A quién le importa saber si son héroes o no? Por supuesto que han sido héroes, ya que fueron un ejemplo a seguir de padre, de hermano, de hijo, de esposo. ¡Por favor! Ese es el mensaje más falso e incongruente que podrían dar. Les juro que en la escena más emotiva no pude contener mi risa. Si alguien ha sabido manipular a la gente, ha sido el país vecino. Así que no me extraña que estén tratando de encontrar la forma de hacer ese cocowash patriótico con respecto al actual enfrentamiento entre los Estados Unidos e Iraq.

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Factotum

"Aburrida y pretensiosa"
*

Factotum
EU/Noruega, 2005

Dirige: Bent Hamer

Con: Matt Dillon, Lili Taylor y Marisa Tomei.

Cuando vi anunciada esta cinta en el Festival Internacional de Cine en Seattle, me dieron unas ganas tremendas de verla. Por cuestión del trabajo, pues ya no tuve oportunidad de verla y me tuve que conformar con leer las críticas que alababan el trabajo histriónico de Matt Dillon. Finalmente, tuve la oportunidad de verla en DVD y me he llevado un tremendo y completo chasco. Cuando se trata de películas independientes, uno corre el riesgo de que a) la película llegue a ser muy buena, original y supere tus expectativas, o b) la película es demasiado pretensiosa e intenta ser original y termina por decepcionar al público. En este caso, creo que la cinta encaja en la segunda categoría.

"Factotum" (que significa: persona que tiene muchas actividades o empleos al mismo tiempo), está basada en un libro de Charles Bukowski, el cual aparentemente maneja el mismo humor ácido y existencialista. La cinta nos presenta a Henry, un tipo alcohólico que según él es escritor, pero todos sus trabajos son rechazados. Incapaz de mantener un empleo y una relación sentimental estable, la película nos va llevando por caminos tan absurdos e innecesarios a la historia, que uno termina tal y donde inició.


Según esto, la película es lo máximo si entiendes la filosofía del escritor, pero si nunca en tu vida habías escuchado hablar de un tal Bukowksi, entonces comprenderás lo que se siente perder una hora y media de tu vida viendo una película sin sentido. En algún momento llegué a pensar que al final se reivindicaría y sucedería algo extraordinario para compensar los momentos de aburrimiento y escenas sin diálogo que intentaban ser minimalistas y profundas y cayeron en la pretensión en su máxima representación. "Factotum" acaba siendo una serie de historias que no agregan valor a la historia central, aunado con personajes que tampoco llegan a ser trascendentes.


La actuación de Dillon es lo rescatable de la película. No es LA actuación del año, pero se nota el esfuerzo que puso el actor para meterse en el papel y pues definitivamente es un rol muy diferente a todo lo que ha hecho anteriormente. Pero como un todo, "Factotum" es un film independiente que pasará con más pena (y aburrimiento) que gloria. Digo, porque yo soy de la idea que si haces una cinta basada en un libro, debe tener una buena adaptación para que todos aquellos que desconocemos la obra o al autor, podamos involucrarnos en la historia y conocer más a fondo la filosofía de los personajes, cosa que lamentablemente, no ocurre con esta cinta.
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Water

"Más claro que el agua"
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Water
Canadá/India, 2005

Dirige: Deepa Mehta
Con: Lisa Ray, Seema Biswas y Sarala.

"Water", aún sin título definido en español, es el más reciente trabajo de la directora canadiense, pero con raíces hindúes, Deepa Mehta, el cual cierra con una trilogía ubicada en la India, teniendo como recurso principal a un elemento de la naturaleza (Fire en 1996 y Earth en 1998). Realmente me considero un neófito al hablar de la industria cinematográfica hindú, o mejor conocida como Bollywood por la enorme cantidad de cintas que lanzan anualmente, así que no tengo un punto de referencia para poder comparar a "Water" con otras cintas de la India. Lo único que sabía de los filmes hindúes era que estaban plagados de números musicales llenos de coloridos y coreografías. (No, Water no es de ese tipo de películas).


Mehta nos transporta a la India de finales de los 30's, para conocer a Chuyia, una pequeña de apenas 7 años que acaba de quedar viuda y sus padres la mandan a "la casa de las viudas", tal como lo marca la tradición religiosa. Las mujeres de esta casa son obligadas a portar un vestido especial para ser identificadas en la calle, son rechazadas, están destinadas al aislamiento y a la indiferencia del resto de la sociedad, ya que la religión dicta que al momento de morir el esposo, a la viuda no le queda más que morir junto a él, o bien, redimir sus pecados en este tipo de casas. Sin embargo, Chuyia llega a la casa para cambiar con ciertos patrones, al forjar una amistad con Kalyani, la viuda más joven que está decidida a casarse nuevamente (siendo que su religión se los prohibe) y al ayudarle a Shakuntala a descubrir el sentido de su vida.


"Water" no teme en presentarnos un tema controversial, en relación con las creencias religiosas de la India. Explora el mundo de sufrimiento y abstinencia al que son obligadas las mujeres viudas, algunas desde muy pequeñas, pero más allá, se atreve a mostrar las redes secretas de prostitución que existen en estas casas para poder subsistir económicamente, ya que la limosna no es suficiente, además de una religión que toma solamente ciertas reglas para beneficio propio.


La cinta maneja al agua como el elemento principal. Lo vemos durante casi toda la película, de una manera muy simbólica. Sin duda alguna, el agua tiene gran importancia para la religión de los hindúes, pero más allá de ese significado, el agua representa la vida, a la que estas mujeres se ven obligadas a renunciar. El agua es símbolo de vitalidad, de alegría, de tranquilidad ante las adversidades y principalmente, el agua nos limpia, nos purifica, lava nuestras culpas y nos redime.


"Water" es un filme feminista, si lo analizamos a detalle. Es una película que alza la voz para denunciar un trato justo entre géneros, pero aún más importante, para cuestionar el papel de las tradiciones obsoletas que no tienen mayor motivación más que el monetario, las cuales continúan destruyendo o marcando la vida de algunas personas y que ni el mismo Gandhi pudo cambiarlas.

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Top 10 Tearjerkers

Si, lo se... debo aceptarlo. Cuando se trata de películas, hay ciertas veces en que la historia me envuelve demasiado y llegan a tocar hasta las fibras más profundas de mi ser. Eso comprueba la teoría de que poseo un órgano llamado corazón y que de perdido tengo sentimientos (pocos, pero existen). Y a pesar de que vivimos en una sociedad que desde pequeño te enseña que los hombres no deben llorar, pena no me ha dado el abandonar la sala de cine con los ojos vidriosos, el moco de fuera y un montón de kleenex en mis manos. Oh si! Que hermoso es llorar enmedio del silencio y la oscuridad. Pero bueno, nada como las lagrimitas de cocodrilo que puedes aventarte en tu casita, echado en tu cama, en un día nublado y con la depre a todo lo que da. La neta de la neta, los tearjerkers, osea las películas que nos hacen chillar como niño que quiere un juguete nuevo, son esenciales para poder vivir. ¿Qué sería de nosotros sin Titanic, Moulin Rouge o cualquier otra cinta que deliberadamente juegue con nuestros sentimientos, los haga bolita y los aviente? Por eso, aqui les presento mi Top 10, de las películas que más me han hecho llorar, orgullosamente.

01. La Vida es Bella - (Life is Beautiful)
Italia, 1998

Definitivamente, la película que más me ha hecho llorar, una y otra vez, es "La Vida es Bella". De hecho, con tan solo escuchar la música ya siento que una lágrima quiere salir de mi ojo. No se si se deba a la música, a la historia tan emotiva del niño que recuerda el coraje y el valor de su padre por hacerle creer que todo el sufrimiento en los campos de concentración se trataba de un juego, para finalmente comprender lo mucho que se sacrificó con él o la inolvidable actuación de Roberto Benigni.

Escena lacrimógena: Cuando el niño va en el tanque y ve a su mamá caminando y corre para abrazarla y decirle: ¡Ganamos mamá, ganamos!
Notas de cocodrilo: Lloré la única vez que fui al cine, pero moderadamente porque iba con mis amigos de la secundaria. Después la compré en DVD y las pocas veces que la he visto, he terminado moqueando.

02. Cinema Paradiso - (Nuovo Cinema Paradiso)
Italia, 1988

Un must-see para los amantes del séptimo arte y una historia acerca del lazo que surge entre Toto, un niño apasionado por el cine que posteriormente se convierte en cineasta, y Alfredo, el cácaro de aquel cine monumental que queda ciego tras un incendio en el inmueble. Las lecciones de vida que Alfredo enseña a Toto son capaces de partirle el corazón a cualquiera y provocar un molesto nudo de garganta.

Escena lacrimógena: Cuando Toto regresa a la ciudad convertido en cineasta y ve la película que Alfredo le dejó, o bien, cuando el Cinema Paradiso se encuentra en ruinas.
Notas de cocodrilo: Desde que la vi a los 5 años, cuando salió en Beta, lloré. Sucede igual que con "La Vida es Bella", con tan solo escuchar la música, se me pone la piel chinita.

03. Mi Primer Beso - (My Girl)
EU, 1991

Una película de cuando era niño, pero ahhhh... como me deprimía verla una y otra vez (aún la tengo en Beta, cuando en los Blockbusters remataron todas las pelis de ese formato). La amistad entre Vada, una niña media machorra, huérfana de mamá y un niño enfermizo, quienes juran su amistad con sangre, pero el destino termina separándolos.

Escena lacrimógena: Cuando el personaje interpretado por Macaulay Culkin se va a buscar el "mood ring" y lo pican las abejas y cuando Vada entra al velorio y le dice que se despierte... sniff
Notas de cocodrilo: Haha me acordé y ya se me pusieron los ojos borrosos. Tengo mucho sin ver esta película. Tendré que desempolvar mi Betamax para verla uno de estos días.

04. En Busca del País de Nunca Jamás - (Finding Neverland)
EU, 2004

Johnny Depp y Kate Winslet protagonizan esta historia acerca del escritor de Peter Pan que se encariña con un grupo de hermanos, cuya madre está agonizando, y que por medio de la fantasía y la imaginación les hace olvidar sus penas, eso siempre y cuando aprendan a abrir su corazón.

Escena lacrimógena: Cuando Peter ve su vida representada en el teatro y con el discurso de Depp diciendo que todo se puede con imaginación y el niño dice que puede ver a su mamá.
Notas de cocodrilo: La vi 1 vez en el cine y como desde mediación empecé a chillar. La compré en DVD y solo he tenido el valor de verla 1 vez más, por miedo a terminar hinchado y con la nariz roja.

05. Un Amor para Recordar - (A Walk to Remember)
EU, 2002

La cantante pseudo-actriz Mandy Moore protagoniza este chick flick por excelencia, acerca de una chavita mojigata, hija del reverendo, que se enamora del chico malo del pueblo. Pero, el amor por ella lo hará cambiar, aún cuando descubra que la aqueja una enfermedad incurable y lo único que ella desee sea presenciar un milagro.

Escena lacrimógena: Cuando Jamie le confiesa a Landon su secreto. La frase "Our love is like the wind, I can't see it, but I can feel it".
Notas de cocodrilo: Nunca la vi en el cine, ya que solo estuvo 1 semana y fue el verano que estaba en el Blockbuster. Fue la película MAS pedida mientras trabajé ahi y por cierto, no la teníamos en el inventario. Pero yo me compré el DVD para llorar a gusto e invitar a mis amigos y verlos llorar.

06. Moulin Rouge: Amor en Rojo - (Moulin Rouge)
EU, 2001

Un musical lleno de vida y colores, protagonizado por Ewan McGregor y Nicole Kidman. La historia cuenta el romance de un escritor bohemio que llega a la ciudad del amor, Paris, y se enamora de una cortesana, que se disputa entre el amor verdadero, o complacer a su jefe y enredarse con un wey medio prepotente que planea financiar el Moulin Rouge!.

Escena lacrimógena: El número musical de Come What May, después de "I've paid my whore".
Notas de cocodrilo: Cuando la vi en el cine, no lloré, pero salí con un dolor de pecho por aguantarme las ganas. En DVD ya he podido desahogarme más a gusto.

07. Diario de una Pasión - (The Notebook)
EU, 2004

La historia de amor entre Noah y Allie, una chava rica y un chavo pobre que se enamoran durante un verano y los padres de ella le prohiben seguir con la relación. Después de años, sus vidas volverán a cruzarse y deberán elegir el camino que los haga felices por el resto de sus vidas. Eso, más el encanto en la pantalla de Rachel McAdams y la química con Ryan Gosling complementan el marco dramático.

Escena lacrimógena: El beso en el muelle, la escena de los patos y cuando la viejita recobra la memoria.
Notas de cocodrilo: Mantuvo el record de la película que más he visto en el cine (4 veces, si mal no recuerdo) y las 4 veces lloré. Después la compré en DVD y la habré visto otras 4 veces más. La última ya se me hizo aburrida y me quedé dormido.

08. La Leyenda de las Ballenas - (Whale Rider)
Nueva Zelanda, 2002

Paikea no debía haber nacido, ya que de acuerdo a una profecía, su padre debió haber tenido un hijo varón, el cual sería el líder de la tribu. Ganándose desde pequeña el desprecio de su abuelo, Paikea deberá demostrarle, no solo a él, sino al pueblo en general, que pese a ser una niña, tiene el valor y el coraje para ser alguien grande. Una excelente interpretación de Keisha Castle-Hughes.

Escena lacrimógena: Cuando Paikea da su discurso, en honor a su abuelo, y sus lágrimas brotan tan naturalmente de sus ojos y su voz se entrecorta.
Notas de cocodrilo: Tengo la teoría que con el simple hecho de ver la escena lacrimógena arriba mencionada, lloro. No necesito ver el resto de la película porque ya me la se de memoria.

09. Jerry Maguire: Amor y Desafío - (Jerry Maguire)
EU, 1996

Jerry Maguire es un representante deportivo que trabaja en una gran compañía, pero de pronto se da cuenta que el verdadero sentido del deporte y amor al juego se está desvirtuando por el interés en el dinero, más que en el jugador. Por lo que armado de valor, toma sus cosas y decide crear su propia empresa, con la ayuda de una secretaria media insegura que decide acompañarlo. Tom Cruise en una actuación sólida, Cuba Gooding Jr. excelente y Renée se roba la película, a mi gusto.

Escena lacrimógena: "You had me at hello" Ahhhh y también cuando Cuba Gooding Jr. promete que no va a llorar y llora!
Notas de cocodrilo: Nunca la vi en el cine y es la única cinta que tengo tanto en VHS como en DVD, para que en caso de que un aparato no funcione, no me prive de la oportunidad de derramar lágrimas un buen rato.

10. Titanic - (Titanic)
EU, 1997

Si, estoy seguro que si veo "Titanic" ahorita, (lo cual veo muy dudoso ya que nunca volvería a ver tal jalada durante casi 4 horas), no lloraré. Y aunque hoy en día, casi todos odiemos a Titanic, en su momento, hace 10 años, la mayoría lloró (yo incluido). No, no lloré porque Jack se murió y deja a Rose sola, sino porque te ponían la musiquita de violines y todo el show, y pues era inevitable llorar. Además era la novedad. Ahorita, lo único que uno ve son los errores de la cinta.

Escena lacrimógena: La escena de "Promise me, Rose" y todo eso del hundimiento del Titanic.
Notas de cocodrilo: Creo que si lloré en el cine y luego la compré en VHS versión especial y no recuerdo haberla visto ni una sola vez. Como que tanto alarde hizo que me diera asco volverla a ver. Desde entonces, no la he visto completa.

Otras cintas lacrimógenas: Dulce Noviembre (Sweet November), Cadena de Favores (Pay It Forward), Filadelfia (Philadelphia), Niños del Hombre (Children of Men), Saint Ralph y Querido Frankie (Dear Frankie).
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Y... ¿dónde están los nominados?

Para alguien que espera con ansias el poder disfrutar de aquellas cintas nominadas al premio de la Academia, no nos bastará más que esperar. De las 5 cintas nominadas a Mejor Película, solamente 3 están en cartelera (Babel, Pequeña Miss Sunshine y Los Infiltrados). Haciendo una búsqueda exhaustiva por los sitios oficiales de las distribuidoras en nuestro país, ninguna menciona siquiera el estreno de "La Reina". De hecho, ahora que lo recuerdo, no he visto un solo poster de "La Reina" en algún cine de la ciudad.


"Cartas desde Iwo Jima" será distribuida por Warner Bros. y lo único que encontré fue un artículo donde se mencionaba que "La Conquista del Honor", la antecesora a Cartas... se estrenaría en enero y "Cartas desde Iwo Jima" en febrero. Puesto que "La Conquista del Honor" apenas se va a estrenar, me temo que esperaremos por la nominada al Oscar hasta marzo, si es que nos va bien. Por lo menos, ya hay posters en algunos cines de la ciudad. Creo que será la primera vez en muchos años en que las nominadas al máximo premio de la Academia ni siquiera han sido estrenadas en cartelera. Por lo general, la mayoría se estrena en Febrero, pero parece que este año no será así.


20th Century Fox estrenará "El Último Rey de Escocia" el día 9 de febrero y el filme "Escándalo" (Notes on a Scandal) con las nominadas Judi Dench y Cate Blanchett el 16 de este mes. Por lo menos, alcanzaremos a verlas a tiempo antes de los premios. Mientras que Buena Vista lanzará "Diamante de Sangre" este próximo viernes, Gussi-Artecinema se encargará de distribuir "Secretos Intimos" (Little Children) con Kate Winslet el 23 de febrero. Lamentablemente, considerando el historial de Artecinema, nos llegará la película a Monterrey hasta abril (esperemos que no).


De los filmes nominados que aún no tienen fecha definida son: Venus, Half Nelson (la cual sale en DVD región 1 en unas semanas y ya la tengo en mi lista para comprar), María Antonieta, The Black Dahlia y Curse of the Golden Flower.
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Kilómetro 31

"Terror a medias"
**1/2
México, 2007
Dirige: Rigoberto Castañeda
Con: Iliana Fox, Adriá Collado y Raúl Méndez.


Desde hace ya mucho tiempo, no recuerdo exactamente cuando fue ya que mi memoria cada vez me traiciona más, me tocó ver el trailer de "Kilómetro 31". Lo primero que sentí al ver aquel austero promocional fue más curiosidad que miedo. No me dejaba dormir la idea de cómo el cine mexicano tomaría dicho género para traer una historia nueva y propositiva. Total que la cinta terminó por retrasarse y no estrenarse el año pasado como estaba planeado y finalmente fue estrenada a nivel nacional este fin de semana.

"Kilómetro 31" narra la historia de dos gemelas (Agata y Catalina), que por lo visto tienen una conexión media sobrenatural que les permite compartir sentimientos mutuamente. Cuando Catalina va en su coche rumbo a la casa de su hermana, ésta atropella a un pequeño en una carretera oscura y desolada. Al bajarse (idiotamente) a ver si el niño sigue con vida, es arrollada por un automóvil que la pone entre la vida y la muerte. Es entonces cuando Agata, junto a su supuesto novio y al enamorado de su hermana convaleciente, se embarcan en una aventura para descubrir el misterio del accidente ocurrido.

De principio, la cinta empieza con un ritmo decente. Lamentablemente, no logra mantenerse así durante las casi dos horas de duración. Realmente me dio hueva ponerme a contar el número de bostezos que me aventé y la cantidad de veces que evité cerrar los ojos y disfrutar de una buena siesta dominical. El único miedo que me provocaba la cinta (por supuesto, antes de verla) era que el resultado final fuera un total fiasco, cosa que casi casi ocurrió.

El revivir el género del terror en nuestro país requería mucho más ingenio y originalidad. Estoy seguro que deben existir en el país escritores y guionistas, con propuestas muchísimo mejores, que quedan en el olvido. No entiendo la idea de realizar y comercializar una cinta que no tiene razón de ser.
"Kilómetro 31" no aporta nada nuevo a la cinematografía nacional. No constituye un hito en el género, ni reinventa la manera de contar una historia. Nada. Al contrario, se remite a remontarse a los lugares más comunes de cintas asiáticas y americanas para tratar de hilar una pobre historia y lograr sacar uno que otro susto, cosa que no logran en lo absoluto.

Lo más rescatable de toda la producción, recae en la parte técnica. La realización no le pide nada a filmes gringos, pero otra vez, de que sirve tener una buena producción, si la historia no lo merece.
Por ahí se prepara el remake del clásico del terror mexicano "Hasta el Viento tiene Miedo". Ojalá que disponga de mucho más originalidad y logre reivindicar un poco más a este género tan olvidado en nuestra industria fílmica.
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El Laberinto del Fauno

"Oscuramente mágica"
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México/España, 2006
Dirige: Guillermo del Toro
Con: Sergi Lopez, Ivana Baquero y Maribel Verdú


Finalmente tuve la oportunidad de ver "El Laberinto del Fauno" en pantalla grande, gracias al re-estreno que tuvo en cartelera. Guillermo del Toro ha logrado crear una cinta tan mágica, profunda y oscura que está destinada a convertirse en todo un clásico de culto. Ubicada en el periodo de la Guerra Civil Española, la película nos presenta a Ofelia, una pequeña con una fascinación por los cuentos de hadas que junto a su madre embarazada, van a vivir a una casa en el bosque, propiedad su padrastro: un sádico capitán. En su estancia, la niña vive en carne propia los estragos de la guerra y construye un mundo de fantasía que le permite evadir su dolorosa realidad: la enfermedad de su madre, el terror de la guerra y la soledad.

En su mundo de fantasía, Ofelia conoce al Fauno, un ser mítico que habita en un laberinto que se encuentra detrás de la casa. Él le confiesa que ella es la princesa de un mundo donde los humanos, la naturaleza y los seres mágicos conviven en completo equilibrio, pero primeramente deberá cumplir con 3 tareas para demostrar que es capaz de tomar dicho puesto.

"El Laberinto del Fauno" presenta dos mundos opuestos: por un lado se encuentra el mundo real: oscuro, violento y crudo, contrastante con el mundo mágico de Ofelia. Es una historia que retrata el sufrimiento de personas inocentes, sobre todo de los niños, durante estos conflictos bélicos y nos enseña a ser nosotros quienes tomemos las decisiones, sin permitir que alguien nos obligue a hacerlo. No por el hecho de que alguien te obligue a hacer algo, simplemente por tener un poder superior al tuyo, significa que es lo correcto. Debes permitirte hacer lo que consideres que sea lo apropiado.

Del Toro creó una historia inolvidable, por momentos violenta con el afán de retratar la crudeza del mundo actual, pero a la vez esperanzadora. "El Laberito del Fauno" es un relato emotivo acerca del poder de la imaginación y la fantasía por encima del sufrimiento y el dolor. Una película sumamente recomendable, con un guión, dirección de arte, maquillaje y sonido de lujo, lo que demuestra el gran talento de artistas hispanos y mexicanos a nivel internacional.
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En Busca de la Felicidad - (The Pursuit of Happyness)

"El que busca, encuentra"
***
The Pursuit of Happyness
Estados Unidos, 2006
Dirige: Gabriele Muccino
Con: Will Smith, Thandie Newton y Jaden Smith.


"En Busca de la Felicidad" es el más reciente "feel good movie" de Hollywood. Este tipo de películas tienen el objetivo de entretener, aleccionarte y de paso, conmoverte. No son del todo buenas, si te pones a analizarla bien y por lo general, se basan en hechos verídicos para tocar las fibras más profundas. Pues bueno, en pocas y resumidas palabras, eso será lo que verán en la película. Con todo y sus defectos, la película sale adelante, más que nada por el mensaje principal y por la actuación de Will Smith. De hecho, si no fuera por Smith, la cinta hubiera quedado en el olvido.

La historia está centrada en la vida de Chris Gardner, un hombre que queda en la bancarrota y sin empleo a principios de los años ochenta, y que además debe hacerse responsable por su pequeño hijo. Chris tendrá que luchar y perseverar para lograr cumplir su sueño: convertirse en un corredor de bolsa y de tal manera, alcanzar la felicidad que tanto anhela. Prepárate para que la cinta te enseñe a que si tienes un sueño debes luchar por alcanzarlo, aunque existan personas que te juzguen loco o no crean en ti. Lo más importante es creer en uno mismo y de tal manera, uno cumple con sus objetivos.


Entre sus defectos, el concepto de que la felicidad se obtiene gracias al dinero, pues lo dejo en tela de juicio. Todos sabemos que eso no es cierto y al parecer, es algo que tratan de recalcar en la cinta. En cuanto a la historia, en general es una colección de clichés y sigue al pie de la letra la fórmula del padre de familia fracasado con un hijo, que hará todo para mantenerse juntos y salir adelante. Will Smith da una de sus mejores actuaciones (si no es que la mejor hasta la fecha). La escena cuando llora es sumamente conmovedora que me fue imposible contener el llanto.


En general, la película busca llegar la público y lo logra. Es una cinta ligera y entretenida, pero a la vez conmovedora y dirigida a una audiencia muy amplia. Sin embargo, a nivel más detallado, no ofrece una historia original, sino al contrario, recicla fórmulas ya presentadas anteriormente y tiene el sello de Hollywood impreso por todos lados.
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