Venus


Venus
Inglaterra, 2006
Dirige: Roger Michell
Con: Peter O'Toole, Leslie Phillips y Jodie Whittaker

Después de meses y meses de espera, finalmente tuve la oportunidad de ver este filme. Como suele suceder en nuestro país, por alguna extraña razón las distribuidoras se toman meses, en ocasiones hasta años, en exhibir películas que han obtenido buenas críticas y reconocimientos en el extranjero. Tal es el caso de "Venus", cinta nominada en la pasada entrega de los premios de la Academia en la categoría de Mejor Actor, en la cual estuvo participando el veterano actor Peter O'Toole. Mis ganas de verla eran tales, que no pude resistir y me la aventé hace varios días en DVD región 1.


O'Toole da vida a Maurice, un viejo rabo verde de setenta años que asegura ser todo un experto en el área del amor y en las relaciones con las mujeres. Sin embargo, pronto se tragará sus propias palabras cuando conozca a la rebelde y apática veinteañera Jessie, hija de una sobrina de su mejor amigo Ian. Poco a poco, Maurice empezará a presumirle a la joven sus tácticas seductoras, según él todavía vigentes a tan avanzada edad, pero la indiferencia de la chica, a quien él bautiza como Venus por haberse convertido en su musa del amor, terminará por enseñarle que el amor y el placer son cosas totalmente distintas y que el hecho de realmente enamorarse de alguien es mucho más complejo de lo que él imaginaba.


La película tiene sus aciertos, entre ellos la magnífica y deleitante actuación que ofrece Peter O'Toole, la cual hace que el resultado final sea disfrutable y entretenido. En manos de cualquier otro actor, probablemente el personaje no hubiera logrado tener ese balance de comicidad y sentimentalismo, el cual se obtiene gracias a la interpretación tan honesta y carismática del histrión. Sin O'Toole en el filme, "Venus" hubiera pasado totalmente desapercibida. Esto me lleva a pensar que es el tipo de cintas que salen a flote únicamente por su actor protagónico y no tanto por su calidad narrativa o técnica.

"Venus" termina siendo la típica drama-comedia que nos presenta a dos personajes cuyo conflicto radica en encontrar el verdadero significado del amor, aunque en esta ocasión visto desde la perspectiva del adulto experto y la joven inmadura. La cinta realmente no es un producto remotamente original ni propositivo, sino que recicla elementos ya vistos anteriormente y por momentos, el ritmo se vuelve demasiado lento. Es simplemente la excusa y el vehículo, esperemos no sea el último, de proyección para su protagonista. Me agradó que el objetivo general del filme haya sido el de explicar que realmente no hay edad para descubrir un sentimiento tan importante y que el amor puede darse bajo las circunstancias más inesperadas.
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The Dead Girl


The Dead Girl
Estados Unidos, 2006

Dirige: Karen Moncrieff

Con: Brittany Murphy, Toni Collette y Marcia Gay Harden

Karen Moncrieff escribe y dirige este oscuro y depresivo relato que gira en torno a la muerte de una mujer que se dedicaba a la prostitución. "The Dead Girl" es relatada en cinco partes desde una perspectiva femenina a través de los ojos de cinco personajes distintos. Cada uno de ellos se enfrenta a un problema diferente, pero en el fondo, cada una se asocia con el asesinato de la prostituta.


"The Dead Girl" da inicio con la historia de Toni Collette, quien interpreta a una mujer sumisa que está harta de las órdenes de su autoritaria madre y que una vez que descubre el cuerpo putrefacto de la chica muerta, decide huir de su casa. La segunda historia es la de Leah (Rose Byrne), una chava forense dependiente de los antidepresivos debido a la obsesión de sus padres por encontrar a su hermana que se perdió hace 16 años, sin embargo Leah cree que la chica muerta se trate de su hermana y que con ello, la pesadilla finalice. Después, tenemos la historia de Ruth (Mary Beth Hurt), una ama de casa que sospecha que su infiel marido está involucrado en el asesinato de la prostituta. Marcia Gay Harden le da vida a la madre de la chica muerta, quien se pone a descubrir quien era realmente su hija y se da cuenta que aún existe oportunidad para remediar las cosas. Finalmente, la cinta concluye con la historia de Krista (Murphy), la chica muerta.


Pese a tener un toque oscuro y tocar temas muy delicados, "The Dead Girl" es una cinta que habla acerca de la esperanza y de cómo, en una forma inesperada, la vida de varias personas puede cambiar en cuestión de segundos. En este caso, la muerte que viniera a simbolizar la pérdida de la esperanza ante la vida, representa para el resto de los personajes, una nueva esperanza, en cada uno de ellos expresados de forma distinta.

Este modesto filme independiente, además de su excelente guión, goza de unas actuaciones formidables por parte del elenco completo. Para mi gusto, la mejor actuación es la de Mary Beth Hurt como la esposa que vive afligida por el comportamiento de su marido. La expresión de su rostro de amor/temor/odio al mismo tiempo es simplemente espectacular. Otras que logran unas actuaciones de lujo son Rose Byrne, Kerry Washington y por supuesto, Brittany Murphy.
Moncrieff logra una cinta profunda, probablemente muy feminista, pero que nos enseña que la esperanza se puede encontrar hasta en los lugares más improbables.
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Premoniciones


Premonition
Estados Unidos, 2007

Dirige: Mennan Yapo
Con: Sandra Bullock, Julian McMahon y Nia Long

Es una terrible lástima ver que el talento de los actores sea desperdiciado completamente, ya sea por una mala dirección, un mal guión o simplemente, una mala elección. Sea cual sea el caso, Sandra Bullock se une a la lista de actrices como Hilary Swank y Halle Berry, que pasan de bodrio en bodrio y uno se pregunta ¿que acaso no leen bien los guiones? o ¿cómo es posible que sus representantes las dejen actuar en tan semejantes churros?. Respuestas que nunca obtendremos con precisión, aunque en el fondo todos sabemos que el dinero siempre es un factor importante en la toma de este tipo de decisiones.


"Premoniciones" nos presenta a la Bullock en faceta de ama de casa, interpretando a la perturbada Linda Hanson, quien vive afligida por la muerte de su marido en un horrible accidente automovilístico. Sin embargo, cuando Linda se va a dormir y despierta a la mañana siguiente, se da cuenta que ¡todo fue un sueño! Cada noche, el amargo sueño volverá a acosarla y no sabemos porqué, pero ella tiene la certeza de que lo que vive es lo que pasará en el futuro y que solamente ella tiene el poder de evitar que su marido perezca.


Empezaré por hablar acerca de la historia. No es más que la misma fórmula gastadísima del time-traveling mezclada con sueños raros y supuestas premoniciones. La cinta no se esfuerza en ser original, creativa o novedosa. Simplemente se remite a presentarnos los clichés que ya nos sabemos casi casi de memoria. La trama no se lleva de manera lineal, por eso de los sueños mezclados con realidad, pero aún así, la realidad ni siquiera es narrada de forma lineal. El nivel de confusión es máximo, sobretodo cuando tienes una historia donde abundan los plot-holes, las incongruencias están a la orden del día y pareciera que el guión fue revisado por un niño de 5 años. Ahora bien, el razonamiento es sumamente estúpido. Si se supone que el personaje de la Bullock tiene el don de ver el futuro, ¿porqué no cambiarlo? ¿porqué todo tiene que pasar tal cual?


Después de llenarnos la mente con tantas idioteces, todavía se toman el descaro de darle una explicación, afortunadamente no científica, ¡sino espiritual!, llevando al personaje principal con un sacerdote para que explique que eso de tener premoniciones es un don de Dios que pocas personas desarrollan. WTF?! Total que todo lo que pasa en la cinta es en vano ya que la protagonista no es capaz de resolver el conflicto principal. Osea que las premoniciones no sirvieron absolutamente para nada y entonces uno se pregunta, ¿cuál fue el propósito de la cinta? El final meramente es una jalada que me recordó demasiado a "Prueba de Fe" (The Reaping). Obviamente, "Premoniciones" termina por ser más mala y la Miss Simpatía termina por anotarse un bodrio más en su carrera.

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Apocalypto


Apocalypto
Estados Unidos, 2006

Dirige: Mel Gibson
Con: Rudy Youngblood, Dalia Hernández y Jonathan Brewer

Después de la controversia, y no olvidemos la lana, que obtuvo gracias a "La Pasión de Cristo", Mel Gibson regresa a la pantalla grande nuevamente como director, con otra aventura igualmente arriesgada, pero no al grado de su anterior trabajo. No cabe duda que el éxito que obtuvo le sirvió para abrir las puertas de los estudios cinematográficos y en esta ocasión tuvo el apoyo de un gran estudio como lo es Buena Vista, para presentarnos una historia que Gibson tenía en mente desde hace varios años y que nos transporta hasta el mundo de los mayas.


Protagonizada por actores desconocidos y hablada en su totalidad en el dialecto maya, "Apocalypto" nos presenta la historia de valor y determinación de Jaguar Paw, un hombre que vive junto a su esposa y su pequeño hijo en una pequeña aldea ubicada en lo más profundo de la selva. Sin embargo, sin deberla ni temerla, un día llega a la aldea un grupo de guerreros mayas que destruyen todo a su paso y lo toman como prisionero para llevarlo, junto a otros hombres y mujeres, hasta la ciudad maya para sacrificarlos ante los dioses. Pero el destino tendrá preparado algo más grande para Jaguar Paw, quien gracias a las enseñanzas de su padre y el amor de su esposa e hijo, logrará luchar por defender su vida.


La película fue duramente criticada, especialmente por retratar al imperio maya como una civilización de bárbaros, sin resaltar las grandes cualidades que los caracterizaban. Desde mi punto de vista, creo que el objetivo de la cinta no es el de presentar a la cultura maya tal cual, ni explicarnos cómo era que vivían o a que se dedicaban. Simplemente se trata de una historia que se ubica en dicha época y que toma ciertos aspectos únicamente. Gibson logra recrear de forma extraordinaria la vida de los mayas, gracias al excelente maquillaje, vestuario y cinematografía. Con pocos diálogos, la cinta logra mantenerte en un estado vertiginoso gracias a las persecusiones que ocurren durante el filme.

"Apocalypto", más que un retrato de los mayas, es una historia universal de cómo el amor, sin importar la época, la cultura, el idioma o las circunstancias, es capaz de transformar a las personas y cómo puede ser el motor de la supervivencia. Es un relato acerca del enfrentamiento de nuestros miedos gracias a la fuerza interna de cada uno. El resultado es un filme original, cero pretensioso y sumamente entretenido. Pese a no haber obtenido el éxito comercial como "La Pasión de Cristo" lo tuvo, "Apocalypto" es una buena altenrativa para los amantes del género de aventuras.
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Piratas del Caribe: En el Fin del Mundo


Pirates of the Caribbean: At World's End
Estados Unidos, 2007

Dirige: Gore Verbinski
Con: Johnny Depp, Orlando Bloom y Keira Knightley

Después de la euforia ocasionada con la saga anterior de "Piratas del Caribe" apenas el verano pasado, los nada tontos ejecutivos de Disney decidieron programar el estreno mundial de la tercera, y esperemos última, entrega de esta minita de oro con tal de vaciar las billeteras de los amantes del cine y fanáticos de las historias de piratas. Yo solamente me remití a comparar el tan acelerado estreno con el que tuvieron hace algunos años las cintas "Matrix Reloaded" y "Matrix Revolutions", que en lugar de lucrar con Neo y compañía, el tiro le salió por la culata para los de Warner Bros.


Pero bueno, la casa de Mickey Mouse podrá estar tranquila, porque pase lo que pase y por más mala que sea "En el Fin del Mundo", siempre habrá una razón para verla: para no quedarse fuera de las conversaciones, para saber en que terminará la historia o para ver a su actor favorito, ya sea Depp, Bloom o Knightley según sea el caso y las preferencias de cada espectador. En mi caso, la primera aventura de los piratas me tomó por sorpresa y la aventura fue tal que me sentí como si bajase de un juego mecánico de Disneyland. Sin embargo, la tan esperada segunda parte se alejó del humor sarcástico de su antecesora, le metieron más fantasía al asunto y mayor metraje, por lo que perdí el gusto por la saga. Para esta tercera entrega, debo confesar que lo único que me movió a verla fue para saber de que forma tan estúpida cerrarían con la franquicia.


"En el Fin del Mundo" reune a todo el elenco de las cintas anteriores para llevarnos a una aventura que involucra el rescate del capitán Jack Sparrow, quien por cierto no se roba la película, así como la congregación de los capitanes más importantes de los mares para acabar con Davy Jones de una vez por todas. Lo que nadie se imagina es que, cada quien tiene un objetivo distinto, así que una serie de traiciones, mentiras y revelaciones saldrán a flote durante las casi 2 horas y 40 minutos que dura la película.

Ni toda la pólvora, explosiones ni efectos especiales logran evitar que este barco se hunda. La historia es tan confusa, que de plano a uno le da flojera pensarle y seguirle el hilo. Pero más que eso, creo que su error principal está en durar tanto. La historia fácilmente pudo haber sido contada en 1 hora, dejando a un lado todas las escenas relleno como las de Sparrow hablando consigo mismo que fácilmente duran unos 10 minutos cada una y no aportan absolutamente nada a la trama principal. "En el Fin del Mundo" es un final churresco, sin chiste y totalmente predecible. Realmente la saga se merecía un final un poco más decente, pero bueno, deja en claro que lo que mueve a la industria no es tanto la calidad del producto, sino la lana que les dejará en su bolsillo.
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La Revelación


The Number 23
Estados Unidos, 2007
Dirige: Joel Schumacher
Con: Jim Carrey, Virginia Madsen y Logan Lerman.


Jim Carrey ha luchado durante años por tratar de deshacerse del estigma que lleva consigo por haber incursionado al showbusiness como comediante. Si, todos sabemos que por alguna extraña razón, la gente prefiere no tomar en serio este tipo de actuaciones y es por lo tanto que Carrey ha tomado papeles que se alejen de la comedia bobalicona que lo vio nacer, para arriesgarse y mostrarle al público de lo que es capaz de hacer. Los resultados han sido diversos, que van desde actuaciones memorables en "Truman Show" y "Eternal Sunshine of the Spotless Mind", hasta otras no tan acertadas como en "The Majestic" y en este caso, "La Revelación" (The Number 23).

Y en lo personal, simple y sencillamente no pude creer ni lo más mínimo del personaje de Jim Carrey, quien parecía que de un momento a otro soltaría una carcajada al mero estilo de "Liar Liar" y se pondría a hacer sus múltiples caras ante la cámara. Tal vez esto sea el resultado de una mala dirección y de un guión malo que pretendía ser inteligente. Carrey es el eje central de la cinta, en la cual nos presentan a Walter, un tipo común y corriente, que vive junto a su esposa e hijo, y que un buen día, por obra del destino, recibe como regalo un libro titulado "El Número 23" que sigue las aventuras de un hombre obsesionado con el número 23 y que está por cometer un horrible asesinato. Conforme avanza en la lectura, Walter se va dando cuenta que su vida es muy similar a la del personaje de la novela y pronto comienza a obsesionarse al punto de confundir la realidad con la ficción.

De principio, la historia suena interesante y no tan descabellada, pero una vez que es llevada a la acción, las expectativas se desmoronan y lo único que tenemos ante nosotros es un bodrio de enormes dimensiones que de la manera más estúpida termina por arruinar una premisa que pudo aprovecharse mucho mejor. La película se siente muy forzada hacia el final, resolviendo las cosas de manera absurda, dejando a su paso un sin fin de cabos sueltos, preguntas al aire y demás incongruencias.

"La Revelación", lejos de ser el thriller que auguraba ser, es un filme soporífero, plano y sin lógica, que por tratar de sonar inteligente y hacer pensar al espectador, no hace más que llevarnos hacia senderos conocidos y mejor tratados en cintas similares y suministrándonos un giro en la historia que honestamente, fue el menos acertado. Para el final, la única distracción de uno está en encontrar otro número 23 escondido en la película, porque ni Carrey ni el absurdo guión son capaces de lograr mantener nuestra atención.

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Primitivo


Primeval
Estados Unidos, 2007

Dirige: Michael Katleman

Con: Dominic Purcell, Brooke Langton y Orlando Jones

Probablemente jamás en mi vida hubiera visto "Primitivo" y mucho menos en pantalla grande, pero la falta de alternativas en cartelera gracias a la invasión del hombre arácnido, no le dejan a uno muchas opciones de donde escoger. Aunque ingresé a la sala esperando lo peor, debo reconocer que pese a sus defectos, "Primitivo" me entretuvo durante poco más de una hora y media, incluso más que filmes de más monto como "Invisible" o "Prueba de Fe", también estrenadas durante este año.

Basada en hechos reales, la cinta nos lleva hasta África para que acompañemos a un equipo conformado por investigadores y periodistas que tienen como objetivo encontrar y capturar a un cocodrilo gigantesco, bautizado por los habitantes de los pueblos circundantes como Gustave, el cual ha amenazado durante varios años a ciertas comunidades africanas. Esta enorme criatura tiene la fama de devorar a cuanta persona se le ponga en el camino, por lo que la misión pronto se convertirá en una pesadilla para cada uno de los miembros del equipo.

Entre escenas de suspenso, clichés y bromas gastadísimas, la película se toma aún la molestia de presentarnos un transfondo político, donde el mismo gobierno de las comunidades mata a aquellos que estén rompiendo alguna de las leyes que imponen. Digo, por mi que toquen el tema que quieran, pero como que esa historia secundaria viene sobrando por completo. Sorpresivamente, los efectos especiales no son tan malos. Tampoco son la maravilla, pero están decentes para tratarse de una cinta de bajo presupuesto. La historia con todo y sus fallas y falta de originalidad, quieras o no, te absorbe poco a poco.

Obviamente, "Primitivo" nos resulta tan familiar, que uno ya conoce de antemano lo que sucederá, cuál será el siguiente diálogo o incluso cuál será la próxima víctima del insaciable cocodrilo. Como cinta de poco presupuesto, las actuaciones son malas y poco convincentes, pero bueno, después de todo lo que importa en este tipo de películas no es tanto si Dominic Purcell (Prision Break) da la actuación de su vida o si el guión tiene un mensaje profundo. El objetivo es tenerte al borde de la butaca, entretenerte y hacer que se te olviden las preocupaciones y demás. En ese aspecto, "Primitivo" cumple, aunque para mi gusto, un poco más de gore no le hubiera caido tan mal.

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Cartas desde Iwo Jima


Letters from Iwo Jima
Estados Unidos, 2006

Dirige: Clint Eastwood

Con: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya y Ryo Kase


"Cartas desde Iwo Jima" es la contraparte de la cinta bélica extremadamente patriótica "La Conquista del Honor" (Flags of Our Fathers), también dirigida por el veterano Clint Eastwood. Cerrando magistralmente este ambicioso proyecto de Eastwood, con el respaldo de su amigo Steven Spielberg, "Cartas desde Iwo Jima" nos lleva nuevamente al campo de batalla en dicha isla japonesa durante la Segunda Guerra Mundial. La diferencia radica en que, mientras "La Conquista del Honor" narró la experiencia bélica desde el punto de vista de los americanos y cómo la batalla representó para los gabachos un acto de heroísmo en una época donde la esperanza se había perdido, "Cartas desde Iwo Jima" nos lleva al otro lado de la moneda, presentando el significado de dicha guerra para el país nipón.

Debo reconocer que no soy un gran aficionado de las cintas bélicas. Por lo general, cuando éstas salen en cartelera prefiero abstenerme. Como podrán darse cuenta, esta película la dejé pasar cuando salió en cartelera por la misma razón, aún cuando sabía que estaba nominada al premio de la Academia. Además, después de haber quedado decepcionado con "La Conquista del Honor", realmente mis ganas por verla eran casi nulas. Sin embargo, algo dentro de mi hizo que le diera la oportunidad, aunque fuera en DVD, solamente por no dejar. Cual sería mi sorpresa que "Cartas desde Iwo Jima" sobrepasó mis expectativas y logró mover las fibras más profundas que yacían intactas desde hacía varios meses (la última que me hizo llorar verdaderamente fue Half Nelson, ahora superada por ésta).

Lejos de remitirse a presentar las típicas escenas sangrientas de los enfrentamientos bélicos y retratar el horror de la guerra, Eastwood nos ofrece una historia sumamente humana, de valor, coraje y determinación. La película nos lleva hasta el campo de batalla, donde los japoneses fueron minoría y pese a su intento de preparar una estrategia contra los estadounidenses, la falta de liderazgo, la desobediencia de las órdenes del general superior y la indiferencia del gobierno de Japón por apoyar este combate terminaron por ahorillarlos a la pérdida de fe y al suicidio.

"Cartas desde Iwo Jima" nos enseña que ante la peor adversidad, la esperanza no debe morir y por tanto, no es motivo suficiente para quitarnos la vida, aún así se nos diga que debemos hacerlo por honor. El verdadero sacrificio consiste en la lucha interna por superarnos, la fortaleza y la fe en que las cosas serán mejores algún día y en donde el amor es el motor principal de todo ello. Clint Eastwood ha logrado una cinta maravillosa, que sin grandes pretenciones como lo hizo con "La Conquista del Honor", nos muestra el lado humano de la guerra, los estragos de la misma y la supervivencia ante las adversidades.
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Trust the Man


Trust the Man
Estados Unidos, 2005

Dirige: Bart Freundlich

Con: Julianne Moore, David Duchovny y Maggie Gyllenhaal

Por lo general, las comedias románticas suelen tener como protagonistas a veinteañeros casi treintañeros, que aún no han logrado encontrar el amor de su vida, bajo un enfoque muy feminista. "Trust the Man" se aleja un poco, en ese aspecto, del típico estándar para presentarnos una historia más madura y una reflexión más profunda sobre la dinámica de la vida de pareja, sus altas y bajas, el matrimonio, el compromiso y la fidelidad. Todos estos temas son tratados bajo la perspectiva de los protagonistas masculinos y tal vez eso es lo que la haga diferente y entretenida.


Escrita y dirigida por Bart Freundlich, esposo en la vida real de la actriz y protagonista del filme Julianne Moore, la cinta nos presenta a dos parejas que atraviesa por distintos conflictos. Por un lado tenemos a Tom (Duchovny) y Rebecca (Moore), un matrimonio que atraviesa una crisis al experimentar una vida sexual casi nula. Mientras que Tobey (Billy Crudup) y Elaine (Gyllenhaal) llevan años de noviazgo, pero ella se cansó de la inseguridad y falta de compromiso de Tobey. Pronto, los dos hombres se encontrarán en una situación que los hará reflexionar sobre el amor verdadero, la búsqueda de la persona ideal que pueda no ser lo que habías imaginado y finalmente, la vida de pareja, ya sea en forma de noviazgo o en el matrimonio.

"Trust the Man" inicia como un filme serio y profundo, pero a la vez entretenido y cómico. Sobresale el esfuerzo del elenco al brindar actuaciones sólidas y creíbles, en especial la Maggie Gyllenhaal quien se luce como siempre y demuestra su gran talento. Sin embargo, pese al buen ritmo con el que comienza, la cinta poco a poco se vuelve más lenta y la historia pierde toda seriedad para dar paso a ñoñerías y situaciones poco verosímiles que dan pena ajena. Si no hubiera sido por eso, la película hubiera sido una excelente comedia romántica madura. Después de habernos presentado a unos personajes adultos al inicio del filme, para el final son rebajados hasta convertirlos en los típicos adolescentes.

Pese al mal cierre de la película, "Trust the Man" nos lleva de la mano por temas actuales y sin andar con tapujos, presentando las historias desde un punto de vista más viril y no desde el típico pensamiento femenino. La cinta nos enseña que toda relación sentimental, además de demandar compromiso por ambas partes involucradas, está llena de altas y bajas. Sin embargo, cuando hemos encontrado a la persona con la que queremos compartir el resto de nuestra vida, hay que aprender a superar los problemas y no desistir inmediatamente sin recapacitar en las decisiones que se tomen y en las consecuencias de las mismas.
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La Última Carta


Smokin' Aces
Estados Unidos, 2007
Dirige: Joe Carnahan

Con: Ryan Reynolds, Andy Garcia y Ray Liotta

"La Última Carta" es un filme de acción que sigue el mismo estilo, narrativo y visual, del cine de Quentin Tarantino ("Reservoir Dogs", "Pulp Fiction") y de Guy Ritchie ("Snatch", "Lock, Stock and Two Smoking Barrels"). Pese a ello, el resultado final dista mucho del obtenido por estas obras que lograron convertirse en objeto de culto en todo el mundo. Y aunque pareciera que "La Última Carta" tenía todas las de ganar, especialmente al incluir a un variado reparto que va desde cantantes convertidos en actores (Alicia Keys), pasando por rostros conocidos en Hollywood (Ben Affleck y Ryan Reynolds), actores de televisión (Jeremy Piven y Matthew Fox) hasta llegar a los veteranos encasillados en personajes secundarios (Andy Garcia y Ray Liotta), tal parece que olvidaron por completo que en este tipo de cintas, además de las ruidosas matazones, es indispensable tener un guión entretenido, salpicado por unas cuantas dosis de humor negro.


Ubicada en Las Vegas, la cinta se centra en la vida de Buddy "Aces" Israel, un ilusionista que en sus tiempos libres logró incursionar al mundo de la mafia. Sin embargo, sus errores y la poca experiencia en esta organización han ocasionado que Israel se encuentre con el agua hasta el cuello. Cuando uno de los capos más importantes y peligrosos de la mafia solicita la cabeza de este tipo a cambio de dinero, inmediatamente una serie de matones a sueldo se alistará para matar a Buddy y cobrar la recompensa. Mientras tanto, el FBI buscará la manera de evitar que esto suceda, ya que él es la única persona que podría testificar y ayudar a la policía a aprehender a los líderes de la mafia.


"La Última Carta" nos receta casi dos horas de muchos balazos, acción y sangre, pero poca consistencia, o como bien dirían, mucho ruido y pocas nueces. Aunque por momentos la cinta resulta entretenida, desgraciadamente termina por presentarnos algo que ya habíamos visto no una, sino muchas veces. Uno de los errores de la película está en presentar a tantos personajes, algunos sin la más mínima relevancia en la historia y otros que rayan en la autoparodia y la exageración. Asimismo, le falta ese toque ácido de humor que caracterizó a filmes del mismo género.

Ya para el final, a uno no le interesa lo que ocurrirá con el personaje principal de la cinta, ni el destino de cada uno de los asesinos. La conclusión es sumamente forzada, principalmente por tratar de dar un giro a la trama que está lejos de ser sorpresivo, puesto que desde el inicio de la película, uno sabe hacia que terreno nos llevará. Probablemente, la intención del director Carnahan era la de crear un nuevo filme de culto, pero lamentablemente no logra conseguirlo. "La Última Carta" es una cinta desabrida, que desaprovecha el posible potencial del elenco y que carece de la originalidad narrativa y visual de películas muy similares.
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Cines del Ayer - Cine Reforma


Cine Reforma
Monterrey, Nuevo León
Ave. Madero #350 Oriente entre Galeana y Emilio Carranza

Estatus: Demolido
Pantallas: 1
Asientos: 4,450
Cadena: COTSA
Apertura: 1948
Cierre: 1992

Ubicado en la calzada Madero número 350 oriente, entre las calles Hermenegildo Galeana y Emilio Carranza, el cine Reforma fue inaugurado la noche del viernes 23 de enero de 1948, con la proyección de la cinta “A volar joven” protagonizada por Cantinflas. La construcción de esta edificación tuvo un costo (en aquel entonces) de poco más de 3 millones de pesos y corrió al mando del ingeniero Aníbal Treviño.

El cine Reforma fue el último de la serie de cines monumentales que se construyeron en México a mediados del siglo pasado. El recinto, con una sola pantalla, tenía una capacidad total para 4,450 personas, lo que lo convirtió inmediatamente en el cine más grande de la ciudad. El cine estaba diseñado en 3 niveles: el primero (luneta) con 1,950 butacas; el segundo (preferencia o balcón) con 1,300 butacas y el tercero (anfiteatro o galería) tenía gradas de cemento en lugar de butacas y tenía capacidad para 1,200 personas.

Durante los años 60, el cine Reforma fue la sede del evento “La Caravana Corona”, en el cual asistían personalidades como Enrique Guzmán, Angélica María, entre otros, que llenaban las tres localidades del cine Reforma.

Sin embargo, la suerte fue cambiando para este recinto y la llegada de las películas en video, la proliferación de los multicinemas (muchas salas en un solo lugar) y la degradación de la zona comercial de Madero, que antes era un centro comercial de convivencia familiar y no un centro de prostitución y bares de mala muerte, ocasionó el declive del cine.

A principios de los noventa, el cine seguía siendo el más grande de la ciudad, pero había cerrado el nivel del anfiteatro. En el año 1992, COTSA (Compañía Operadora de Teatros) anunció el cierre definitivo de este recinto que resultaba incosteable en tiempos de crisis económica nacional. En dicho año, el cine únicamente operaba en el primer nivel (los otros dos niveles habían sido cerrados) y a pesar de tener una capacidad para alrededor de 2,000 personas, tenían una asistencia de menos de 70 personas por día.

El 19 de mayo de 1992, el cine Reforma presenció por última vez la magia del séptimo arte y desde entonces, es un gigante invisible ante nuestras miradas, que vemos tan descomunal edificio situado en una calle tan ruidosa y transitada como lo es Madero. Durante años, este cine sirvió como refugio para vagabundos y como almacén de butacas de otros recintos cinematográficos que podían apreciarse al transitar por la calle. Sin embargo, una noticia tomó por sorpresa a la sociedad regiomontana el día 27 de septiembre del 2006: un incendio se suscitó en este recinto, provocando grandes daños en el interior del inmueble y el derrumbe del techo del mismo.

Después de controlado el incendio, las miradas se concentraron en este gigante que parecía desplomarse de un momento a otro. Por órdenes del gobierno municipal, se autorizó la demolición del cine Reforma para evitar algun daño mayor, tanto a los locales aledaños, como a los transeuntes. Con ello, nos fue arrebatada una parte importante de nuestro patrimonio cultural, y aunque instituciones abogaron por rescatar lo que quedaba del cine, sus esfuerzos fueron inútiles.

Lamentablemente, en algunos años, futuras generaciones olvidarán que en ese espacio existió un cine, que semana a semana entretenía y albergaba sueños de muchas familias regiomontanas.

A continuación les dejo más imágenes de este cine Reforma:



Imagen propiedad de El Norte

Imagen propiedad de El Norte


La información presentada es el resultado de una investigación personal, apoyada en el artículo "Mañana ya no habrá palomitas" de Sergio Cárdenas. El Norte. 19 de mayo de 1992. Las imágenes marcadas con el nombre del sitio son propiedad de René Sánchez. Las imágenes propiedad de El Norte no son usadas con fines de lucro, sino exclusivamente a manera informativa.
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Entre Caníbales


Entre Caníbales
México, 2007

Dirige: Rodrigo González
Con: Plutarco Haza, Roberto Sosa y Regina Orozco

"Entre Caníbales" es una cinta realizada en tierras regiomontanas, dirigida por Rodrigo González, que a diferencia de otras películas mexicanas, fue lanzada primeramente en Monterrey y otros estados del norte del país antes que en la capital. No cabe duda que "Entre Caníbales" es un producto muy regional, en especial al recurrir a ciertos estereotipos norteños que son muy particulares, así como al involucrar temas de conversación que dudo sean del conocimiento de otra ciudad fuera de Monterrey y su área metropolitana.

La cinta nos lleva al hogar del empresario regiomontano Marcelo (Haza), quien se encuentra preparando una carne asada para reunirse con sus amigos de la infancia que junto con él, formaban parte del equipo de beisbol infantil "Los Caníbales", el equipo ganador de las ligas menores en 1977. Entre preparar los últimos detalles de la reunión y los reclamos de su esposa Ana ante la aparente frialdad que muestra hacia ella, los invitados comienzan a llegar y no hacen más que burlarse unos de los otros y quejarse del calor que hace en Monterrey. Mientras esperan a que todos lleguen, disfrutan de revivir algunas anécdotas y de nadar un rato en la alberca.

Sin embargo, ante la aparente amistad y lealtad que profesan los unos con los otros, se esconde una red de mentiras, engaños e intereses que durante años han existido y que Marcelo acaba de descubrir, y es por ello que está dispuesto a sacar a flote la verdad para exigir una explicación. "Entre Caníbales" se vuelca ante las debilidades que como seres humanos tenemos, para presentar la historia de un hombre que no teme a sacrificar todo lo que tiene, con tal de obtener la felicidad que aparentemente tenía junto a su familia y amigos.

La premisa de la cinta es buena y se agradecen las buenas intenciones. Las actuaciones por parte del elenco son buenas, especialmente la de Regina Orozco y Plutarco Haza. Pese a ello, el filme cae en muchos estereotipos y deja en claro un gran hueco en la parte de dirección. Si se supone que la cinta toma lugar en una reunión y los personajes tienen tiempo de no verse, es lógico que se la pasen platicando de lo que han hecho. Pero no es así, sino que mientras dos o tres actores están a cuadro recitando sus diálogos, el resto se ve que no sabe ni que hacer y se remiten a leer sus periódicos o revistas creando una atmósfera muy artificial. La edición del filme es muy pobre, los cortes entre escenas son muy abruptos y en ocasiones, tratan de combinar dos historias simultáneas de una forma burda y finalmente, la iluminación, sobretodo al inicio de la película, es casi nula. Hay escenas que ocurren en plena oscuridad donde ni siquiera las formas se alcanzan a vislumbrar. Es un intento de cine hecho en Monterrey que se agradece, puesto que es fresco y diferente a las opciones que ofrece el cine nacional, pero que deja en claro que aún falta mucho por aprender, en especial en los aspectos técnicos.
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Invisible


The Invisible
Estados Unidos, 2007

Dirige: David S. Goyer

Con: Justin Chatwin, Margarita Levieva y Marcia Gay Harden

Por alguna extraña razón, "Invisible" me recordó mis años de preparatoria, cuando solía aventarme todas las películas de suspenso que salían en el cine, tales como "The Skulls", "Gossip", entre otras. Tal vez se haya debido a que la historia está dirigida hacia un público adolescente, tiene un soundtrack medio emo de baladas acústicas, un elenco interesante conformado por nuevos talentos y uno que otro cliché para lograr asustar a aquellos que aún no estén familiarizados con el género.


Vendida como una cinta "de los productores de Sexto Sentido", este remake de un filme sueco, nos lleva hasta la vida de Nick Powell, un estudiante con un futuro próspero que sueña con viajar a Londres para convertirse en un escritor. Sin embargo, sus sueños se verán frustrados cuando Annie, una compañera de clase conflictiva, sospeche que Nick la delató ante la policía del robo de unas joyas y ante un arrebato de ira, le quita la vida. Pero ahí no termina la cosa. Al siguiente día, Nick va como si nada a la escuela, pero pronto descubre que ¡es invisible!. Incapaz de comunicarse con los demás, Nick desconoce lo que ha ocurrido. Poco a poco, empieza a atar cabos y se da cuenta que se encuentra entre la vida y la muerte y debe encontrar la manera de que la policía descubra la verdad de los hechos y logre encuentrar su cuerpo moribundo, antes de que sea demasiado tarde.


Obviamente, era de esperarse que la película se tomara ciertas libertades y fuera medio ilógica. Pero realmente llega el punto donde "Invisible" cruza la barrera entre lo permisible y lo inaceptable. De pronto, Nick puede comunicarse con su compañera de clase que lo asesinó, y ésta no solamente puede escucharlo, sino que puede sentirlo y servir como un medium para que éste exprese sus sentimientos a su madre. Y por supuesto, aún con menos lógica está el hecho de que la asesina, una joven de a lo mucho 15 años, ande prófuga corriendo de un lado a otro y apareciendo en cualquier lugar público que se le de la gana y que la policía del estado de Washington no pueda atraparla.


Pese a que Justin Chatwin, a quien anteriormente vimos en "War of the Worlds", ofrece una actuación decente, es sorprendente que lo peorcito venga de los actores adultos, en especial de Marcia Gay Harden, quien por lo general se luce en los roles que interpreta, pero que en esta ocasión cae en la sobreactuación rayando en lo ridículo. "Invisible" no trae nada nuevo, a excepción de su reparto juvenil. Por lo demás, pareciera que se trata de un producto en serie, el cual no posee algún elemento que lo distinga de los demás. Entre clichés, absurdos y aburrimiento, se esboza una historia predecible que pide a gritos un final feliz al mero estilo hollywoodense.
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El Latido de mi Corazón


De battre mon coeur s'est arrêté
Francia, 2005

Dirige: Jacques Audiard

Con: Romain Duris, Niels Arestrup y Emmanuelle Devos

Es muy común que cuando un filme extranjero, generalmente europeo o asiático, tiene gran éxito a nivel internacional, inmediatamente Hollywood se pone las pilas para comprar los derechos y hacer su propia versión de la historia. Lo hemos visto en cintas asiáticas como "The Ring" o la recientemente ganadora del Oscar "The Departed", así como en filmes europeos como la italiana "The Last Kiss" o la francesa "Taxi", entre otras. En esta ocasión, sucede al revés. "El Latido de mi Corazón" es un remake francés de una cinta americana llamada Fingers, protagonizada por Harvey Keitel en 1978.

La adaptación corre a cargo del realizador francés Jacques Audiard que particularmente se dio a conocer a nivel mundial gracias a su previo trabajo cinematográfico titulado "Sur mes lèvres" (Read my Lips). "El Latido de mi Corazón" nos presenta la historia de Thomas Seyr, un joven que se dedica a hacer trabajos para su padre, un hombre mayor que ha dedicado su vida a realizar transacciones medias turbias con bienes inmuebles. Cuando éste tiene problemas con algún inquilino o cliente, Tom y sus amigos tienen la tarea de poner a estas personas en su lugar. Sin embargo, un buen día se encontrará con el ex-agente de su difunta madre, una reconocida pianista, y le ofrecerá una oportunidad para audicionar como pianista en un evento que se está organizando.

A partir de este incidente, Tom deberá cuestionar qué es lo que realmente quiere hacer con su vida, ¿convertirse en un mafioso como su padre o explotar la habilidad musical que heredó de su madre? La película nos muestra el viaje que emprende el personaje principal con la finalidad de descubrir su verdadera pasión, encontrarle sentido a su difusa vida y aprender que en la vida, todo es cuestión de saber tomar decisiones por nosotros mismos. En este largo camino que le espera por recorrer, Thomas conocerá a Miao Lin, una instructora de piano que ni siquiera habla francés, y que solamente por medio del lenguaje musical, tratará de lograr que Thomas saque sus frustraciones e inquietudes para conseguir una interpretación excepcional.


"El Latido de mi Corazón" es un filme que define cuidadosamente a sus personajes y que juega inteligentemente con las emociones de los mismos a lo largo de la cinta. Entre lo más destacable de la película se encuentra la actuación del actor Romain Duris, a quien ya habíamos visto anteriormente en "L' Auberge Espagnole". Su interpretación de músico atormentado por su pasado y su naturaleza es realmente impresionante y bien lograda, haciendo que el personaje se sienta real y nos lleve a sentir empatía con él. Definitivamente, una buena alternativa que ofrece la cinematografía francesa en nuestro país.

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Al Otro Lado del Mundo


The Painted Veil
Estados Unidos/China, 2006

Dirige: John Curran

Con: Edward Norton, Naomi Watts y Liev Schreiber


"Al Otro Lado del Mundo" es una adaptación de la novela "The Painted Veil" (El Velo Pintado) del escritor inglés Somerset Maugham, la cual explora principalmente temas como el matrimonio y las altas y bajas que acompañan a toda relación amorosa, ubicada a principios del siglo pasado. Con la participación de dos actores muy queridos en el medio independiente como lo son Edward Norton y Naomi Watts, el director John Curran ("We Don't Live Here Anymore"), nos traslada hasta los rincones más profundos de China para presentarnos la historia de Walter y Kitty Fane y el viaje que transformará la vida de esta pareja.

Walter Fane es un reconocido científico, que estando de visita por Inglaterra, se enamora a primera vista de la hermosa Kitty, una joven proveniente de una acaudalada familia inglesa. Fane inmediatamente le propone matrimonio, puesto que está a punto de partir hacia Shanghai por cuestiones laborales. Sabiendo que el doctor es un buen partido y que sus hermanas ya están casadas, Kitty decide aceptar la propuesta del hombre, sin conocerlo y sin amarlo. Ya en Shanghai, ambos comienzan a percatarse de lo diferente que son y Kitty, en su soledad, busca consuelo en los brazos del diplomático Charlie Townsend. Walter se da cuenta del adulterio de su esposa y a manera de castigo a sus actos indecentes, decide llevarla junto con él hasta un pequeño pueblo enmedio de la nada, donde se ha desatado una tremenda epidemia de cólera.

"El Velo Pintado" es un romance exquisito, de aquellos que solían realizarse Hollywood hace varios años. A grandes rasgos, el filme presenta la lucha de una pareja por mantener vivo el amor, que tal vez nunca existió. Aunque Walter se enamoró de Kitty desde el momento en que la conoció, bien sabemos que ella no siente nada por él y esa es la causa de su infelicidad y apatía. Poco a poco, el cansado viaje, la vida del campo y el enfrentamiento con la muerte día a día, provocarán que cada personaje se conozca más a si mismo y logren reconocer sus diferencias, pero a la vez, los sentimientos que escondidos, afloran en ambos.

La cinta tiene una combinación de excelentes actuaciones por parte del elenco. Edward Norton se luce como el frío y racional doctor Fane, mientras que Naomi Watts demuestra nuevamente su capacidad histriónica al interpretar a un personaje tan complejo a nivel sentimental. Además de ellos, la película no hubiera sido nada si no fuera gracias a una impecable dirección, una majestuosa cinematografía que nos deja atónitos ante la belleza de los paisajes de China, un guión inteligente que además de la historia de amor, enmarca los acontecimientos políticos, económicos y sociales de la época y finalmente, una cautivadora banda sonora que logra el balance perfecto entre todos los elementos del filme. Tal como el título original lo propone, el objetivo de la película consiste en comprender que muchas veces tenemos puesto un velo que cubre nuestros ojos y que nos impide ver a los demás tal cual son, observar sus cualidades y apreciarlos por lo que valen.
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Because I Said So


Because I Said So
Estados Unidos, 2007

Dirige: Michael Lehmann
Con: Diane Keaton, Mandy Moore y Lauren Graham


La crítica americana no tuvo compasión y acabó por completo con la cinta "Because I Said So", protagonizada por la veterana Diane Keaton y la cantante pop convertida en actriz Mandy Moore, estrenada en la Unión Americana el pasado mes de enero. Obviamente, las malas críticas terminaron por hundir la cinta casi en automático, ocasionado que su llegada al formato DVD fuera de forma precipitada. Como bien sabemos, las películas que tienen un pobre desempeño en taquilla en los Estados Unidos rara vez logran tener distribución en pantalla grande en nuestro país y prefieren mandarlas directito a video para no generar cuantiosas pérdidas. En vista de que ni lo uno ni lo otro está pronto a ocurrir, no me quedó más que verla en DVD región 1, con las expectativas casi por los suelos.

"Because I Said So" lleva orgullosamente el estandarte chick flick de principio a fin. Básicamente, la cinta gira en torno a Daphne (una irritante Diane Keaton), una madre que gusta de entrometerse en la vida de sus 3 hijas, en especial en la de Milly (Mandy Moore), la única soltera del trío y la que ha tenido mala suerte en el amor. Por miedo a que termine igual de amargada como ella, Daphne decide poner un anuncio en Internet para ayudarle a su hija a que encuentre al hombre ideal, lógicamente sin que ella sospeche lo más mínimo. Muy pronto, Milly comenzará a salir con Jason, un tipo rico que es el candidato perfecto para su escrupulosa madre y con Johnny, un músico que tiene un hijo demasiado travieso.

A partir de esta situación, supongo que ya deben imaginarse, o mejor dicho, ya tienen la certeza de lo que ocurrirá. En primera instancia, "Because I Said So" no aporta nada nuevo al género. Reutiliza un montón de diálogos, situaciones, chistes y demás que hemos visto hasta el cansancio en otras comedias románticas, que de perdido supieron aprovecharlas de una manera inteligente. La película, además de predecible, es tan sosa que cae en la desesperación. Termina siendo un suplicio de más de 100 minutos de duración, que parecen interminables.

Uno termina de ver la película y lo único que desea es estrangular a Diane Keaton. La única parte que medio disfruté, fue cuando su personaje se enfermó de la garganta y no podía hablar ni una sola palabra. La actuación de Keaton es frustrante e innecesariamente sobreactuada. El resto del elenco, simple y sencillamente sale desaprovechado ante la obvia ausencia de un guión inteligente que de perdido tenga la intención de hacer pensar al espectador. Pero no, caso contrario, "Because I Said So" es una cinta que no requiere ni demanda a la audiencia que utilice el cerebro en un solo momento. Finalmente, ni siquiera como chick flick da resultado. No es romántica y mucho menos es cómica. Simplemente es una mala película, poco original, que demuestra que ni con protagonistas de alto nivel como Diane Keaton, ni con estrellas populares entre la audiencia meta como lo son Mandy Moore o Lauren Graham (Gilmore Girls), se garantiza que una película tan sosa y predecible logre funcionar.
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Deslizando a la Gloria


Blades of Glory
Estados Unidos, 2007

Dirige: Josh Gordon y Will Speck
Con: Will Ferrell, Jon Heder y Will Arnett

De la camada de comediantes provenientes del programa televisivo Saturday Night Live, Will Ferrell ha sido uno de los que ha tenido mayor éxito en la pantalla grande, al menos en los Estados Unidos. Por alguna extraña razón, Ferrell no ha logrado tener el arrastre ni fan-base suficiente en nuestro país, así como otras naciones de habla no inglesa, como lo han logrado cómicos como Jim Carrey, Adam Sandler o Ben Stiller. Sus películas recientes, Anchorman y Talladega Nights, han sido unos tremendos fracasos de taquilla en México y pasaron con más pena que gloria por la cartelera nacional. Después de adentrarse al mundo del automovilismo en su anterior filme titulado Talladega Nights, en esta ocasión Will Ferrell se va hasta las pistas de hielo para explorar el mundo del patinaje artístico, obviamente desde una visión cómica.


Teniendo como co-protagonista a Jon Heder, quien obtuvo gran popularidad gracias a su interpretación de nerd en la cinta de culto Napoleon Dynamite, "Deslizando a la Gloria" nos presenta a dos archienemigos cuyas personalidades son completamente opuestas. Por un lado tenemos a Chazz Michael Michaels (Ferrell), un gordinflón adicto al sexo que es famoso por sus rutinas que ponen de cabeza a cuanta mujer lo vea. Mientras que Jimmy MacElroy (Heder) es un joven delicado, que odia la improvisación y cuyas rutinas de patinaje son algo afeminadas. Después de una trayectoria exitosa, ambos se disputan el primer lugar en una competencia y quedan empatados, lo que provoca una trifulca entre ambos concursantes y debido a su conducta, son expulsados del deporte.

Sin embargo, pronto descubren que la única forma de regresar al deporte que tanto aman, es participando en la competencia de parejas en los Juegos de Invierno, convirtiéndose en la primera pareja de hombres en hacerlo. Por supuesto, esto será el parteaguas para un sinnúmero de bromas que jueguen con la sexualidad de ambos personajes al ponerlos en situaciones demasiado embarazosas, grotescas, pero a la vez graciosas. Lo que empieza como una buena película de comedia americana termina por desvirtuarse ya para el final de la cinta. Poco a poco, las carcajadas van en decremento al recurrir a gags muy gastados, situaciones inverosímiles y a un ritmo que decae rumbo al descenlace.

En lo personal, tanto Talledega Nights como Anchorman, me botaron de la risa de principio a fin. A pesar de que el humor de Will Ferrell es muy especial y mucho más americano que el de otros comediantes (de ahí el porque su éxito no logra traspasar algunas fronteras), siempre termino disfrutándolo. En esta ocasión, Jon Heder termina por robarle algunas escenas a Ferrell, dejándolo por momentos, fuera de la jugada. Después de la mitad, la película se torna tediosa, inverosímil y predecible, especialmente en la escena de la competencia final de los Juegos de Invierno. "Deslizando a la Gloria" termina por ser un filme dominguero y muy cliché. Probablemente corra con mejor suerte que las anteriores cintas de Ferrell, al ser la única opción cómica en cartelera y al no tener el típico humor grotesco y americanizado que ha caracterizado a las películas en las cuales ha sido el protagonista.

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Seduciendo a un Extraño


Perfect Stranger
Estados Unidos, 2007
Dirige: James Foley
Con: Halle Berry, Bruce Willis y Giovanni Ribisi.


"Seduciendo a un Extraño" es un supuesto thriller érotico, con poco supenso y cero erotismo, protagonizado por dos estrellas A-list de Hollywood: Halle Berry y Bruce Willis. En lo que pareciera un intento fallido de aprovechar la fórmula que alguna vez tuvo éxito en cintas como "Basic Instinct", el guión tan pobre, incongruente y estúpido simplemente no ayuda a que la película salga a flote.

Con una historia parecida a cualquier bodrio erótico softporn de esos que pasan después de medianoche por algunos canales de televisión de paga, Rowena (Berry) consigue un trabajo en una empresa publicitaria de renombre para seguirle la pista al jefe, Harrison Hill (Willis), un hombre pervertido que supuestamente asesinó a la mejor amiga de Rowena de una forma sádica. Valiéndose de su voluptuoso físico, Rowena logrará que el jefe se fije en sus encantos para poco a poco descubrir la verdad.

La diferencia es que, pese al intento desesperado de la Berry por actuar, o de la frívola caracterización de Bruce Willis, la película no provoca el más mínimo interés en seguir la trama. En los momentos donde debería tenernos al borde de la butaca, uno lucha por mantener sus ojos abiertos y adivinar lo que ocurrirá de tan predecible que es. ¡Y lo peor! Publicitada como un film de corte erótico, las escenas entre Berry-Willis se limitan a simples besos y nunca vemos más acción. De perdido esperaba que Halle mostrara sus encantos a la "Monster's Ball" con todo y gemidos incluidos, para intentar reestablecer el orden a tan difusa cinta.

Para el final, "Seduciendo a un Extraño" aprovecha que está de moda eso de dar giros en la trama y lo hace de una manera tan absurda, ilógica, incoherente y estúpida que no podía concebir el porque dos actores de tal talla aceptaron participar en dicho filme. "Seduciendo a un Extraño" es lo que llamarían en el país vecino, un completo flop. Un fracaso tremendísimo en la carrera de ambos histriones y un mal rato para uno que lucha entre mantener la atención y no cabecear. Ni las actuaciones, ni la atmósfera newyorkina high-class y mucho menos el guión, son relevantes y por tanto, la cinta está destinada a perderse entre los estantes de un videoclub, esperando a que algún iluso calenturiento se lleve el chasco de su vida.

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El Hombre Araña 3


Spider-Man 3

Estados Unidos, 2007
Dirige: Sam Raimi
Con: Tobey Maguire, Kirsten Dunst y James Franco


De las sagas y películas basadas en superhéroes, la franquicia de Spider-Man era la que más me gustaba, me entretenía y respetaba. Y lo expreso en pretérito porque, de cierta forma, la tercera aventura de Spidey me sacó de onda. Mis expectativas no eran tan altas, pero digamos que esperaba algo diferente, algo así como lo que vimos y disfrutamos en la primera y segunda parte. En esta ocasión, Peter deberá enfrentar al verdadero asesino de su tío, pero a la vez, cuestionar el amor que siente hacia Mary Jane, recuperar la amistad de Harry y conservar su trabajo como fotógrafo.

Para empezar, hablemos de la historia. No soy un fan del cómic ni nada por el estilo, solo soy un simple mortal que disfruta de las cintas de Spider-Man en la pantalla grande, por lo que no me pondré a discutir si la psicología de algún personaje fue tratada a la ligera, o si la adaptación fue mala, etc. Lo que me correspondería discutir, sería en primera instancia, el afán por incluir tantas escenas musicales realmente sin necesidad alguna. Cuando Peter Parker, en su faceta emo, arma tremendo espectáculo al mero estilo Broadway en el bar donde Mary Jane trabaja, sentí pena ajena y me pregunté ¿realmente entré a ver la película correcta? Un musical más y habría abandonado la sala casi corriendo en busca de ayuda psiquiátrica.

En segundo lugar se encuentra el toque melodrámatico-telenovela que adhirieron a la cinta. Admiraba las dos cintas anteriores, en especial la segunda, por la manera en cómo manejaron la historia. Era una mezcla perfecta de aventuras, comedia gringa, patriotismo y mensajes moralinos. En esta ocasión, la historia romántica entre Peter y Mary Jane es el eje central de la película, por momentos, dejando a un lado el tema principal que es la venganza. Osea que de cinta de superhéroes, se convirtió en un chick-flick protagonizado por Tobey Maguire y Kirsten Dunst, a quienes se les unieron James Franco, Topher Grace y la hermosa Bryce Dallas Howard para complementar el polígono amoroso.

Y por último, colocaría a los villanos. Tres villanos y ni siquiera los tres juntos le llegaron a los talones al Dr. Ock o al Green Goblin, ni en maldad ni en ¿anti-carisma?. Estamos tan preocupados por si Peter y Mary Jane regresarán, si se casarán o no, que nos viene a importar menos si Sandman quiere el dinero para su hija, si Venom quiere vengarse por cuestiones personales con Spiderman o si Harry vengará la muerte de su padre. Who cares?! Después ahi tenemos a Sandman luchando contra Spiderman sin razón alguna. Solo por el hecho de ser villano, y por ende, estar en contra del héroe que posa frente a la bandera ondeante de los Estados Unidos.

Desafortunadamente, "El Hombre Araña 3" cae en los clichés y en los lugares más comunes del género, sin aportar algo novedoso como sus antecesoras lo hicieron. Pero bueno, debo aceptar que me divertí, aunque eso me haya costado rebajar mi intelecto al de un niño de menos de 10 años al que no le importa la razón por la cual el traje de Spiderman ahora es negro, o porque Venom es Venom, sino que lo único que espera es ver peleas y un despliegue de efectos visuales. "El Hombre Araña 3" termina siendo la perfecta dosis para iniciar lo que será un festín veraniego de blockbusters con extra sacarina. Apenas viene siendo el tentempié, para lo que está por venir.
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La Vida de los Otros

Das Leben der Anderen
Alemania, 2006
Dirige: Florian Henckel von Donnersmarck
Con: Ulrich Mühe, Sebastian Koch y Martina Gedeck

"La Vida de los Otros" es el filme alemán que le arrebató el Oscar a Mejor Película de Lengua Extranjera a la pseudo-mexicana "El Laberinto del Fauno" en la entrega pasada. Muchos cuestionaron la decisión de la Academia por premiar a una cinta casi desconocida, dejando de lado a una de las favoritas del público y de la crítica. Por supuesto, este hecho hizo que inmediatamente mis ganas por ver esta película alemana aumentaran y por saber qué méritos tiene para considerarse superior a la fábula de Guillermo del Toro.

El director Florian Henckel von Donnersmarck ha confeccionado un filme serio, emotivo y cautivador. Lejos de los típicos temas de las cintas alemanas sobre Hitler y los nazis, "La Vida de los Otros" se ubica en la Alemania socialista de principios de los años ochenta para presentarnos principalmente los estragos de la forma de gobierno en la sociedad. Georg Dreyman (Koch) es uno de los pocos escritores de Alemania del Este que continúa ejerciendo su profesión, ya que tanto él, como su novia, la bella actriz de teatro Christa-Marie, han aceptado seguido las órdenes del gobierno y es por ello que aún conservan sus licencias. Sin embargo, cuando uno de los Ministros se enamora de la actriz, opta por colocar vigilancia absoluta sobre la pareja, para obtener evidencia que pueda mandar a la cárcel a Dreyman, despejando el camino para poseer a la actriz.

Wiesler es asignado a vigilar la vida de ambas personas. Wiesler es un hombre serio, frío y solitario a quien le gusta seguir las reglas y defender a su partido y los ideales con todo su ser. Sin embargo, cuando descubra el plan que ha tramado el Ministro y comprenda el abuso de poder que ejerce el mandatario con tal de encarcelar injustamente al escritor para poder quedarse con su novia, Wiesler empieza a darse cuenta que todo lo que él ha defendido en su vida, posiblemente no sea lo correcto y poco a poco comenzará a involucrarse, tal vez más de la cuenta y de forma casi inadvertible, en el caso al que fue asignado.

La cinta es un fino drama, con toques de thriller, que pone el dedo en el renglón sin titubeos, en una de las épocas dolorosas para Alemania. "La Vida de los Otros" nos adentra hasta los hogares de clase media, para comprender más a fondo las prácticas en contra de la libertad y los juicios tortuosos a los cuales el gobierno sometía a las personas. El resultado es un melodrama bien logrado, gracias a unas actuaciones soberbias y al guión inteligente. Es una introspectiva hacia la forma de actuar del gobierno, desde el punto de vista de alguien que forma parte del mismo, que vive en carne propia el autoritarismo y presencía el dolor que aqueja a la sociedad. Ahora bien, he entendido la razón por la cual "La Vida de los Otros" le arrancó el premio a "El Laberinto del Fauno" y probablemente, retracte mis palabras al culpar a la Academia por otorgarle el galardón al filme alemán, sin tener argumentos válidos.
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Deliver Us From Evil

"El Michael Jackson de la Parroquia"

Deliver Us From Evil
Estados Unidos, 2006
Dirige: Amy Berg


"Deliver Us From Evil" es uno de los documentales que estuvo nominado al premio de la Academia este año, perdiendo la estatuilla ante "An Inconvenient Truth". Sin embargo, eso no demerita a "Deliver Us From Evil" de ser un magnífico filme, en lo personal, superior al discurso político y ambientalista de Al Gore. Me encanta ver documentales, sobretodo recientemente, ya que uno aprende demasiado de ellos al tratarse de situaciones reales que no requieren de grandes retoques de cámaras ni efectos especiales costosos, para mostrar la realidad tal cual es.

En este caso, "Deliver Us From Evil" se convirtió en uno de mis favoritos. Es una cinta conmovedora, directa y demasiado interesante, que me ha tenido pensando en ella aún casi después de una semana de haberla visto. El documental saca a la luz algunos de los trapitos sucios de la Iglesia Católica en los Estados Unidos con respecto a los casos de sacerdotes pedófilos. En especial, se centra en la historia del sacerdote Oliver O'Grady, un hombre irlandés que sirve a una comunidad en el estado de California, y que a mediados de los años 70's, es acusado de haber tocado indebidamente a una pequeña. Al hacer la denuncia, los altos clérigos dicen tomar cartas en el asunto y alejar a O'Grady de todo contacto con los pequeños para así frenar sus tendencias.

Sin embargo, lo que hacen es simplemente encubrir los hechos con la policía, fingir que no existe ningún problema y reubicar a O'Grady en otra parroquia. Durante un periodo de 15 años, O'Grady abusó de más de una centena de niños en total de entre las comunidades en las cuales fungía como párroco. Su técnica consistía en ganarse la confianza de los padres de los menores, para posteriormente llevarlos a actos sexuales explicándoles que todo era correcto. Al finalmente hacerse público el caso, este pedófilo pasó varios años en la cárcel, pero nunca confesó que sus superiores estaban conscientes del problema. A cambio de su silencio, O'Grady está libre, viviendo en Irlanda y es mantenido por la Iglesia Católica, quien le envía una pensión para su manutención.

El documental contrasta las declaraciones del mismísimo O'Grady, que sin pudor relata la manera en cómo seducía a los pequeños y las perversiones que les realizaba, contra los testimonios de los ahora adultos que sufrieron de algún abuso por parte de este sacerdote. Y aunque O'Grady dice sentirse arrepentido, su comportamiento indica todo lo contrario. "Deliver Us From Evil" más allá de ponernos en contra de la Iglesia Católica, simplemente retrata una realidad que ha sido manejada con demasiado hermetismo. Como institución, la Iglesia ha tenido sus fallas y continuará teniéndolas al estar dirigida por seres humanos y tal vez es ahí lo que mucha gente no comprende y reprocha. Sin embargo, al tratarse de una institución guiada por la fe, la verdad y el bien, es desagradable ver como los obispos se lavan las manos diciendo que ellos no tienen conocimiento de este tipo de actos y que nadie quiera tomar la responsabilidad, dar la cara o ni siquiera de detenerlos, por temor a represalias o por miedo a manchar su nombre y el de la Iglesia.

La película deja en claro que esta problemática es fuerte y le cuesta muchísimo dinero a la Iglesia, sobretodo para comprar a la policía y evitar que los sucesos se conviertan en escándalos. Aunque el tema aquí sea muy delicado, "Deliver Us From Evil" no tiene la intención, jamás, de acusar o encasillar a todos los sacerdotes de la misma manera. Por supuesto que hay quienes realmente tienen la vocación, pero también los hay, como es el caso de O'Grady, que no son capaces de obedecer los votos que realizaron, que sucumben ante cualquier tentación y que traen consigo problemas psicológicos y emocionales desde la infancia que los llevan a actuar de esta forma. Tal vez el mensaje más importante del filme consiste en abrir más los ojos para elegir quienes estarán al mando de la Iglesia, para que realmente sea gente honesta, preparada y con vocación la que dirija a los demás por el camino del bien.
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Color Me Kubrick

"¿Quieres ser Stanley Kubrick?"


Color Me Kubrick
Inglaterra, 2005

Dirige: Brian W. Cook
Con: John Malkovich, Jim Davidson y Richard E. Grant


Si me pidieran hacer una lista con los actores más camaleónicos en la industria cinematográfica, John Malkovich definitivamente ocuparía algún lugar en ella. Esto no significa que él sea uno de mis actores favoritos ni nada por el estilo, sino que me agrada que cada vez que lo veo en algun filme, ofrece algo diferente. Vaya, no se encasilla interpretando el mismo tipo de personajes una y otra vez y eso es algo que me llama la atención acerca de Malkovich y que vale la pena resaltar, ya que son pocos los actores o actrices que logran esto.


En esta ocasión participa en la ópera prima de Brian W. Cook, dandole vida a Alan Conway, un impostor inglés que se hace pasar por el famoso director de cine Stanley Kubrick con tal de conseguir dinero, alcohol, favores, sexo y popularidad. La historia está basada en hechos verídicos y se dice que Conway fingió por mucho tiempo ser Kubrick, logrando engañar y estafar a muchas personas. Todos sabemos que Kubrick era conocido por ser una persona muy ermitaña y eso ocasionó que no todos tuvieran el gusto de saber cómo era físicamente. Esto obviamente propició a que las víctimas cayeran ante las habladurías de este impostor, quien ni siquiera sabía perfectamente, quien era Stanley Kubrick.

Color Me Kubrick maneja un sutil tono de comedia para presentarnos la desfachatez y naturalidad con la que Conway se hacía pasar por Stanley, así como la ingenuidad de las víctimas, quienes caían en las redes de este tipo, para después darse cuenta de la tremenda farsa en la cual se involucraron. La cinta retrata la vida de un psicópata, cuyo trauma es el no haber sido alguien importante en la vida, y por lo tanto, decide utilizar el nombre de un famoso para lograr ser tomado en cuenta y recibir la atención de los demás. Pero esto no sería posible gracias a las habilidades que tenía este hombre para engatuzar a sus víctimas, haciéndoles creer que les daría un papel importante en su siguiente película.

La cinta es en ratos interesante, pero a veces llega a rayar en lo bizarro. Esto se debe en parte a la caracterización tan excéntrica que realiza John Malkovich. Su actuación es la que le da forma a la película y la que nos lleva a comprender la mente tan retorcida y enferma de Alan Conway. En manos de otro actor, el filme tal vez no hubiera tenido el mismo efecto y probablemente hubiera retratado de manera equívoca la forma de actuar de este mentiroso. La película nos enseña a desconfiar (dentro de los límites) de los demás y no dar toda la confianza de jalón, ya que no sabemos si la otra persona se trate de alguien con serios problemas psicológicos y de personalidad, que solamente busque aprovecharse de nuestra buena voluntad y termine por hacernos pasar un mal momento.
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