Amor y Muerte


Scoop
Estados Unidos/Inglaterra, 2006

Dirige: Woody Allen

Con: Scarlett Johansson, Woody Allen y Hugh Jackman

"Scoop", que vendría a traducirse literalmente en español como "primicia", es el segundo largometraje del genio neoyorquino Woody Allen filmado completamente en Inglaterra y el digno sucesor de aquel elegante filme alabado por la crítica internacional que lleva por título "Match Point". La película vuelve a reunir a Allen, trabajando como director y protagonista, junto a su nueva musa, la hermosa y talentosa Scarlett Johansson.


"Amor y Muerte" nos presenta a Sondra, una chava americana media insegura que reside en Inglaterra y que aspira en convertirse en periodista, pero siempre termina por estropear las oportunidades que se le presentan. Un buen día, decide acompañar a su amiga a un espectáculo de magia y es elegida por el neurótico mago Splendini (Allen) para que participe en uno de los actos de su show. Cuando Sondra entra al pequeño cubículo que le indican, recibe la inesperada visita de un periodista que acaba de morir, que le comunica que un joven acaudalado es uno de los asesinos en serie más buscados en Inglaterra. A partir de este incidente, Sondra y el mago iniciarán la búsqueda de Peter Lynman (Jackman), con la finalidad de obtener la historia y que Sondra logre convertirse en una respetada periodista, eso si evita que sus sentimientos se interpongan.

La película es hilarante y lo hace de una forma inteligente y sutil. No es la típica comedia americana que trata de arrancarte una carcajada por medio de un gag medio gastado, sino que logra hacerlo por medio de sus ocurrentes diálogos, sus personajes envueltos en conflictos y situaciones graciosas y un humor muy ligero y digerible. Woody Allen vuelve a repetir su personaje de neurótico, interpretándolo de una manera que solo él lo sabe y puede hacer. Y bueno, la Johansson es otra historia. Su personaje va desde la confusión e inseguridad hasta la frivolidad y madurez con una exquisita gracia. Su presencia es refrescante y la mancuerna que logra con Woody Allen es simplemente espectacular, siendo las escenas donde comparten créditos las más graciosas del filme.


Probablemente "Amor y Muerte" esté lejos de convertirse en una obra clásica de Allen, sin embargo, es una cinta que me resultó demasiado entretenida, divertida y con un gran reparto que brinda unas finas actuaciones, además de que soy un gran fanático del trabajo de Woody Allen y su humor siempre me bota de la risa. La cinta mezcla momentos de humor con toques de misterio, para enseñarnos que las apariencias son engañosas y que incluso detrás de la persona más dulce y amable puede esconderse un psicópata en alto grado. Una excelente recomendación para aquellos que busquen una película que divierta de una forma inteligente.

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Shrek Tercero


Shrek the Third
Estados Unidos, 2007
Dirige: Chris Miller

El ogro más querido por todo mundo está de regreso en la tercera entrega de una de las franquicias más poderosas que siguen vigentes hoy en día. Shrek no solo fue un parteagüas importantísimo en el género de la animación por computadora, sino que también abrió un nuevo camino para las sucesoras, al dejar en claro que las generaciones de hoy están hasta el gorro de las típicas historias sosas y ñoñas que nos recetaba la casa de Mickey Mouse año con año. La primera aventura combinó un humor irreverente, una historia divertida y una completa parodia a los cuentos de hadas que conocemos al pie de la letra, rompiendo los esquemas que conocíamos de las cintas de animación y también rompiendo con la brecha de edad, atrayendo por igual tanto a pequeños, como a adultos.

En el 2001, Shrek fue una propuesta fresca y distinta al resto, que con su humor único y personajes entrañables, conquistó tanto a chicos y grandes. Su secuela, 3 años más tarde, fue un poco más de lo mismo, pero logró mantenerse al nivel de su predecesora, cosa que raramente suele suceder cuando hablamos de segundas partes. Nuevamente, con un periodo de diferencia de 3 años, el estudio cinematográfico Dreamworks lanza al mercado su máquina automática de dinero titulada "Shrek Tercero".

En esta tercera aventura, Shrek recibe la noticia que será el próximo rey de "Muy Muy Lejano". Sacado de onda con esta idea, empieza a ver la manera de escapar de dicha responsabilidad y descubre que el único que puede asumir dicho cargo es Artie, el primo de Fiona. Por lo que Shrek, acompañado por sus inseparables secuaces: el Burro y el Gato con Botas, deciden ir a buscar a Artie para llevarlo al reino. En el inter, Príncipe Encantador se une a todos los villanos de los cuentos de hadas para convertirse en el nuevo rey de "Muy Muy Lejano" y deshacerse del ogro de una vez por todas.

"Shrek Tercero" es, sin lugar a dudas, muy distinta a sus antecesoras. Primeramente, no tiene ese espíritu de mofa. Mientras la primera película se encargaba de burlarse de las historias estilo Disney y la segunda del estilo de vida americano (retratado en la manera de vivir de Muy Muy Lejano), esta cinta simplemente se reduce a contarnos una historia que más que parodiar, se remite a presentarnos más a fondo las aventuras de los personajes. Es como si de pronto, aquel Shrek que odiaba tanto los cuentos de hadas, terminara por convertirse en el personaje principal de su propio cuento de hadas con final feliz incluído.

La película, a diferencia de las anteriores, no gira exclusivamente alrededor del monstruo verde. Al contrario, en esta entrega vemos que decidieron explotar al resto de los personajes y no únicamente presentarnos los conflictos de Shrek. Por lo que tenemos a Burro y Gato con sus cambios de cuerpo producto de la mala magia de un Merlín, cuyo personaje termina sobrando por completo, el grupo de princesas que luchan por su libertad y Encantador que desea convertirse en rey a toda costa.

No voy a decir que no es graciosa, pero es ya casi rumbo al final cuando se hace más amena y divertida. El inicio no me gustó para nada y ya para la mitad el ritmo estaba por los suelos que incluso me llegó a aburrir y desesperar, sobre todo el viajecito ese que emprenden para buscar a Artie. Los chistes se veían muy forzados y la parodia de la vida preparatoriana simplemente como que no es motivo de gracia aqui en nuestro país. A diferencia de las otras películas, no es Burro ni Gato quienes se llevan las carcajadas. En esta ocasión comparten esos créditos con el Hombre de Gengibre, Doris la Hermanastra Fea y las princesas de los cuentos de hadas.


Al final, "Shrek Tercero" cumple con su objetivo y entretiene, pero se aleja demasiado de aquel humor ácido que lo caracterizaba, para convertirse en un cuento de hadas más. Triste pero cierto. Shrek es la única franquicia que he disfrutado mucho más en su versión doblada al español y debo decir que nuevamente el doblaje fue acertado. El trabajo de Eugenio Derbez fue bueno, pero a mi gusto, estuvo mejor el que realizó en las anteriores cintas de Shrek. Por ahí se prepara ya una cuarta entrega, que obedecerá la regla de los 3 años para volver a ver al ogro verde en pantalla grande junto a sus hijitos. Ojalá que el ingenio de los escritores regrese al modo usual y que no terminen por destrozar una propuesta que prometía demasiado.
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La Sangre Iluminada


La Sangre Iluminada
México, 2007

Dirige: Iván Ávila Dueñas

Con: Gustavo Sánchez Parra, Jorge Zárate y Joaquin Cosio

Hace unos cuantos posts, casi me desviví en la reseña de "El Violín". No, no me retracto acerca de nada de lo que dije, pero en ese entonces tenía la idea que esa sería mi película mexicana favorita del año. Sin embargo, hoy me he llevado tremenda sorpresa con esta genial cinta que lleva por título "La Sangre Iluminada". Admito que entré a la sala con pocas expectativas, sobretodo porque antes de lanzarme a la Cineteca a verla, me pasé buscando en Internet la sinopsis, incluso vi el trailer, pero nada logró darme ni el más mínimo esbozo de la trama.


Escrita y dirigida por Iván Ávila Dueñas, quien hace algunos años presentó su opera prima "Adán y Eva (Todavía)", la cual, si mal no recuerdo, nunca fue estrenada en una sala comercial de mi querido Monterrey. Probablemente habrá sido exhibida un par de días en la Cineteca sin la más mínima intención de promocionarla y hasta ahora, me ha sido imposible conseguirla y echarle un vistazo. Es posible que "La Sangre Iluminada" corra con la misma suerte que la anterior obra de su realizador, al menos en nuestro país, aunque me encantaría que más gente tuviera la oportunidad de verla, reflexionarla y comentarla.


"La Sangre Iluminada" inicia con un hombre desconocido que se mete a una fuente de la Ciudad de México, comienza a sangrar de la nariz y muere. O al menos eso era lo que creíamos. En Zacatecas, un pequeño que va cruzando la calle, comienza a sangrar también de la nariz y se desmaya. Al recobrar el sentido, despierta con un collar que contiene dos fotografías y dice llamarse Mateo y haber muerto en una fuente de la capital. Es así como comienza una historia, que mezcla deliciosamente la fantasía con la realidad, plasmada en cada uno de los personajes que intervienen en el filme.


Poco a poco, el espíritu de Mateo va cambiando de cuerpo en cuerpo, siendo los "receptores" personas que tienen algo especial en su sangre. ¿Qué es? No lo sabemos y la verdad, no creo que tenga algo de relevancia. Lo que es un hecho es que el alma de este hombre continúa vagando por alrededor de 20 años y su finalidad es la de volver a reencontrarse con el amor de su vida, Amelia. El largo camino que el alma emprende para resolver los asuntos pendientes que dejó antes de morir, es sin duda alguna doloroso y difícil, pero es una manera de redención, un camino que inicia con un pequeño y termina con un anciano, un trayecto de crecimiento, de sabiduría que lo llevan a entender el porque su alma se aferró por tantos años a continuar viviendo en este mundo.


Mágica, cautivadora, intrigante. "La Sangre Iluminada" es un ejercicio narrativo sólido, que se conjuga con una cinematografía detallista, excelentes actuaciones (la de Cosio fue mi favorita y realmente me conmovió) y unas imágenes de sangre que aparecían en cada historia muy a lo "Requiem for a Dream". Es un filme que nos invita a reflexionar acerca de la brevedad de nuestra existencia y que por lo tanto, debemos aprovechar el tiempo sabiamente para decir y hacer todo aquello que es importante, ya que una vez que el tiempo se agote, no habrá una segunda oportunidad para remediar cualquier asunto pendiente que dejemos en este mundo, y en caso de que la hubiese, el camino no sería nada sencillo, pero aqui ya depende de las creencias de cada quien. Es una verdadera lástima que películas como ésta no tengan distribución comercial y aún es peor que estando en exhibición, la promoción sea nula. Por lo pronto, no podré decir que "La Sangre Iluminada" sea mi película mexicana favorita del 2007, porque aún faltan varios meses por venir, pero si en este momento tuviera que decidir, no titubearía en señalarla como mi favorita.

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Play


Play
Chile, 2005
Dirige: Alicia Scherson
Con: Viviana Herrera, Andrés Ulloa y Aline Küppenheim


"Play" es la ópera prima de la escritora y directora chilena Alicia Scherson, la cual al parecer ha sido bien recibida, tanto por la crítica especializada, como por la audiencia en festivales de cine a nivel internacional. La cinta se ubica en la capital de Chile, Santiago, para contarnos la historia de Cristina, una joven de descendencia indígena que se dedica a cuidar día y noche de un anciano moribundo que no habla en absoluto. Encerrada en su vida solitaria y monótona, las cosas cambian repentinamente cuando Cristina encuentra un maletín abandonado en el basurero. Es entonces cuando ella se embarca en una serie de aventuras a través de la ciudad de Santiago para seguir los pasos del dueño del maletín, Tristán, un joven cuya vida personal y profesional se desmorona por completo, cuando su novia lo deja por otro.

Lo primero que llama la atención de esta película, filmada en formato digital, es la fotografía. La directora se encarga de retratar una ciudad de Santiago totalmente colorida, llena de luz y de vida. Asimismo, Scherson nos ofrece unas tomas contemplativas de ciertas partes de la ciudad, como si tratase de que uno se adaptara al background que rodea a los personajes del filme y de esta forma, ser capaces de comprender sus conflictos. La música también juega un papel importante en "Play", sobretodo al momento de enfatizar sentimientos que se viven a cuadro.

La historia no es muy digerible que digamos, puesto que hay momentos en que uno quisiera que el ritmo fuera más ágil y nos explicaran claramente cuál es el objetivo de la película. No obstante, es hasta el final cuando todo queda aclarado "a medias" y ya es cuestión de cada uno juzgar el producto. "Play" es una obra que habla sobre las clases sociales en Chile, plasmado a través de los personajes de Cristina y Tristán. Cristina, al venir del sur (que al menos en la película hacen referencia como que es un lugar muy austero, yo la verdad ni idea), tiene el deseo de vivir en la ciudad. Le encanta la ciudad, su aroma, su ritmo, todo. Cuando encuentra el maletín de Tristán, de clase media-alta, ella comienza a seguirlo para darse cuenta el tipo de vida que lleva, se ilusiona con él, le encanta su olor, desea ser como su novia y vestirse como ella. El filme simplemente trata de retratar uno de los muchos efectos de la brecha extrema que existe entre las clases sociales que conviven en una misma ciudad y que resulta de lo más común en los países latinoamericanos.

¿Por qué Play? En sus viajes de espía, Cristina tomaba el iPod que venía en el maletín, se ponía a escuchar música y recorría las calles de Santiago. Al ponerle "play", asumía una posición diferente, ella se sentía importante pese a ser invisible para los demás. El darle "play" a la música era dejar que sus deseos y sueños se convirtieran en realidad por solo unos instantes, para después regresar a su rutina diaria. "Play" no es una historia de amor, como me la vendieron en IMDB. No no, la película tiene un enfoque más social, que si bien es media compleja en la manera de llevar la historia a la pantalla, resulta grata por su fotografía y estilo fresco.

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Inside Deep Throat


Inside Deep Throat
Estados Unidos, 2005
Dirigen: Fenton Bailey y Randy Barbato

Cuando toca el turno de hablar acerca de las cintas más redituables en la historia del cine, no cabe duda que una de las que posiblemente vendrán a la mente es "Garganta Profunda" (Deep Throat). Para aquellos que no saben o más bien, no han escuchado hablar acerca de esta cinta, se trata de un filme pornográfico que revolucionó la industria del cine para adultos como tal, dándole un enfoque mainstream y popular. Estrenada en 1972, el modesto filme realizado con tan solo $25,000 dólares, exploraba la historia de una chava que descubre que su clítoris se encuentra en su garganta, por lo que para satisfacerse, decide entrarle al sexo oral, un taboo para la sociedad americana de aquel entonces.


Entre filme pornográfico y comedia, "Garganta Profunda" se convirtió en un clásico de culto instantáneo y en una gallina de huevos de oro. Catapultó al estrellato a su estrella femenina, Linda Lovelace, se convirtió en el blanco de la censura y de las prácticas moralinas del presidente Richard Nixon y finalmente, fue el parteagüas para que la industria del porno floreciera en los Estados Unidos, en aquel entonces cuando todavía para algunos se le consideraba una forma de "arte" y no como hoy que el concepto se ha degenerado, especialmente al ver la gran cantidad de dinero que deja.


Este documental, como su nombre lo indica, nos lleva a escuchar el testimonio del director del filme, los actores, la audiencia y los jueces que se encargaron de censurar el filme en aquella época. "Inside Deep Throat" explica que el fenómeno que surgió alrededor de esta cinta se debió a la propaganda que el mismo gobierno hizo por tratar de prohibirla y de cierta manera, servir de amenaza para aquellos que se dedicaban a este tipo de actividades ilícitas e inmorales. Sin embargo, lo que obtuvieron como resultado fue que las personas, incluso de clases altas, se interesaran por ver "ese filme prohibido" del que todo mundo habla, ese del que las personas en la televisión hacen referencia y bromean, ese que me dicen que no debo ver, pero al ser una persona libre, debo poder verlo. De pronto, el no haber visto "Garganta Profunda" te ponía fuera de la jugada.


Además de ello, la cinta explora la vida de su protagonista, Linda Lovelace, que pese a la fama momentánea que obtuvo, lo único que consiguió fue un pase inmediato a una vida personal y profesional fracasada. Posteriormente, la actriz declaró que realizó la cinta bajo amenaza de su entonces novio, quien la obligaba con un arma a realizarla. Lovelace se unió a varios grupos feministas para luchar en contra de la pornografía, en un acto que algunos califican de hipócrita, mientras que otros la consideran toda una víctima que fue explotada y al final pasó el resto de sus días sin un solo centavo.


"Inside Deep Throat" te lleva a la escena de los años setenta. Te transporta a una sociedad americana sedienta de libertad de expresión, de mujeres que buscaban la igualdad de sexo. Una sociedad que quería liberarse de los tapujos para explorar más su sexualidad. "Garganta Profunda" fue la cereza en el pastel, la gota que derramó el vaso. Finalmente, las decisiones que se tomaron en aquel entonces siguen vigentes hasta la actualidad. El sueño de varios por tratar de abrirse más a la sexualidad humana, terminó por degenerarse de forma descontrolada en una industria poderosa, millonaria e ícono de la vida norteamericana que continúa enfrentándose, ya no al gobierno, sino a la misma sociedad, aquella que en un principio propició a que todo ésto se desencadenara y que ahora se da golpes de pecho y toma estandartes de moral.

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La Última Mirada


La Última Mirada
México, 2006

Dirige: Patricia Arriaga Jordán
Con: Sergio Mateu, Marisol Centeno y Arcelia Ramírez

"La Última Mirada" es el primer largometraje de la escritora y directora Patricia Arriaga Jordán, y por si acaso se preguntaran sobre lo familiar de su apellido, en efecto Patricia es la hermana de Guillermo Arriaga, responsable de historias como "Babel" y "Los Tres Entierros de Melquiades Estrada", entre otras cintas más.


La película narra la historia de dos personajes, que aunque al primer vistazo parecen ser completamente distintos, en el fondo tienen los mismos anhelos, sueños, esperanzas, miedos y tristezas. Por una parte tenemos a Homero, un pintor que descubre que heredó la enfermedad de su padre y está perdiendo rápidamente la vista. De vivir en un mundo de supuesta felicidad, donde los colores y la luz eran todo para él, pronto pasará a vivir en la oscuridad que él solo ha propiciado al no enfrentar con determinación su enfermedad y aceptar su destino. Mientras que por otro lado tenemos a Mei, la hija de una prostituta que decide largarse a los Estados Unidos, abandonando a Mei junto a sus abuelos en un burdel. Fungiendo como sirvienta del lugar, Mei tiene la esperanza que su madre regresará, que encontrará el amor verdadero y que algún día, tendrá la oportunidad de mejorar y no terminar en los mismos pasos que su madre.


La historia no es más que el relato de dos personajes que se rehusan a ver la realidad. Homero no puede ver, pero es incapaz de aceptar su enfermedad y finge tener vista. Mei puede ver, pero se refugia en su mundo de fantasía para alejarse de la dolorosa verdad. La cinta tiene un estilo exquisito y unas tomas que exhudan belleza al saturan el lente con colores rojos, muy al estilo de Almodóvar. Al ver el filme, es como si estuvieramos leyendo un poema. El guión de repente toma rumbos medio poéticos, aderezados por la delicadeza de sus tomas, que entre escena y escena nos muestran lo que posiblemente sea un trágico desenlace que unirá a ambos personajes.


Por momentos el ritmo suele decaer, más no obstante las tomas y las actuaciones logran sobrellevar la cinta. Quien realmente me sorprendió fue Marisol Centeno, a quien solamente la había visto actuar en telenovelas y que ofrece una interpretación fresca, emotiva y a la medida de la inocente Mei, convirtiéndola en una revelación en la pantalla grande. Con demasiadas alusiones a la cultura oriental, las cuales le dan un toque como más mágico, "La Última Mirada" nos enseña primeramente a enfrentarnos a la realidad, por más difícil que ésta sea y que finalmente, el destino es incierto, pero a veces la casualidad y el azar nos ponen en el camino a personas que pueden ayudarnos a salir adelante y a permitirnos no perder la esperanza.

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El Violín


El Violín
México, 2005

Dirige: Francisco Vargas Quevedo
Con: Don Ángel Tavira, Gerardo Taracena y Dagoberto Gama

Finalmente llegó a las pantallas regiomontanas la aclamada cinta mexicana "El Violín". Muchos creían que la suerte de este filme sería como la de muchos otros productos mexicanos que nunca ven la luz de la distribución, pese a tener una corrida excepcional en festivales de cine y mercados extranjeros. Pero en esta ocasión, la suerte cambió, no únicamente para esta película, sino para la cinematografía mexicana en general. Realmente que agallas de haberla lanzado a cartelera en plena batalla campal de blockbusters veraniegos, aunque creo que después de todo, esto más que perjudicarle, le beneficiará.


Ante una sala completamente llena, "El Violín" da inicio, haciéndolo de una manera violenta al presentar a miembros del ejército torturando a otras personas en busca de información. La primera impresión que nos da, es que se tratará de una cinta cruda, posiblemente en conjunción con esa fotografía en blanco y negro que nos sumerge en un mundo de pobreza y desesperanza. Sin embargo, la película nos tiene deparado un viaje que nos llevará de la mano hacia rumbos totalmente opuestos.


La historia en sí, es completamente simple. No tiene giros inesperados, no nos tiene reservada ninguna sorpresa hacia el final y la narración es lineal. Situada en una comunidad campesina, que bien podría ser la de cualquier país latinoamericano, vive Don Plutarco (Don Angel Tavira, sensacional!) junto con su hijo, su nuera y sus nietos. Sin embargo, la situación está difícil ya que últimamente, el ejército ha atacado ciertas comunidades aledañas con la finalidad de destruir con las guerrillas y grupos armados que se han organizado para contrarrestar la injusticia con la que son despojados de sus terrenos.


Un buen día el ejército llega a la comunidad, como era de esperarse, y mientras unos logran escapar, otros tantos son capturados, entre ellos, la nuera y la nieta de Don Plutarco. Decidido a buscar a su esposa e hija, Genaro busca ayuda en sus compañeros de la guerrilla, quienes están a punto de dar el gran paso y enfentarse al ejército. Mientras tanto, Don Plutarco decide arreglar las cosas de otra forma, y montándose en una burra, acompañado de su inseparable violín, enfrentará al ejército e intentará ayudar a su hijo dentro de sus posibilidades.


En primera instancia, "El Violín" presenta el retrato de marginación e injusticia que se vive en este tipo de poblaciones, que realmente no es único en nuestro país. Desgraciadamente, al ser uno de los sectores más apartados de la civilización y que se encuentra en lugares tan recónditos, uno está ajeno a todo lo que sucede en esos lugares, donde la ambición de los más poderosos no tiene límites, sin importarles el daño que causan a quienes habitan, trabajan y sobreviven en base a sus tierras. Obviamente, aunque tal vez no sea el objetivo principal de la cinta, de cierta forma trata de alertarnos que pese a que todos nos hacemos de la vista gorda y nos metemos en nuestra burbuja, en el mismo territorio nacional, ciudadanos como tú o como yo, tuvieron la desdicha de no contar con las mismas oportunidades, los mismos tratos y el mismo estilo de vida.


La película desenmascara la probablemente ya conocida verdad: se trata de una lucha entre la misma gente. Realmente los poderosos y los que dan las órdenes están de lo más cómodos, mientras que los soldados no son más que gente pobre que, en busca de una vida distinta, decidieron enrolarse y luchar por un fin que ni ellos mismos comprenden ni simpatizan. Es un triste retrato de la manipulación, explotación y poder de las clases influyentes en las que carecen de recursos. Y es aqui donde la música del violín y este instrumento ligan esta parte de la trama. La música de Don Plutarco logra unir de una forma pacífica y humana a los dos bandos, permite que ambos se conozcan y finalmente se den cuenta, que comparten las mismas raíces, la misma cultura, el mismo patrimonio.


Más allá de esto, "El Violín" es un relato humano y honesto, que sin necesidad de recurrir a explosiones, efectos especiales o de sonido, ni actores de gran calibre, te sumerge por completo en la historia y combinado con su ritmo lento y su estilo contemplativo, logran que para el final, termines comiéndote las uñas de la emoción. Es un filme que de iniciar violento, opta por un camino más pacífico, para mostrarnos que la mejor manera de resolver los conflictos, no es por medio de las armas, de la muerte, sino que basta con entenderse mutuamente y darse cuenta que los enfrentamientos de este tipo no tienen sentido.

"El Violín" es sin duda, un gran ejercicio de reflexión y un excelente trabajo cinematográfico en todos los sentidos. Una película que con poco, logra volcar tus emociones y sentimientos de una forma casi inimaginable. Es un retrato crudo, directo y desesperanzador de lo que se ha vivido, lo que se vive actualmente y de lo que probablemente, continuará ocurriendo.
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The Hidden Blade


Kakushi ken oni no tsume
Japón, 2004
Dirige: Yoji Yamada

Con: Masatoshi Nagase, Takako Matsu y Yukiyoshi Ozawa

Me ha quedado más que claro que cuando se trata de culebrones, ningún país queda exento. Esas historias de amores imposibles, fatídicos destinos y conflictos internos no son exclusivos de la cinematografía mexicana o gringa, sino que los japoneses, gracias a "The Hidden Blade", demuestran que también le saben a eso.


"The Hidden Blade" es diferente a las cintas asiáticas que por lo general nos llegan a la pantalla grande, las cuales tienen un sabor mucho más occidental, tal vez con la finalidad de encontrar un mercado más amplio por estos rumbos. Ubicada en la época donde los samurais comenzaron a desaparecer, la película nos presenta a Munezo Katagiri, un samurai de clase media que aún se rige por los principios de honor y lealtad que sus antepasados le enseñaron.


Cuando uno de los rebeldes escapa de prisión, el general de los samurais le pide a Munezo que se encargue de buscarlo y acabar con su vida en un duelo de espadas. Lo que Munezo no sabe es que el rebelde es nada más y nada menos que Yaihiro Hazama, su compañero de preparación samurai, que además de ser un excelente espadachín capaz de derrotarlo, es uno de los muchos que se opone a los altos mandos samurais que están acabando con su cultura al enseñarles a utilizar armamento de fuego occidental.


"The Hidden Blade" es quizá lo que a "The Last Samurai" le hubiera gustado ser. Sin necesidad de recurrir a peleas de artes marciales extravagantes como las típicas cintas de Jet Li o Chow Yun Fat, ni a escenas de violencia descabellada y sin sentido, la cinta es capaz de presentarnos el conflicto interno del personaje principal, quien se debate entre su deber como samurai y su vida personal. Asimismo, nos lleva hasta los últimos días de los samurais, al presentarlos como personas que perdieron los ideales básicos del honor y verdad.


Sin embargo, todo esto viene a ser simplemente el trasfondo de una historia de amor entre Munezo y su sirvienta Kie, un amor imposibilitado debido a la diferencia de clases sociales, al mero estilo de una telenovela mexicana. Lo que le viene a ayudar a la película es su calidad técnica, la extraordinaria música y una buena dirección. El resultado es bueno, más no excepcional. "The Hidden Blade" deja ese sabor de boca de "been there, seen that" y un ligero malestar al enterarnos que todo el circo, maroma y teatro fue solamente el background de un romance insípido y desangelado.

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El Pequeño Vanya


Italianetz
Rusia, 2005
Dirige: Andrei Kravchuk
Con: Kolya Spiridonov, Denis Moiseenko y Sasha Sirotkin

"El Pequeño Vanya", o mejor dicho "El Italiano", si tomáramos literalmente el título original de la cinta, nos transporta hasta Rusia para contarnos una historia de esperanza y fortaleza que surge en un ambiente completamente desesperanzador. La película retrata con tonos grises la vida en Rusia, sobresaltando las atmósferas de pobreza, abandono y la forma de vida que aún sobrevive con los estragos del socialismo.

El protagonista de la cinta es un pequeño de apenas 6 años que, con demasiada honestidad y un gran corazón encarna a Vanya, uno de los tantos niños rusos que habitan en los orfanatorios de la ciudad. Un buen día, una pareja de italianos llega con la intención de adoptar un hijo y quedan fascinados con Vanya. Como resultado, sus compañeros lo envidian por tener la gran oportunidad de salir de ese horrible lugar y ser feliz. Sin embargo, las cosas están por cambiar. Cuando la madre de uno de los niños dados en adopción llega desconsolada al orfanatorio en busca de su hijo y sumamente arrepentida por haberlo abandonado, Vanya comienza a indagar el paradero de su madre biológica.

Es entonces cuando el huérfano, al mero estilo de Oliver Twist, decide emprender un viaje con la finalidad de encontrar a su mamá. Pero para alcanzar su meta, Vanya deberá enfrentar y superar varios obstáculos, especialmente a la señora que se encarga de realizar el negocio de venta de los niños con los extranjeros y su ayudante, quienes incluso son retratados de una forma casi caricaturezca.


En primera instancia, "El Pequeño Vanya" es una crítica social acerca del tráfico de niños que existe en el país. La cinta no pone filtros de ningún tipo para retratar la forma de vida de los pequeños que son recluidos en orfanatorios viejos, descuidados y en un ambiente de pobreza, donde solamente los más poderosos salen beneficiados por este tipo de adopciones a parejas extranjeras, que les dejan enormes ganancias en dólares y euros. Asimismo, la película deja en claro que la situación económica del país obliga a las madres a deshacerse de sus hijos, a cambio de dinero, y probablemente convenciéndolas que sus hijos tendrán mejores oportunidades en la vida con alguna familia extranjera. Obviamente, el filme presenta los sentimientos de culpa y arrepentimiento que estas mujeres tienen después de haber abandonado a sus criaturas.

Pese a poner el dedo en la llaga y llevarnos por atmósferas depresivas y desesperanzadoras, "El Pequeño Vanya" es un cuento que nos enseña que la fortaleza y la perseverancia son capaces de llevarnos tan lejos como nosotros queramos y que la esperanza existe hasta en los lugares más remotos e inimaginables. La historia y las actuaciones son sumamente conmovedoras, sin la necesidad de recurrir a trucos melodramáticos baratos. Simplemente le basta tener unas actuaciones honestas y una historia bien tratada. Después de ver la cinta, la cual por cierto está inspirada en una historia de la vida real, me dejó pensando en cómo un niño tan pequeño fue capaz de luchar ante tales adversidades para encontrar la felicidad, dándonos una lección a todos aquellos que ante el primer obstáculo, perdemos las esperanzas y desistimos en nuestra lucha.
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El Perfume: Historia de un Asesino


Perfume: The Story of a Murderer
Alemania/Francia/España, 2006

Dirige: Tom Tykwer

Con: Ben Whishaw, Alan Rickman y Dustin Hoffman

Basada en el best-seller de Patrick Süskind (Das Parfum), el director alemán Tom Tykwer, conocido por sus grandes trabajos "Run Lola Run" y "Heaven", nos ofrece esta oscura cinta que nos transporta a Francia del siglo 18, donde somos testigos del nacimiento de Jean-Baptiste Grenouille en pleno mercado de pescados. Al perder a su madre, Jean-Baptiste es llevado a vivir a un orfanatorio, pero pronto el destino lo llevará a pasar el resto de sus días en un taller de pieles.

Sin embargo, el joven es distinto a los demás. Desde recién nacido, Jean-Baptiste desarrolló el sentido del olfato de una manera extraordinaria, haciéndolo capaz de reconocer cualquier tipo de olor. Dicha habilidad lo llevará a convertirse en el aprendiz de un italiano que es dueño una perfumería en Francia y posteriormente, se dirigirá a un pequeño pueblo donde buscará desarrollar su ambición: crear el mejor perfume, jamás conocido por los humanos. Pronto, el joven Grenouille se dará cuenta que para poder lograr su objetivo, deberá cometer una serie de asesinatos para extraer la esencia de las personas.

"El Perfume" nos introduce a la mente de un joven introvertido y solitario, quien durante toda su vida, lo único que ha deseado es amar a alguien y ser amado de forma recíproca. Su obsesión por encontrar la fórmula perfecta para un perfume sumamente especial, es simplemente la representación de su deseo por ser alguien importante y obtener el reconocimiento colectivo. Cuando el joven prodigio alcanza su meta, se da cuenta que tiene en sus manos una poderosa arma que le permitirá tener a todo mundo ante sus pies, excepto lo que tanto anhela: conocer el amor verdadero.

Tykwer confecciona un filme de gran calidad, que sobresale por un guión interesante y buenas actuaciones. La ambientación y la música complementan a la perfección una atmósfera de suspenso e incertidumbre, aderezada por el estilo visual tan distintivo que posee el director. Tal vez el único pero de la película es que, por momentos, al tratar de apegarse a la novela o sonar muy literaria, se vuelve demasiado lenta, especialmente en las secuencias donde los diálogos son casi nulos. En general, "El Perfume" es una cinta que sutilmente te atrapa, para finalmente enseñarnos que no hay receta mágica que nos haga enamorarnos de alguien y que muchas veces, el placer no es lo mismo que el amor.

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Exterminio 2

28 Weeks Later
Inglaterra, 2007

Dirige: Juan Carlos Fresnadillo

Con: Robert Carlyle, Rose Byrne y Jeremy Renner


Debo confesar que, aunque la vi en el cine cuando fue estrenada, no recuerdo gran cosa sobre "Exterminio". Es más, no recuerdo ni que reacción tuve al abandonar la sala de cine. Y es sumamente raro, ya que eso me suele pasar más comunmente cuando veo alguna película en DVD. En fin, sabiendo esto de antemano, me lancé al cine para ver la secuela, después de todo aún tenía la noción de cual era la historia general que se manejaba.


En esta ocasión, Danny Boyle le pasa la batuta al español Juan Carlos Fresnadillo (Intacto), para él fungir únicamente como productor de la misma. "Exterminio 2" nos transporta de nueva cuenta a una Inglaterra que vive bajo la amenaza del mismo virus presente en la primera entrega. Cuando parecía que el virus estaba bajo control y los sobrevivientes habitaban a salvo en un distrito muy controlado, llegan a la ciudad provenientes de España Andy y Tammy, los hijos de Don (Carlyle). Cuando él les da la noticia que su madre lamentablemente perdió la vida, ambos desobedecen las reglas y deciden salir del área protegida para encontrar a su madre. Obviamente, esto ocasionará que el virus se propague de nueva cuenta, haciendo que la autoridad tome medidas desesperadas.


No me considero fan de este género, y no es porque tenga estómago débil con tanta sangre, sino simple y sencillamente porque no le encuentro el entretenimiento a ver un montón de mutilaciones. La experiencia con "Exterminio 2" no fue ni buena ni mala, simplemente regular. La película logra mantener un ritmo ágil y por momentos, crea atmósferas de estrés, sin embargo, la historia cada vez se hace más predecible, meten escenas innecesarias como las balaceras entre los soldados y los zombies y los personajes actúan de una forma tan estúpida que dudo que cualquier persona normal, ante tal situación que se vive en la cinta, actuaría de tal manera, lo que llega a hacerla poco creíble.

Por ejemplo, si los chavitos protagonistas están conscientes de la peligrosidad del virus, no entiendo porque deciden salir del área que les encomendaron y arriesgarse. Asimismo, cuando el personaje de Carlyle, sabiendo que su esposa fue atacada por alguien que había contraido el virus, no toma ninguna precaución al verla ¡y hasta decide besarla! y lo peor de todo, que con tanta tecnología, cámaras y demás no fueron capaces de impedir el resurgimiento de la enfermedad. Total, que aunque logra mantenerte en un estado alerta por momentos, al final uno termina por no tragarse la historia debido a lo inverosimil. Creo que si la idea general del filme era la de exponer el contraataque del virus, pudieron haber escogido otra forma un poco más interesante y creible para plantearlo.

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Las 5 Magníficas

La comunidad de cinéfilos blogueros se enorgullece en presentar "Las 5 Magníficas" de lo que va del 2007. La idea de Dan Campos consiste en presentar mensualmente las 5 mejores películas del año. En este experimento participaron 8 cinéfilos, entre ellos su servidor. El buen Dan se encargó de hacer una imagen que recopila las mejores cintas hasta el actual mes, donde "Madeinusa" se colocó como la favorita de la blogsfera cinemaniaca.

Les comparto la imagen, así como las ligas hacia los blogs de quienes participaron (si le dan clic, la pueden ver mejor y hasta ponerla de wallpaper!):



Carlos Reyes - Cine Azteca
Dan Campos - Churros y Palomitas
Eduardo - Un Blog de Película
Eduardo Magaña - Cinefascina
Lorena Goldfinger - Goldfinger's Blog
Maquiavélica - Mente Maquiavélica
Paxton - Paxton @ the Movies
René Sánchez - Cinerama Online
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Norbit


Norbit
Estados Unidos, 2007

Dirige: Brian Robbins
Con: Eddie Murphy, Thandie Newton y Cuba Gooding Jr.

No cabe duda que Eddie Murphy tiene algo en contra de los gorditos. En sus comedias previas, dícese de "El Profesor Chilflado" y su secuela años más tarde, interpretó a una serie de personajes, la mayoría de ellos con problemas de sobrepeso. Esta condición era meramente una excusa para incluir una que otra broma o comentario que se relacionara con dicha problemática. "Norbit" no viene a ser la excepción.

La película nos lleva a la vida de Norbit, un tipo tímido que fue criado en un orfanatorio por Mr. Wong (también interpretado por Murphy). En la infancia, conoce a su mejor amiga y al amor de su vida Kate, pero cuando ella es dada en adopción, comienza a pasar sus años en soledad. Ya en la adolescencia, Norbit recibe los constantes abusos de sus compañeros hasta que conoce a Rasputia, una niña con sobrepeso, con quien terminará casándose algunos años más tarde. Sin embargo, la vida de Norbit se alterará cuando vuelva a encontrarse con Kate y le comunique que está a punto de casarse.

"Norbit" tiene sus momentos cómicos, principalmente gracias a la caracterización de Eddie Murphy como la mandona y agresiva Rasputia. Cabe señalar que muchos de los chistes a los que recurre terminan por ser ofensivos para la gente que sufre de sobrepeso, puesto que lo único que logra es hacernos reir al ver las lonjas de Rasputia cuando utiliza su traje de baño, o mientras lava el automóvil al ritmo de la canción "Milkshake". Poco a poco, las risas van en decremento y para el final de la cinta, las situaciones son tan absurdas y plagadas de estereotipos que resultan sumamente irritantes.

Si bien, en dos ocasiones le funcionó la fórmula, con "Norbit" las cosas no lograron salir a la perfección. Durante más de una hora y media nos narran una historia que a final de cuentas no tiene un objetivo bien definido. No se si la intención era que respetáramos a la gente gordita porque no lo logra en lo más mínimo, ni tampoco el enseñarnos a tomar las decisiones más importantes de la vida por cuenta propia. Todo sucede ante nuestros ojos y no tenemos ni la más remota idea del porque, desde un principio, deberíamos ver la cinta. Es seguro que te saque más de una carcajada, pero no se compara con la cantidad de bostezos que logra provocar rumbo al final. Sin duda, de lo peor en lo que va del año y una de las comedias más insoportables y soporíferas que he visto recientemente. Es hora de que Eddie Murphy recapacite y se de cuenta que no porque una vez le funcionó el disfrazarse de gordo debe encasillarse en el mismo tipo de comedias.
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Letra y Música


Music and Lyrics
Estados Unidos, 2007

Dirige: Marc Lawrence

Con: Hugh Grant, Drew Barrymore y Campbell Scott

Debo aceptar que soy un fan de los chick flicks. Es muy probable que ya hayan visto dicha confesión en algún otro post cuando hablaba sobre mis guilty pleasures en el cine. Si, a veces me gusta sentarme, despejar mi mente y pensar que la vida es color de rosa y que tarde que temprano, todo será como en una comedia romántica. Obviamente no caigo ante cualquier tontería y babosada recetada por la industria gringa, que de plano se saca cada churro que mejor me abstengo. No se porque tenía la idea que "Letra y Música" terminaría decepcionándome y por lo tanto, opté por esperarme al DVD.


Parodiando con un humor muy ácido al mundo de la música, especialmente su banalidad y falsedad, la cinta nos introduce a Alex Fletcher (Grant), un músico venido a menos que en los años ochenta tuvo gran éxito al pertenecer a una boyband llamada PoP!. Sin embargo, la triste vida de Alex se sacudirá cuando Cora, la princesa de la música pop, admita ser su fan y le pida que componga una rola para su nuevo album. El problema es que Alex decidió olvidar esos rollos de la composición y es por eso que necesita la ayuda de una escritora. Cuando se da cuenta que Sophie (Barrymore), la chica que le riega las plantas en su apartamento, tiene un gran talento e inspiración para escribir, le ofrece la oportunidad de ayudarle.


La experiencia de ver "Letra y Música" es similar a la de escuchar una canción pop que es pegajosa y cursi. La película es entretenida especialmente por la fantástica química que existe entre los protagonistas y por un guión lleno de humor y sarcasmo que critica al mundo musical de los Estados Unidos. Hugh Grant y Drew Barrymore realmente nos venden la idea de dos personajes con distintas convicciones que terminan enamorándose perdidamente.

La película es predecible casi desde el momento en que inicia y no era algo de extrañarse ya que todos sabemos cómo terminarán las comedias románticas de Hollywood. La gracia del filme entonces radica en las actuaciones y en el guión. El hecho de ver a Hugh Grant interpretar a un ídolo pop de los ochentas en pleno video musical ochentero de bajo presupuesto es hilarante. Habría que agregar a eso los momentos cómicos que brindan Drew y el resto del elenco para tener como resultado una cinta disfrutable, entretenida y tan cursi como la más romántica y odiosa canción del género pop.
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