Diamante de Sangre - (Blood Diamond)

"Los diamantes son eternos"
***

Blood Diamond
Estados Unidos, 2006

Dirige: Edward Zwick

Con: Leonardo DiCaprio, Jennifer Connelly y Djimon Hounsou

Hoy en día, la moda en Hollywood es filmar en África. Tan solo en los últimos años, han llegado a cartelera un número considerable de filmes que se encargan de retratar los problemas políticos, sociales y económicos de los países de aquel continente (Hotel Rwanda, The Constant Gardener, The Last King of Scotland, Darwin's Nightmare). ¿Pero que es lo que hace interesante el presentar los problemas de los países tercermundistas? Digo, porque a final de cuentas lo único que uno puede hacer es sentirse mal por la forma de vida y la problemática de aquellas naciones y culpar a las potencias mundiales por su ambición extrema que ha llevado únicamente a provocar conflictos en los países pobres. Pero más que ésto, no hay nada más que hacer.


"Diamante de Sangre" nos lleva hasta Sierra Leona, un lugar con una gran cantidad de minas para extraer diamantes. Pero como era de esperarse, las grandes compañías compran estos diamantes (también conocidos como diamantes de sangre, por pertenecer al mercado negro) a cambio de armamento, con la finalidad de continuar apoyando la Guerra Civil de dicho país. Danny Archer (DiCaprio, espectacular) es un mercader que se encarga de vender armamento de manera ilegal al grupo de rebeldes de Sierra Leona, a cambio de diamantes. Posteriormente, él arregla las cosas para venderlos a gente importante en Inglaterra. Cuando Archer es arrestado en el país africano, conoce a Solomon Vandy (Hounsou), un hombre que fue apartado de su familia para ir a trabajar en las minas de diamantes. Pero Solomon tiene un secreto: él encontró y escondió un diamante que podría valuarse muy bien en el mercado. Cuando Archer conoce su secreto, intentará convencerlo de que se lo entregue a cambio de llevarlo nuevamente con su familia.

La película termina siendo un thriller que es capaz de tenerte al borde de tu asiento. Danny y Solomon se embarcan en una aventura que tiene dos objetivos: mientras Danny quiere encontrar el diamante para venderlo y desligarse de su oficio, Solomon quiere encontrar a su hijo y a su familia. A estos dos personajes se les une Maddy (Connelly), una periodista americana que se interesa por la historia de los diamantes de sangre. "Diamante de Sangre" se encarga de presentar los problemas políticos, sociales y económicos que ocasiona el tráfico ilegal de diamantes en Sierra Leona y cómo las grandes corporaciones de los países primermundistas salen beneficiados al explotar a los países africanos.

El filme se mueve con un ritmo vertiginoso, en conjunto con unas actuaciones de lujo. Pese a que Leonardo DiCaprio ofrece una de sus mejores actuaciones a la fecha, es Djimon Hounsou quien realmente se roba la película, gracias a la caracterización de un padre de familia que es capaz de hacer lo que sea con tal de recuperar a su familia. A pesar que la película pareciera tener todos los ingredientes necesarios para convertirla en un gran espectáculo fílmico, "Diamante de Sangre" termina por volverse incongruente y se convierte en la típica película de aventuras al mero estilo hollywoodense.

Esperemos que así como Hollywood nos trae películas acerca de los problemas que se viven en Africa, también sea capaz de presentarnos el otro lado de la moneda, ya que cada vez me parece más una cuestión de ego que se esfuercen por plasmar las cosas negativas de los países africanos, ya que estoy seguro que además de los obvios problemas que se viven por allá, también suceden cosas buenas, o al menos es lo que quiero pensar.
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Bobby

"¿Quién le disparó a Bobby?"
**1/2

Bobby
Estados Unidos, 2006

Dirige: Emilio Estevez

Con: William H. Macy, Sharon Stone y Anthony Hopkins.

Tal pareciera que Emilio Estevez, escritor y director del filme, tenía la plena intención de hacer que "Bobby" fuera una película profunda, que conmoviera a la nación y arrasara con las nominaciones y premios de la Academia. Lamentablemente, el tiro le salió por la culata y digamos que la cinta se quedó en meras expectativas. Con un reparto sorprendente para una producción de Hollywood, que incluye a William H. Macy, Sharon Stone, Anthony Hopkins, Demi Moore, Ashton Kutcher, Heather Graham, Helen Hunt, Martin Sheen (el papá de Emilio), Shia LaBeouf, Joshua Jackson, Nick Cannon, Elijah Wood, Lindsay Lohan, Laurence Fishbourne, Christian Slater y el mismísimo Emilio Estevez, me da la impresión que el director invitó a todos sus amigos y conocidos a participar y así llamar más la atención del público.


Para empezar, el público estadounidense rechazó la película de inmediato. En taquilla recaudó únicamente $11 millones de dólares y la crítica la trató con rudeza. La verdad, tenía pocas expectativas para ver el filme en vista de los resultados y estadísticas que tenía a la mano, sin embargo, la película no es tan mala, digo, hay peores aberraciones en la historia del cine y Bobby no lo es.

En lo que estoy de acuerdo es que, teniendo una buena historia (el asesinato de Robert F. Kennedy) y un reparto tan diverso, ¡¿porqué rayos no se hizo una buena película?!.
Si de aventar culpas se trata, quien saldría perdiendo sería Estevez, ya que el guión es el responsable del hundimiento de esta cinta multiestelar. ¿Porqué? Primeramente porque a uno como espectador, le venden la idea que la película girará en torno al asesinato del senador postulado a presidente de los Estados Unidos, y lo que nos ofrecen son una serie de historias, más pobremente hiladas que "Crash", que retratan a la sociedad gringa de los años sesenta y sus problemas: la jubilación, la infidelidad, las minorías sociales, la gente rica, los hippies, las divas del espectáculo, la guerra de Vietnam. Todas las historias son tan diferentes y tan opuestas, que al momento de tratarlas de entrelazar, se ven extremadamente forzadas. Total que más que una historia sobre el asesinato de R.F.K., es una fotografía de los Estados Unidos y sus problemas sociales y cómo Kennedy afectó las vidas de todos los involucrados.

Las actuaciones son buenas. Yo diría que la mejor de todas fue la de Sharon Stone. Pero nuevamente, historias como la de la recepcionista que tiene un romance con el gerente del hotel o los ayudante de campaña que prueban por primera vez el ácido, terminan sobrando ya que no aportan nada a la cinta. Es como si, por tratarse de sus amigos, el director les hizo el favor de crearles un personaje por mero compromiso.

Todo esto no quiere decir que "Bobby" es mala. Digamos que el final es lo que más justicia le hace a la película. El final es tan bueno que uno se pregunta, ¿como una película tan equis puede tener un gran final? Pero bueno, "Bobby" es así, equis, no propone nada nuevo y es meramente para pasar el rato. Sin embargo, con todos los recursos disponibles, es una lástima que no pudieran haber sido bien aprovechados y haber armado, de perdido, un resultado un tanto más excepcional.
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Conversations with Other Women

"Las dos caras de la moneda"
****

Conversations with Other Women
Estados Unidos, 2005

Dirige: Hans Canosa

Con: Aaron Eckhart, Helena Bonham Carter y Olivia Wilde.

Desde hace tiempo había escuchado hablar (o había leído, no recuerdo) acerca de este pequeño filme independiente. Como siempre, en México este tipo de películas nunca son estrenadas o bien, deciden incluirlas en alguna muestra de cine alternativo después de 2 o 3 años de haberse estrenado. Sin embargo, creo que existe justicia divina en este mundo y mientras recorría Saharis, me encontré con la película e inmediatamente la tomé, sin pensarlo dos veces. "Conversations with Other Women", el apenas segundo largometraje de Hans Canosa, nos lleva a compartir una noche en la vida de dos personajes, que después de años sin saber el uno del otro, se rencuentran.


Los personajes no tienen un nombre definido, con la finalidad de representar gracias a ellos, el sentir y pensar del género masculino y femenino respectivamente. La cinta se presenta en dos frames. Cado uno representa la visión del protagonista, incluso en ocasiones nos muestra los pensamientos, flashbacks y situaciones que ocurren de forma simultánea en otro plano fuera de sus vidas. "Conversations with Other Women" nos lleva al reencuentro de Él y Ella, doce años después de que su matrimonio fracasó. Ambos han decidido llevar sus vidas por distintos caminos. Mientras Él continuó viviendo en los Estados Unidos, Ella se fue a Inglaterra, donde conoció a un cardiólogo y formó una familia. Pese al distanciamiento, al cambio de perspectiva ante la vida y a los problemas que ocasionaron que su unión fallara, los dos saben y están conscientes que son el uno para el otro.


La película lleva una dinámica muy similar a las películas de Richard Linklater "Before Sunrise" y "Before Sunset", donde la cinta se centra de manera exclusiva en dos personajes, que se sienten demasiado naturales y honestos. El filme logra, por medio de su atrevida edición y presentación en dos frames, retratar la separación entre ambos personajes. Por momentos pareciera que las dos imágenes se juntarán para formar una sola, en momentos tan íntimos como un beso, representando la posible unión sentimental de los protagonistas.


Después de casi más de 80 minutos, todos mis sentidos quedaron totalmente volcados ante este modesto filme. Pese a que el concepto no es algo nuevo, la manera en como se desarrolla la historia y la forma en cómo los personajes se van definiendo poco a poco mediante los flashbacks, sus confesiones y sus actitudes resulta en un ejercicio muy interesante. "Conversations with Other Women" termina por exponer la supuesta existencia de las almas gemelas, que pese a que en esencia deberían estar juntas, en muchas ocasiones es imposible que esto llegue a suceder. Las actuaciones por parte de los protagonistas son sólidas, pero lo que más llama la atención es la química entre ambos. Si en algún punto de su vida, se encuentran con esta cinta, así como a mi me sucedió en mi recorrido por el videoclub, no duden, ni siquiera tantito, en verla.
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La Maldición de la Flor Dorada - (Man cheng jin dai huang jin jia)

"¿Viva la familia?"
**1/2

Man Cheng Jin Dai Huang Jin Ji
China/Hong Kong, 2006

Dirige: Zhang Yimou

Con: Chow Yun-Fat y Gong Li

Recientemente, el cine asiático ha tenido gran impacto en la forma de hacer y ver el cine en este lado del mundo. Me atrevería a decir que parte de ese cambio de paradigma se debe gracias a la cinta de Ang Lee titulada "Crouching Tiger, Hidden Dragon", cuya historia y dirección artística cautivaron y sorprendieron a más de uno. En los años posteriores, nos han llegado filmes de igual calidad e incluso superior, con grandes coreografías y batallas de artes marciales, así como una buena dosis de sentimientos que los orientales han sabido explotar, como el respeto, la disciplina y el honor.


El realizador Zhang Yimou es el responsable de haber dirigido cintas como "Hero" (2002) y "House of Flying Daggers" (2004). Ambas llamaron la atención, no solo por su historia de proporciones épicas, sino más que nada por su belleza y exquisitez visual. Estas obran están plagadas con colores vibrantes, muy acorde al tono y a los sentimientos que intenta reflejar el director. Nuevamente, Yimou recurre a la fórmula que tan bien le ha funcionado: una historia de época, visualmente fastuosa y con un toque de artes marciales. Sin embargo, tal parece que en esta ocasión, hubo algo que le falló.


"La Maldición de la Flor Dorada" nos lleva a la época de las dinastías chinas, para conocer a una familia real. El emperador y la emperatriz tienen problemas en su vida matrimonial, sin embargo, ambos tratan de unir a sus tres hijos para cumplir con lo que la ley manda. Pero todo está a punto de cambiar, cuando la emperatriz descubra que su marido está tratando de matarla lentamente al suministrarle un hongo persa junto a su medicina, ya que descubrió que ésta lo engaña con su hijo mayor. Dispuesta a tomar venganza una vez que comprende los malévolos planes del emperador, decide orquestrar el derrocamiento de su esposo, utilizando a otro de sus hijos.


En esta ocasión, la historia nos lleva a reflexionar sobre el valor de la familia a través de la desintegración de una. Como es costumbre, el honor por la sangre y la venganza ante todo están presentes. Asimismo, las lecciones karmáticas y el simbolismo oriental se abrirán paso entre un festín visual, capaz de embelecer a cualquier persona con sus toques dorados y amarillos. Lamentablemente, la película termina por quedar lejos de las antecesoras de Yimou. Si bien, "House of Flying Daggers" perdió un poco de acción, para tornarse un tanto más dramática, "La Maldición de la Flor Dorada" se vuelca por completo en la historia, dejando a un lado las coreografías de artes marciales. Esto no significa que la cinta carezca de este tipo de escenas, ya que si las hay. El problema radica en que la historia no resulta interesante y no presenta algo nuevo. Es simplemente una novela china acerca de una familia en apuros.


Lo más vibrante del filme es su dirección de arte, el vestuario que está de lujo y la impecable cinematografía. Las actuaciones son adecuadas y quien sobresale de todo el elenco es la actriz Gong Li, quien ofrece un arrebato de sentimientos de forma natural y sutil. Zhang Yimou vuelve a presentar al público occidental, los valores del otro lado del mundo por medio de sus producciones épicas, pero deja en claro que la fórmula que ha seguido, no siempre obtiene los mismos resultados. Digamos que el éxito o fracaso de una fórmula se debe a la conjunción de varios factores y sinceramente creo que el que estuvo más débil en esta cinta, fue la calidad de la historia.
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The Last Kiss

"El último y nos vamos"
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The Last Kiss
Estados Unidos, 2006

Dirige: Tony Goldwyn

Con: Zach Braff, Rachel Bilson, Tom Wilkinson y Blythe Danner.

"The Last Kiss", o dicho en castellano "El Último Beso", es un remake más en la lista de filmes de Hollywood. La falta de originalidad de los realizadores y guionistas hoy en día, provocó que se adaptara la cinta italiana "L'ultimo bacio" (2001) al público estadounidense, ya que como es bien sabido, a los gringos nomás no les gusta ver una película con subtítulos o les aburre ver algo que ocurra fuera de su territorio. Total, que el rollo de la adaptación lo dejaron en manos de Paul Haggis (¡que gran sorpresa!) que desde su participación como guionista en "Million Dollar Baby" y "Crash" se ha convertido en una personalidad "in" dentro del showbusiness americano.


La cinta nos presenta a Michael, un treintañero que gusta de salir de parranda con sus amigos igualmente inmaduros que él y que vive junto a su novia Jenna. Inseguro de comprometerse en matrimonio con su novia, la vida de Michael se agita cuando recibe la noticia que será papá. Asaltado por las típicas dudas sobre compartir el resto de tu vida con la misma persona, renunciar a tu vida de soltero y convertirte en una persona con más responsabilidades, Michael siente que su existencia carece de emociones y felicidad y su inseguridad lo lleva hasta los brazos de Kim, una universitaria que le ayudará a encontrar nuevamente el sentido de la vida.


Definitivamente, "The Last Kiss" no es la típica comedia romántica a la que estamos acostumbrados a ver. El filme profundiza más en los sentimientos de los personajes y en la dinámica de las relaciones sentimentales. De acuerdo a lo que plantea el guión, todas las parejas están destinadas a sufrir altas y bajas, y pese a ello, deben ser capaces de luchar juntos para superar las situaciones más adversas. No cabe duda que por momentos, la película tiene un tono desesperanzador y crudo, ya que plasma el cinismo y la equívoca forma de actuar de los humanos ante sus temores e inseguridades.


Pese a la mala propaganda que se le ha hecho a la cinta, "The Last Kiss" es un filme decente. Supongo que tantas expectativas sobre el filme terminaron por decepcionar a más de uno. Primeramente, por tratarse de un remake, siempre existirán las obvias comparaciones entre la versión italiana y la americana. Asimismo, Zach Braff viene de dirigir y protagonizar "Garden State", un pequeño filme independiente que se convirtió en todo un crowd-pleaser. Los ejecutivos de Dreamworks decidieron promover "The Last Kiss" como una cinta muy al estilo de "Garden State" y eso fue un grave error, ya que "The Last Kiss" no es "Garden State" y ni siquiera es capaz de llegarle a los talones. Por momentos, Rachel Bilson intenta ser carismática y quirky como lo fue Natalie Portman y Zach Braff termina por interpretar un papel muy similar al de Andrew Largeman.


"The Last Kiss" es una película que mezcla el drama y la comedia de una manera entretenida. No es una película recomendable si andas tratando de comprometerte con alguien, ya que lamentablemente explora una faceta por la que todos los humanos hemos atravesado y que es avergonzante para todos. La cinta termina por ser un "Garden State" wanna-be, con todo y la dosis de música indie, presentada por el mismísimo Braff.

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Secretos Intimos - (Little Children)

"Juego de niños"
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Little Children
Estados Unidos, 2006

Dirige: Todd Field

Con: Kate Winslet, Patrick Wilson, Jennifer Connelly y Jackie Earle Haley.

Todd Field sorprendió a más de uno, allá por el año del 2001, con aquel pequeño filme independiente titulado "Crimen Imperdonable" (In the Bedroom), que contaba con la maravillosa actuación de Sissy Spacek. La cinta logró colocarse en la terna a Mejor Película de ese año y la crítica alabó el trabajo de Field como director. Para probar que no se trató de un simple golpe de suerte, nos presenta la sórdida e inquietante historia titulada "Secretos Intimos" o bien, "Little Children", su título original.


La cinta nos lleva hasta un típico suburbio americano de clase media-alta y nos presenta a cuatro personajes, cada uno con un problema diferente, pero que comparten los mismos sentimientos: la soledad y la infelicidad. Primeramente tenemos a Sarah (una excelente Kate Winslet) y a Brad (Wilson). Ambos casados y con hijos de la misma edad. Los dos se conocen en el parque del vecindario y poco a poco su amistad va acrecentándose hasta llevarlos a la intimidad. Lo que no saben es que los une la soledad, en el caso de Sarah, su esposo prefiere darse placer con imágenes de Internet, mientras que la esposa de Brad se la pasa trabajando todo el día al ser el sostén económico del hogar. Frustrados e infelices, encuentran en sus fugaces encuentros, la felicidad y la compañía que tanto anhelan.


Por otra parte se encuentra la historia de Ronnie (Haley, soberbio!), un pedófilo que recién abandonó la cárcel y se enfrenta a sus demonios internos, así como a una sociedad que lo rechaza y lo aisla por el simple hecho de ser diferente. Mientras que Larry, un ex-policía se dedica a vigilarlo para evitar que cometa otra fechoría, como ejercicio de auto-castigo a los actos que cometió durante los años de rendirle cuentas a la ley.


"Secretos Intimos" sabe pasar inteligentemente del drama a la comedia, del suspenso al erotismo. Es una historia profunda, simbólica y poco predecible. En general, el objetivo de la película consiste en presentar a cuatro adultos, cuyas circunstancias provocan que se comporten como unos niños (de ahí el nombre de la cinta). Los personajes son inmaduros, inseguros y poco responsables e inconscientes de los efectos que ocasionarán con sus actos. Son como niños chiquitos, jugando a ser adultos. Sin embargo, en un punto de la vida, el niño se convierte en adolescente, lo que implica que deberá ser más responsable y crecer como persona. De igual manera, los personajes van madurando hasta comprender su situación.


Field explora magistralmente a cada uno de los personajes y el guión es sumamente interesante. Las actuaciones son estupendas, en especial la de Jackie Earle Haley, quien ofrece una participación excelente, pese a lo sombrío y controversial de su personaje. Kate Winslet definitivamente continúa demostrando su talento. La sorpresa de la película es Patrick Wilson, en el papel del confundido Brad. Incluyan "Secretos Intimos" en su lista de películas por ver. Es un pequeño filme independiente que explora la complejidad de los humanos y que a final de cuentas, nos enseña a valorar lo que tenemos y a responsabilizarnos por nuestras acciones.
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For Your Consideration

"Y el Oscar es para..."
***1/2

For Your Consideration
Estados Unidos, 2006

Dirige: Christopher Guest
Con: Catherine O'Hara, Eugene Levy y Parker Posey.

Desde hace 11 años, Christopher Guest irrumpió en la escena cinematográfica como director, enfocándose en un género poco explorado en Hollywood: los mockumentaries, osea una especie de documental ficticio que gracias a la participación de varios cómicos y a sus habilidades para improvisar, logran resultados sumamente cómicos, pero a la vez, críticos. Guest tiene en su haber varios filmes de este género: "Waiting for Guffman" (1996), "Best in Show" (2000) y "A Mighty Wind" (2003). En estas cintas ha logrado ir formando un equipo de cómicos que incluyen a Eugene Levy, Fred Willard, Catherine O'Hara, así como él mismo.


En esta ocasión, Guest nos trae "For Your Consideration", un mockumentary que nos lleva hasta el set de filmación de la película independiente "Home for Purim". La cinta de bajo presupuesto, cuenta con la participación de dos estrellas veteranas de Hollywood: Victor Allan Miller (Harry Shearer) y Marylin Hack (O'Hara), quienes habían desaparecido de los reflectores al no tener propuestas de trabajo. Mientras los días de filmación transcurren, un rumor comienza a circular por los pasillos del foro: Un sitio de Internet afirma que las actuaciones de sus protagonistas principales son "Oscar-worthy", osea, merecedoras de una nominación al premio de la Academia. Sin embargo, esto ocasionará que el pequeño filme obtenga más atención por parte de los ejecutivos del estudio, así como rivalidades y conflictos entre sus protagonistas.


La cinta retrata incisivamente algunos aspectos de la Meca del Cine, la cual supuestamente gira en torno a los Premios de la Academia. "For Your Consideration" expone cómo los blogs son capaces de levantar revuelo y expectativa con respecto a cintas próximas a estrenarse (por ejemplo, Snakes on a Plane), el papel convenenciero de los jefes de los estudios cinematográficos quienes únicamente apuestan a cintas que consideran puedan dejarles ganancias, los representantes artísticos deshumanizados, los productores a quienes les vale gorro lo que esté pasando o no en la filma, los guionistas ignorados, la televisión y sus programas de chismes y los actores que se sienten el centro de atención.

El humor de la cinta podría no ser del gusto de todas las personas, ya que "For Your Consideration" es una comedia crítica e inteligente. El elenco brinda unas actuaciones formidables, donde destacan la de Catherine O'Hara y Parker Posey. Se dice que Guest únicamente explica a los actores las escenas a grandes rasgos y ellos son quienes se encargan de generar los diálogos. ¿El resultado? Un mockumentary que vale la pena ser visto. Sobretodo para entender un poco más el negocio detrás de los Oscares y de lo que un rumor es capaz de desencadenar.

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300

"Cuéntame una de espartanos"
**

300
Estados Unidos, 2007
Dirige: Zack Snyder
Con: Gerard Butler, Lena Headey y Dominic West

"300" es apenas el segundo largometraje de Zack Snyder, realizador del remake de "El Despertar de los Muertos". Basada en las novelas gráficas de Frank Miller ("Sin City") que llevan el mismo nombre, el filme vagamente presenta hechos reales sobre la batalla ocurrida entre los espartanos y los persas, en la cual tan solo un ejército de 300 espartanos desafió a una gran cantidad de contrincantes.

Me gustaría empezar por platicar acerca de la historia, o más bien, el intento de historia. A diferencia de "Sin City", en "300" la gran falla radica en un guión pobre. Al parecer, la adaptación fue tan fiel a las novelas que decidieron dejar casi intactos los diálogos tan escuetos que se reducen a repetir las frases "Estamos en guerra!", "Victoria" y "Muerte" en diversas ocasiones, llegando incluso hasta el límite del fastidio. Más allá de esto, el filme termina por recorrer los lugares más comunes del género y por presentar los clásicos estereotipos (el héroe, el traidor, el chistoso, etc).

Visualmente, la película sale bien librada. Tanto el matiz de la fotografía, así como los efectos especiales realmente merecen un enorme reconocimiento y son quienes levantan el ritmo de la película. De no ser por ellos, "300" hubiera terminado siendo una cinta más, destinada a vivir empolvada en el mostrador de algún videoclub (ejem, Kingdom of Heaven, ejem). Si bien, "300" no se encarga de reinventar el género, de perdido trae una propuesta visual muy fresca y diferente. Viendo la película más a detalle, el propósito general de ésta, además de entretener, consiste en bombardear a los jóvenes (la audiencia meta de la cinta) con mensajes nacionalistas y patrióticos.

Bien pudiéramos comparar la situación de guerra que se vivía en Esparta con la que se vive en los Estados Unidos. De igual forma que la civilización griega, Estados Unidos envía a jóvenes para servir a su nación y lo que más desea son personas que obedezcan órdenes sin objeción alguna, generando una sociedad de borregos, que idolatran a un líder y que llegan a ser capaces de entregar su vida por el honor a su patria.


No puedo decir que no me divertí, pero sin duda mis expectativas eran más altas. Por momentos sentía que la película iba a despegar hacia proporciones épicas y terminaba por perder el aliento antes de tiempo. Es una cinta que parece no tener un clímax bien definido y que lo único que hace es presentar a modelos de Abercrombie and Fitch desmembrándose unos a otros. "300" no es la mejor película del año como se nos quiere hacer creer. Es un filme que seguramente tendrá sus fieles seguidores y probablemente se convierta en un objeto de culto, sin embargo, eso no le resta valor a sus obvias fallas. Pese a todo, igual y lo más importante para algunos es que cumplió con su objetivo, que es de entretener. En mi caso, que tal vez exigía un poco más, termina por decepcionarme.
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A Guide to Recognizing your Saints

"De regreso a casa"
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A Guide to Recognizing your Saints
Estados Unidos, 2006

Dirige: Dito Montiel

Con: Robert Downey Jr., Shia LaBeouf y Chazz Palminteri

"A Guide to Recognizing your Saints" es un trabajo autobiográfico del director/escritor Dito Montiel. La cinta nos lleva a un viaje emocional que da inicio en la ciudad de Queens durante la década de las 80's. Dito es un adolescente que pasa más tiempo con sus amigos, que con sus padres. Al darse cuenta que sus amigos son una mala influencia para su futuro y viendo el ambiente de violencia que se vive en la ciudad, Dito prepara su partida. Sin embargo, su padre no está dispuesto a aceptar dicha decisión, ya que cree conveniente que se quede junto a él y su madre. 15 años después, Dito recibe la noticia que su padre está muy enfermo y no lo queda más remedio que regresar a las calles que lo vieron crecer y a enfrentar sus demonios internos.


Si algo logra caracterizar a la película, es su honestidad al contar la historia y el nivel de detalle en la definición de personajes. Cada uno de ellos está perfectamente bien delineado y la trama se desarrolla de una manera natural y sincera, que poco a poco, logra que uno se vaya involucrando hasta sentirse parte de la cinta. "A Guide to Recognizing your Saints" es sobretodo una historia de perdón. Al huir de la ciudad, Dito se lleva con él los recuerdos, pero también mucho resentimiento, principalmente hacia su padre quien según él no lo entendía. Con el paso de los años, se da cuenta que todas aquellas personas que decidió olvidar en algún punto de su vida, son las personas más importantes de su vida, son quienes han tocado y transformado su existencia, son quienes pese a todo lo sucedido no lo han olvidado y piensan en él, son sus santos personales.


El trabajo, tanto de dirección como del ensamble actoral, es excelente. Los novatos Shia LaBeouf, Melonie Diaz y Channing Tatum ofrecen unas actuaciones sólidas, creibles y llenas de fuerza. Rosario Dawson, Dianne Wiest y Robert Downey Jr. complementan el cuadro con sus actuaciones secundarias. Pero quien realmente se merece el reconocimiento total, los aplausos y los premios, es Chazz Palminteri, en su rol del padre de Dito. Palminteri derrocha una fuerza y un coraje tremendo que realmente te estruja y conmueve. Sin duda, es una de las mejores actuaciones que he visto en mi vida por parte de un actor.

"A Guide..." termina por ser un relato conmovedor que promueve la aceptación de nuestras raíces, para poder tener esa paz interna. Es una cinta que nos lleva a pensar en todas aquellas personas que han tocado nuestras vidas, para bien o para mal, pero que con sus actos han logrado que seamos quienes somos en la actualidad. Les recomiendo completamente este pequeño filme independiente.
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María Antonieta - (Marie Antoinette)

"Confesiones de una reina adolescente"
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Marie Antoinette
Estados Unidos, 2006

Dirige: Sophia Coppola

Con: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman y Judy Davis.

Después de escribir y dirigir "Lost in Translation" (Perdidos en Tokio), una de mis películas favoritas de todos los tiempos, y de haber recibido un premio Oscar, Sophia Coppola nos trae su más reciente proyecto, el cual también se ha encargado de dirigir y escribir. Se trata de "María Antonieta", un filme de época que ha sido adaptado al mundo real. El filme se sitúa en Francia y sigue los pasos de María Antonieta, una jovencita de origen austriaco que contrae matrimonio con el duque Luis XVI, para posteriormente convertirse en una reina pese a su corta edad.
Hay una cosa que hay que dejar muy en claro.

La película dista mucho de ser una cinta biográfica o educativa. Al igual que en sus trabajos anteriores, Coppola se desvive ante los elementos técnicos de la producción, pero en esta ocasión, como que la parte técnica logró tener más peso sobre la historia. El maquillaje y el vestuario está de lujo. Mientras que la cinematografía y la música moderna, alternativa e independiente, van de la mano con la historia que la directora intenta contar, pero que al parecer, no logró desarrollarse del todo bien. Tratando de seguir el patrón de "Lost in Translation" al presentar escenas con pocos diálogos, "María Antonienta" no logra salir tan bien librada como su antecesora. Por momentos se vuelve cansada y en otras ocasiones, hasta siento que comienza a rayar en pretenciosa.


Tal vez una cosa que le resta puntos al filme es la actuación de Kirsten Dunst. Realmente me esperaba una actuación más convincente y tenía la impresión que sería el mejor papel de la joven actriz. Sin embargo, mis expectativas no se cumplieron. La actuación de Dunst, junto con las del resto del elenco son planas y probablemente sean la causa de una falta de simpatía con los personajes. A diferencia de "Lost in Translation", donde tanto Bill Murray como Scarlett Johansson nos llevaban hasta lo más profundo de su ser, expresando sus más íntimos sentimientos, en "María Antonieta", los actores tienen poca química y eso se transmite a la audiencia. Creo que un gran desatino fue el casting para la película.


Pero bueno, en si, Sophia Coppola se tomó la libertad (y digamos que fue demasiada) de adaptar esta historia a la época actual. El mensaje principal es el de retratar que hay ciertos puestos de poder que requieren de personas con capacidades especiales para desempeñarse de manera adecuada. Asimismo, la película nos muestra el proceso de madurez de María Antonieta, de adolescente a joven, de su inconsciencia a comprender los problemas de la nación, de ser egoísta y pensar únicamente en ella, a preocuparse por el bienestar de sus hijos.
En si, creo que si me decepcionó un tanto la cinta. Debo confesar que me la esperaba un poco mejor, sobretodo viniendo de Sophia Coppola. Como les mencioné, en cuestión técnica es maravillosa, pero en otros aspectos importantes, tales como la historia y el desarrollo de personajes, la película se queda a medias.
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The Heart of the Game

"Jugando con el corazón"
***1/2

The Heart of the Game
Estados Unidos, 2005

Dirige: Ward Serrill

Después de varios meses de espera, finalmente tuve la oportunidad de ver este documental. Durante mi estancia en Seattle, "The Heart of the Game" tuvo su estreno en el Festival Internacional de Cine de Seattle (el SIFF), pero al tratarse de una cinta rodada en la ciudad y ante la gran expectativa, los boletos se agotaron de inmediato. Mi jefa alcanzó boletos y me la recomendó mucho, sobretodo porque el entrenador Bill Resler, fue maestro de ella en la Universidad de Washington.


"The Heart of the Game" es un filme dirigido al corazón. El documental nos presenta a Bill Resler, un maestro de economía que decide tomar el puesto de entrenador del equipo femenino de basketball de la preparatoria Roosevelt. Siendo uno de sus deportes favoritos, Bill comienza a transmitirles toda la pasión a sus jugadoras, logrando que cada una de ellas conozca su interior y de lo que es capaz, así como a encontrar y forjar su verdadera personalidad. En el camino, Bill lleva a las jovencitas hasta el campeonato estatal, en donde logran sobresalir por ser un verdadero equipo, que trabajan de forma equitativa y en armonía.


Además de ello, la película introduce a Darnellia, una jovencita de escasos recursos que no tiene idea del gran talento que posee y que busca superarse y obtener una beca universitaria para realizar sus estudios profesionales. Sin embargo, sus planes de vida se verán truncados cuando se entere que está embarazada. A su corta edad, Darnellia deberá asumir las consecuencias de sus actos, convertirse en una mujer responsable y perseverante en lo que desea obtener en la vida.


"The Heart of the Game" maneja muchos mensajes, pero los transmite de una manera honesta y cálida. No es un documental manipulativo, ni tampoco es su intención que rompas en llanto cuando termines de verlo. La cinta es simplemente un ejercicio bien estructurado, que nos enseña que el triunfo requiere muchos sacrificios (como bien dice el dicho: "no pain, no game") y que ante todo lo que hagamos: escuela, deporte, familia, amigos, etc. lo más importante y lo que deja huella de forma permanente, son las cosas que hacemos con el corazón.
Si llegan a tener la oportunidad de verla, no duden en echarle un vistazo. Si eres fanático del basketball (como es mi caso), entonces la disfrutarás aún más. Pero aún sin ser un seguidor del baloncesto, la película te mantendrá al borde de tu asiento, sintiendo lo mismo que las jugadoras y esperando que su esfuerzo se vea remunerado.
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Hollywoodland

"Misterios sin resolver"
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Hollywoodland
Estados Unidos, 2006

Dirige: Allen Coulter
Con: Adrien Brody, Diane Lane y Ben Affleck

Nuevamente Hollywood se retrata a si mismo, sacando a la luz más de sus trapitos sucios. "Hollywoodland" es el nombre del filme dirigido por Allen Coulter, en cuya filmografía se incluyen la dirección de episodios de series televisivas como "The Sopranos" y "Sex and the City". La película está basada en los hechos reales que sacudieron a la industria fímica a finales de los años 50, cuando George Reeves, el protagonista del programa de televisión "The Adventures of Superman", se privó de su vida. Sin embargo, Louis Simo, un detective que se carga toda la actitud noir, decide tomar el caso y poco a poco, va atando cabos que lo llevan a pensar que el actor fue víctima de un homicidio.

El filme, que da inicio a partir de la muerte de Reeves, poco a poco va presentando la trama. Pese a que se sitúa en los hechos posteriores a la muerte del histrión, por medio de flashbacks nos lleva al pasado con la finalidad de conocer los posibles motivos que hicieron que el actor atentara contra su vida. Detrás del mundo de glamour del cine norteamericano de los años cincuenta, la cinta nos presenta la realidad de los actores sin empleo, la dificultad de conseguir un trabajo decente al no tener a algún conocido en el medio, la corrupción y la mafia de la industria. La muerte de Reeves fue y sigue siendo uno de esos misterios sin resolver. Aunque se manejó la versión del suicido, es más que evidente que se trató de un crimen encubierto. Es por ello que la película no toma partido. Simplemente se encarga de presentar las cosas como sucedieron y dejar en el espectador la última palabra.

La historia es buena, pero en lo personal considero que pudo haber dado para más. Por momentos la trama se torna lenta, algo predecible y sobre todo, muy en la línea del género, una mezcla de suspenso con noir. Lo que vale la pena son las excelentes actuaciones de todo el elenco. Diane Lane se lleva las palmas, así como Adrien Brody, quien transmite la apatía e indiferencia por medio de su personaje. El que realmente nos da una sorpresa, es nada más y nada menos, que Ben Affleck. Para todos aquellos (yo incluido), que dudábamos de las habilidades actoral de Affleck, queda más que demostrado que sabe actuar, y bien.


No faltará quien se queje por la falta de conclusión en la cinta. Aunque a mi me parece que fue lo mejor que pudieron hacer, sobretodo si presentan una historia que carece de un descenlace bien definido. "Hollywoodland" es una de esas películas, que si bien no aporta nada nuevo, funciona como vehículo de proyección para su ensamble actoral.

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El Asesino de Cumbres

"Como buen videohome mexicano"
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El Asesino de Cumbres
México, 2006

Dirige: ???

Con: Eleazar García "Chelelo", Rodolfo Almada y Gaby Barajas.

Dentro de la industria cinematográfica mexicana, existe un gran número de producciones de tipo "videohome", osea aquellas películas (si es que debieran considerarse como tales) que son filmadas con cámaras digitales y en las condiciones más precarias sin el mínimo significado de la palabra "producción". El tema más común de los videohomes mexicanos es el narcotráfico, pero recientemente, se han aprovechado de noticias escandalosas para poder lucrar con ellas. Y es gracias a eso que podemos disfrutar, en la comodidad de nuestros hogares, el glorioso filme titulado "El Asesino de Cumbres". Debo confesarles, tenía curiosidad por saber de que se trataba, ya que no sabía si sería un documental, o una dramatización.

El filme está basado "supuestamente" en los hechos que conmovieron hace más de un año a la sociedad regiomontana, cuando Diego Santoy dio muerte a dos pequeños, hermanos de su novia Erika Coss, hirió a esta última y secuestró a la sirvienta, para posteriormente huir junto con su hermano hacia Centroamérica. Y digo que supuestamente, porque la película mezcla hechos reales con historias ficticias (como la del policía que captura al asesino, pero que antes debe enfrentar a un ex-policía que ahora es narco), así como comentarios no fundamentados que se basan en habladurías de la gente.

"El Asesino de Cumbres" presenta todas y cada una de las versiones que existen con respecto al asesinato, pero tal parece que las grabaron y no supieron como presentarlas, así que las dejaron así tal cual. El guión no tiene coherencia, la dirección es nula, las actuaciones y las situaciones provocan risa involuntaria, los diálogos son demasiado falsos, la edición es patética y la producción es simple y sencillamente mala (esta filmada en una casa/rancho). La película es una aberración y un insulto a la cinematografía, pero aún así, no me cabe la menor duda que se convierta en una obra y un clásico de culto.


Total que la película no aporta nada nuevo. Ni presenta de manera objetiva los hechos ocurridos, ni ofrece una conclusión al caso. Simplemente se encargan de recrear la tragedia de manera circense, con el objetivo de evocar el morbo del espectador. Realmente es una falta de respeto, tanto para los familiares de las víctimas, como para todos los involucrados en este caso, ya que toma un acontecimiento verídico, para deformarlo en una historia digna de un video casero de pésima calidad.

Esta interesante y aleccionadora película se puede conseguir exclusivamente en el comercio informal (donde los comerciantes aseguran que ha sido todo un éxito) o bien, creo que también la rentan en Saharis. Las mejores partes de la cinta son, sin duda alguna, cuando una mosca se atraviesa en plena escena y se estampa contra el rostro de la actriz (jajajajaja), así como la musicalización de película porno de quinta.

Vale la pena verla para entender el business underground del cine mexicano y para reirte un buen rato.

Les dejo un video cortesía de YouTube donde podrán encontrar escenas de la cinta, digo, por aquello de que les entre la curiosidad y quieran saber más sobre esta joya cinematográfica:




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La Fuente de la Vida - (The Fountain)

"Más allá de la muerte"
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The Fountain
Estados Unidos, 2006
Dirige: Darren Aronofsky
Con: Hugh Jackman, Rachel Weisz y Ellen Burstyn

"La Fuente de la Vida" es el anticipado y ambicioso proyecto del director estadounidense Darren Aronofsky, aquél que hace 7 años nos trajo una visión cruda, deprimente y oscura sobre el mundo de las drogas titulada "Requiem por un Sueño", un viaje vertiginoso, con un estilo y musicalización únicos. Desde el inicio, "La Fuente de la Vida" se enfrentó a una serie de obstáculos. El costo de producción era altísimo y los protagonistas iniciales, Brad Pitt y Cate Blanchett, decidieron abandonar el filme. Después de una re-estructuración del guión, una importante reducción del presupuesto y nuevos protagonistas, Warner Bros y Fox decidieron financiar este riesgoso proyecto.


La película es un viaje espiritual y una aventura que nos transporta hacia tres diferentes épocas para contrastar la vida con la muerte y presentarnos el verdadero significado de esta última. "La Fuente de la Vida" nos introduce al doctor Tom Creo, quien pasa sus días en un laboratorio médico con el objetivo de encontrar la cura a la enfermedad terminal que aqueja a su esposa Izzy. Ella, gracias al dolor y al sufrimiento que experimenta, ha logrado aceptar su destino y perder el miedo a morir.


Durante sus últimos días, Izzy se ha dedicado a escribir un libro titulado "The Fountain", una historia que se ubica en la España del siglo 16, donde la reina de esta nación le encomienda a un hombre viajar a la Nueva España con la finalidad de encontrar una pirámide maya donde supuestamente yace un árbol que simboliza el origen de la humanidad y cuya savia provee a los humanos con el don de la inmortalidad. En si, es un libro que retrata el enfrentamiento personal de Izzy: el de seguir viviendo junto, pese al cercano fin de su existencia, pero de la misma manera, presenta el enfrentamiento de su esposo por encontrar una cura a su enfermedad.


Aronofsky nos ofrece una historia sumamente compleja, la cual no se desarrolla de manera cronológica, por lo que requiere que el espectador interactúe y vaya armando en su mente la secuencia de los hechos. "La Fuente de la Vida" es sobretodo, una obra enfocada a enseñarnos que no existe tal cosa como la inmortalidad y que pese a todos los esfuerzos que hagamos por evitar perecer, la muerte es un paso esencial de nuestra existencia humana, que representa la culminación de nuestra vida en este mundo, pero a la vez, el nacimiento en el más allá. Pese a no centrarse en explicar los misterios y los secretos de la vida después de la muerte, es una cinta que propone que la muerte no es el fin de todo, sino el comienzo de algo desconocido, y que la ambición humana, con tal de prolongar la vida, nos lleva a la frustración, al darnos cuenta que es imposible desafiar los planes de la vida.


¿Ambiciosa? En efecto. Pero eso parece no limitarla. Aronofsky logra confeccionar una obra maestra, un digno paso después de "Requiem por un Sueño". Es un filme visualmente propositivo, que mezcla la ciencia ficción con una historia de amor e incluye ciertos toques espirituales. Con una excelente musicalización y un buen reparto, la película sobresale en todos los sentidos. Rachel Weisz brinda una actuación de lujo y Ellen Burstyn derrocha su talento en un papel secundario. "La Fuente de la Vida" es una cinta que pese a ser un tanto pretenciosa, termina como un filme propositivo y diferente, gracias al talento de su director. Por lo pronto, habrá que esperar el próximo proyecto cinematográfico de Aronofsky.
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Notas de cineramaonline

A partir de hoy, ha quedado restringida la publicación de comentarios anónimos en la página, debido a un post de muy mal gusto que revelaba el final de una película próxima a estrenarse en México. Para quien sea que lo haya escrito, espero que estés consciente de lo que hiciste, considerando que varias personas visitan con regularidad el blog.

Así que, si desean postear, deberán de tener una cuenta de cualquier servicio de Google y listo.
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Niñas Mal

"Cliché de principio a fin"
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Niñas Mal
México, 2007

Dirige: Fernando Sariñana

Con: Martha Higareda, Camila Sodi y Blanca Guerra.

"Niñas Mal" es la primera producción de Columbia Pictures México. La cinta, dirigida por Ferando Sariñana (Amar te Duele), tuvo una gran campaña de promoción detrás, tanto en medios impresos como electrónicos, generando obvia expectativa entre la audiencia mexicana. Desde que vi el trailer, digamos que mis expectativas no eran las mejores, pero quería darle la oportunidad, esperando que fuera una película ligera, de esas para pasar el rato y no echarle mucho coco.


Pues si, mis expectativas no fueron superadas. La película cumple con su objetivo, que es entretener, pero hasta ahí se queda. Es divertida por momentos, pero en otras ocasiones se vuelve sosa, peca de moralista como la mayoría de las producciones mexicanas y se agarra de todos los clichés del género comedia adolescente gringa para presentarlos uno tras otro, de principio a fin.


En cuanto a la historia, la película nos lleva a la vida de Adela, la hija rebelde de un senador que aspira a ser gobernador, pero que requiere que ella cambie de actitud para conseguir el puesto. Empecinada por no mejorar su conducta, Adela es inscrita a una escuela donde supuestamente les enseñan a ser todas unas señoritas, al tomar clases de repostería, jardinería y de modales. Ahí conocerá a Pía, una economista nerd, Valentina, una artista con confusión sexual, Maribel, una chava loca y media descerebrada y Heidi, una niña rica. Entre ellas, se apoyarán para superar sus problemas y enfrentar a sus familias.


Dejando a un lado la parte de los clichés, que ponen en evidencia la falta de talento y originalidad al escribir un guión (mezcla de cualquier cinta de Lindsay Lohan o Hilary Duff + RBD + los estereotipos del género + todo el elenco de las telenovelas de TV Azteca), la película no se conforma con simplemente entretener, y como buena película mexicana, quiere aleccionar, aunque haciéndolo de una manera grotesca. Estoy de acuerdo en que siendo una película dirigida para el público juvenil, quieran transmitir mensajes como la autoaceptación y la aceptación de los demás, el dejar de ser tan egoistas, etc. Lo malo es la forma en como llevan ese mensaje al filme. De un momento a otro, pasa de ser irreverente a darnos un discurso telenovelezco acerca de la amistad. ¿Porqué no dejar eso de manera implícita y dedicarse únicamente a contar una historia y ya? En cuanto al guión, se nota que simplemente siguieron la fórmula, sin darle un vistazo al producto final. La historia de amor sale completamente sobrando. Supongo que como todas las cintas del género manejan una historia secundaria de amor, pues aquí quisieron hacer lo mismo.


Las actuaciones por parte del elenco son buenas. Entre mis favoritas figura la de Blanca Guerra como Maca, la directora de la escuela para señoritas y la de María Aura (Maribel). Eso no significa que el resto del elenco no actúe bien, de hecho, conforman un buen ensamble actoral. En lo que estoy en desacuerdo es que Martha Higareda persista en seguir mostrando sus senos. Digo, no tiene nada de malo, por mi que lo siga haciendo las veces que quiera. El caso está en que en lugar de andar por ahi desnuda, debería mostrar más sus otros talentos y por lo tanto, la película no tendría sus escenas de desnudo completamente innecesarias.


En cuestión técnica, pues me remito a lo que ya había escrito acerca de "Kilómetro 31". Tiene una buena producción, pero de nada sirve si todo el dinero se ha invertido en un proyecto que carece de originalidad y creatividad. No me cabe la menor duda que "Niñas Mal" será taquillera en nuestro país. Es una comedia que entretiene, muy ligera y con la que muchas adolescentes seguramente se identificarán. Para disfrutarla, hay que ir con la mejor de las intenciones y sin esperar la nueva obra del cine mexicano que marcará un hito en su historia.


"Niñas Mal" tiene sus momentos, pero el resto de la cinta es muy desangelado. Una comedia juvenil totalmente predecible, poco original y que desea a toda costa ser tomada como una película seria, fallando en su intento. El cine mexicano parece tener su racha de "cintas comerciales" con buenos resultados en taquilla. No los culpo y me da gusto que la gente se interese por ver productos hechos en nuestra nación. El problema radica cuando todas las películas siguen el mismo patrón y los proyectos creativos nunca ven la luz de la distribución. Ideal para un rato en que no deseen pensar mucho, o cuando quieran ver los senos de Martha Higareda.

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El Último Rey de Escocia - (The Last King of Scotland)

"Un retrato casi perfecto"
***

The Last King of Scotland
Inglaterra, 2006

Dirige: Kevin MacDonald

Con: Forest Whitaker, James McAvoy y Kerri Washington.

El director inglés Kevin MacDonald lleva a la pantalla grande la novela de Giles Foden "El Último Rey de Escocia", la cual, más allá de retratar el estado social y político de Uganda durante la década de los 70's, se centra en la relación que surge entre el entonces presidente y dictador del país africano, Idi Amin y Nicholas, un médico escocés recién egresado que logra convertirse en el consejero más leal del dirigente.

Nicholas, cansado de la vida en Escocia junto a su familia, decide cambiar de aire y opta por viajar a Uganda donde labora como médico en una comunidad muy pobre. Sin embargo, cuando conoce al presidente Idi Amin en una presentación pública, le llama la atención su espíritu, su carisma y la forma de conectarse con el pueblo. Posteriormente, el destino cruza sus caminos y Amin le pide al joven que se convierta en su médico personal, para poco a poco convertiste en el consejero de uno de los dictadores más sanguinarios en la historia de África.


Más que escudriñar por la situación social, política y económica del país en esa época, la película se remite a presentarnos la transformación del líder político Idi Amin, quien al inicio de la cinta parece un general simpático, con sentido del humor y de carácter fuerte, y que durante la película nos va mostrando cada una de sus facetas: el miedo a la muerte, su irracionalidad y su inseguridad para tomar decisiones. El tema principal del filme radica en enseñarnos que un líder debe cumplir ciertas características. El hecho de que sea una persona carismática y querida por su pueblo, no significa que sea la opción adecuada para tomar un rol que demanda demasiada responsabilidad. Siendo elegido por los británicos para ocupar dicha posición (bajo conveniencia, claro está), Amin demuestra sus pocas habilidades diplomáticas y un comportamiento incoherente, guiado por sus sentimientos más que por su raciocinio.


La película pudo haber dado para más y hay ciertos factores que la dejan a un paso de la perfección. Me da la impresión que pudo haber sido una excelente obra de crítica política, pero se quedó corta a comparación de cintas similares como "The Constant Gardener" y "Hotel Rwanda". Primeramente, el personaje principal (Nicholas) no provoca el menor esbozo de simpatía durante el filme. Al contrario, me hubiera gustado que recibiera un merecido por las equivocaciones que cometió, tales como la traición, su ambición, etc. En segundo lugar, se encuentra el débil transfondo. El filme trata a toda costa de pintar a Amin como el malo y el responsable de la perdición del país. ¿Pero que hay de aquellos países europeos que salieron beneficiados con esto?. Por último, hay acontecimientos que me parecen más ficticios que una novela sobre extraterrestres y el final resulta ser tan predecible y poco emotivo. Si el objetivo de la película era lograr que la gente se conmoviera por las atrocidades cometidas por Amin, fallaron por completo, ya que se enfocan más en presentarnos su vida personal y sus conflictos internos.


Pese a sus defectos, vale la pena darle la oportunidad, especialmente por Forest Whitaker, quien brinda la actuación de su vida. De estar relegado a papeles secundarios en Hollywood, Whitaker se mete por completo al papel del dictador africano, llevándonos desde su interpretación como líder carismático y con sentido del humor, hasta el tirano despiadado, violento y poco racional en el que se convirtió. El joven James McAvoy brinda una interpretación de soporte buena y la dirección es interesante. Diría que funciona como más como cinta de ficción, ya que está lejos de ser un retrato completo de la realidad y de quedarse en el camino para transmitir su mensaje.

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Más Extraño que la Ficción - (Stranger than Fiction)

"Más floja que extraña"
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Stranger than Fiction
Estados Unidos, 2006

Dirige: Marc Forster

Con: Will Ferrell, Maggie Gyllenhaal y Emma Thompson.

Desde que supe acerca de "Más Extraño que la Ficción", gracias al trailer y a la sinopsis de la película, me pareció que sería un proyecto cinematográfico muy original y entretenido. Digamos, una mezcla entre el humor negro y la comedia existencialista. Quiero pensar que no fueron mis expectativas quienes lograron que la cinta no fuera de mi total agrado y me gustaría pensar que se debió a los obvios detalles que saltan a la luz al observarla.


La película nos presenta la vida de Harold Crick, un hombre que trabaja en el departamento de Hacienda de los Estados Unidos y que lleva una vida rutinaria y bajo el control de su reloj. Un buen día, se da cuenta que únicamente él es capaz de escuchar la voz de una mujer inglesa que se la pasa narrando su vida. Al descubrir por medio de la narradora, que su días están contados, emprenderá la búsqueda de dicha mujer para encontrarle un sentido a su vida y evitar su muerte.


Lo que empieza como un buen ejercicio fílmico, mezclando el humor existencialista y una incertidumbre con respecto a la manera en como se entrelaza la historia del supuesto personaje principal de una tragedia y su escritora, poco a poco van decayendo hasta el grado en que la historia se vuelve demasiado floja, lenta y por momentos algo sosa. Realmente me hubiera gustado que la película hubiera terminado unos 20 minutos antes, ya que hay momentos que no aportan nada nuevo a la historia principal, sino que se remite a darle vueltas al mismo asunto, llevando a uno, como espectador, al aburrimiento.


El filme maneja el concepto de la muerte, bajo un enfoque donde el personaje conoce de antemano su fatídico desenlace y con ello, le sirve para cambiar su estilo de vida y descubrir aquellos placeres, los cuales desconocía. Por un momento, no pude evitar comparar esta cinta con "Truman Show", un vehículo de Jim Carrey para demostrar sus habilidades actorales, no solamente en la comedia, sino en el drama. De manera similar, Will Ferrell logra a medias su cometido: mostrarle al público su supuesta versatilidad, aunque yo verdaderamente, no me creí su personaje. Digamos que "Más Extraño que la Ficción" sería un hermano bastardo de "Truman Show", donde en lugar de que el personaje sea la parte central de un reality show, en esta ocasión resulta ser la parte central de una novela en proceso.


Maggie Gyllenhaal y Emma Thompson dan unas actuaciones acertadas y convincentes, mientras que Dustin Hoffman termina siendo desaprovechado en un papel al que le falta trascendencia en la trama. Pese a que el concepto original era prometedor, hubo una falla en la manera de ejecutarlo y llevarlo a la pantalla grande. Lo que empieza como una historia interesante, termina de forma floja, sin chiste y sin el menor grado de comicidad que se planteó.
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Allegro

"No me olvides"
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Allegro
Dinamarca, 2005

Dirige: Christoffer Boe

Con: Ulrich Thomsen, Helena Christensen y Henning Moritzen.

El director danés Christoffer Boe presenta su segundo largometraje titulado "Allegro", en el cual nos presenta la vida de Zetterstrom, un reconocido pianista que, confundido por sus miedos y demonios internos, perdió al amor de su vida, Andrea. Escondido en su egoísmo y lejos de Dinamarca, Zetterstrom pierde todo recuerdo de su vida pasada, tanto los momentos de felicidad como los de tristeza. Tiempo después, Zetterstrom recibirá una invitación para ofrecer un gran concierto en su ciudad natal, donde será confrontado con aquellos recuerdos que pese a que se ha aferrado a olvidarlos, aun forman parte importante de su existencia.


Boe nos lleva por una aventura que alterna entre el mundo real y un mundo imaginario, llamado "La Zona", donde supuestamente radican los recuerdos olvidados del pianista y en el cual habita Tom, un hombre discapacitado que bien podría simbolizar a Dios, ya que representa a un ser omnipresente y enigmático en la vida de Zetterstrom. La película nos muestra la importancia de los recuerdos en nuestra vida, ya que el pasado es parte importante del presente. Allegro presenta el concepto que una vida sin recuerdos, equivale a una existencia carente de sentido. Otro tema que toca la cinta es con respecto al talento y la manera en como compartimos con los demás dichos talentos. Zetterstrom, pese a ser un pianista con grandes talentos, pide a la audiencia que cubra sus ojos mientras interpreta, lo que representa el miedo que tiene a los demás. Cuando Tom le "quita" su don, Zetterstrom logra comprender que si posee dichos talentos es para compartilos con los demás y evitar que sus miedos lo transformen en un ser egoísta.

El filme presenta una narrativa no lineal, saltando entre distintos mundos y regresando a acontocimientos pasados. Me gustó el hecho de que el narrador, se convierte en un punto de la historia en uno de los personajes claves, para posteriormente salir de cuadro y continuar su narración. Allegro es una cinta algo compleja y poco predecible que sigue la línea del cine europeo. Es una historia interesante, con una narrativa que si bien no es del todo original (me viene a la mente Eternal Sunshine of the Spotless Mind), al menos es propositiva, especialmente en el sentido visual, y no llega a caer en pretensiones.
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