Goodbye, 2007!

A tan solo un día de que finalice el año, resulta casi imposible dar un recorrido por todos esos momentos cinematográficos y películas que me acompañaron durante 365 días, ya sea para bien o para mal. Sin lugar a dudas, el 2007 fue un año de mucho cine para mi. A la fecha, logré ver 150 películas, sobrepasando mi record del 2006 de 120 largometrajes vistos. Y por motivo de mis vacaciones por tierras mexicanas, haré la excepción y finalizaré mi año fílmico hasta el 15 de enero, para alcanzar a ver los leftovers de la holiday & awards season en tierras gabachas.

He aquí un recuento de lo bueno, lo malo, lo decepcionante y más del 2007.

Las favoritas
Aunque aún no he decidido cual será el lugar que ocupe cada una de las películas en mi Top 20, el cual acostumbro a hacer religiosamente cada año, lo que si es un hecho es de que ya tengo por ahi varias de mis favoritas. Disputándose el primer lugar se encuentra la comedia Juno, dirigida por Jason Reitman, así como dos dramas basados en historias reales: Into the Wild de Sean Penn y The Diving Bell and The Butterfly de Julian Schnabel. También entre mis favoritas del año se encuentran No Country for Old Men de los hermanos Coen, Inland Empire del genial David Lynch y la comedia Lars and the Real Girl. Tres musicales, muy distintos cada uno de ellos, lograron cautivarme este año. Me refiero a Once, Across the Universe y Hairspray. Mientras que desde inicio del 2007, varias películas se posicionaron firmemente como favoritas y prevalecieron de tal forma durante el resto del año: Sunshine, Le Temps qui Reste, Half Nelson, C.R.A.Z.Y., The Lives of Others, Little Children y The Painted Veil, aunque la mayoría de éstos fueron filmes estrenados en los Estados Unidos en el 2006.

Los bodrios
Así como hubo excelentes y buenas películas en el año, también hubo sus excepciones. Aquellas cintas durante las cuales sufrí, estuve a punto de apagar la televisión, salirme de la sala o correr a vomitar. Tampoco he logrado ponerlas en orden, pero ya las tengo bien identificadas. El cine mexicano ofreció varias "joyitas" entre las que destacan Cuando las Cosas Suceden, sin duda una de las peores experiencias cinematográficas del año entero, la cinta regia Entre Caníbales y la ultra-mega-super producción Sultanes del Sur, que más que entretenimiento, me pareció un perfecto somnífero. Y eso sin contar el videohome El Asesino de Cumbres, que no vio la luz comercial, pero si el éxito entre los puestos de vendedores de material apócrifo. Hollywood nos recetó como de costumbre el resto de los bodrios del 2007: Shoot 'Em Up, que me mantuvo a punto de abandonar la sala por ilógica, las comedias Norbit, Because I Said So, Rush Hour 3, School for Scroundels y Sleeping Dogs Lie, que más que risas provocaron bostezos. Los thrillers The Black Dahlia, Premonitions, Perfect Strangers, The Reaping y The Hills Have Eyes 2 y las cintas independientes como Factotum, On Soap y The History Boys, que pese a ser laureadas por los críticos, nadamás no terminaron de convencerme.

Las mexicanas
Tengo que confesarles que durante este año estuve más al pendiente del cine nacional. Probablemente se haya debido a la influencia de mis compañeros blogueros que gracias a sus reseñas y comentarios, me daban más ganas de correr a verlas al cine. Así como hubo desgracias en la industria nacional: Cuando las Cosas Suceden, Sultanes del Sur y Entre Caníbales. Hubo también las domingueras que a pesar de no ser tan buenas películas, cumplieron con su cometido: Niñas Mal, Kilómetro 31 y Fuera del Cielo. Sin embargo, lo que es digno de reconocimiento, es la cantidad de películas mexicanas, que aunque no tuvieron una gran producción o la distribución adecuada, lograron provocar a la audiencia vía sus originales y cautivantes historias: Luz Silenciosa, La Sangre Iluminada, El Violín, Drama/Mex, La Última Mirada, El Cielo Dividido y el documental De Nadie son muestra contundente de que la industria del cine nacional aún tiene muchas historias que contar.

Las decepciones
Dreamgirls. Promocionada con bombo y platillo como un gran musical al estilo de Moulin Rouge, que me decepcionó por sus malas actuaciones y su deseo de ser buena dentro de su mediocridad.
300. Mucho ruido y pocas nueces. Excelentes gráficos y visualmente impecable, pero imposible de sostenerse con semejantes baches en la historia.
Bobby. Un gran elenco desperdiciado en una película sin pies ni cabeza.
Spiderman 3. Las dos primeras cintas fueron buenas, pero el deseo de volver a Spidey emo/dark y bailarín, terminaron por decepcionarme por completo.
Shrek 3. El ogro verde perdió el humor, encanto y ritmo ágil que lo caracterizó en las antecesoras.
Shortbus. Después de la joya del cine independiente Hedwig and the Angry Inch, me esperaba algo del mismo calibre, pero lo que encontré fue una historia vacía y pretensiosa.
Zodiac y The Lookout. Ambas recibieron muy buenas críticas, pero desde mi punto de vista, a las dos películas les faltó más. Que fue? Es lo que aún intento descifrar.
After the Wedding. Todo mundo hablaba maravillas de la cinta, pero lo único que vi fueron clichés y una historia predecible, eso si, en idioma no-inglés.

Las extranjeras
Entiéndase, las producciones europeas, africanas o asiáticas que cautivaron más que el típico cine mainstream. Francia nos recetó como siempre una buena dosis de películas como La Vie en Rose, Paris Je T'Aime, The Diving Bell and the Butterfly, The Beat that my Heart Skipped, Blame It On Fidel! y Le Temps qui Reste. Del resto de Europa nos llegó Vitus, The Lives of Others, The Italian, Black Book y Allegro. Mientras que Asia nos trajo Water, Lust Caution y The Host, Latinoamérica salió avante gracias a cintas como Play y Madeinusa.

Las independientes
La "Little Miss Sunshine" de este año es sin duda Juno. El crowd-pleaser por excelencia. Otros filmes de corte independiente que sobresalieron en el 2007 fueron Once, Black Snake Moan, Day Night Day Night, Rocket Science, The Dead Girl, Conversations with Another Women, Half Nelson, SherryBaby y A Guide for Recognizing your Saints. Entre las decepciones fueron: Waitress, Factotum, Quinceañera, Fast Food Nation, Running with Scissors, Venus, The History Boys y Broken English.
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'Into the Wild' liderea nominaciones de los premios CINERAMA 2007


La cinta "Into the Wild" liderea las nominaciones a los premios CINERAMA 2007 al obtener 9 nominaciones en categorías que incluyen Mejor Pelicula y Director (Sean Penn). El drama que narra la historia verídica de un joven que realiza un viaje a través de los Estados Unidos con rumbo a Alaska se llevó también el reconocimiento de los actores: Emile Hirsch, Catherine Keener y el veterano Hal Holbrook, quienes obtuvieron nominaciones en las categorias de Mejor Actor, Mejor Actriz Secundaria y Mejor Actor Secundario, respectivamente.

Muy cerca le siguieron la comedia "Juno" y la cinta francesa "The Diving Bell and the Butterfly", las cuales obtuvieron un total de 7 nominaciones. Dos cintas protagonizadas por Ryan Gosling: "Half Nelson" y "Lars and the Real Girl", junto a la aclamada "No Country for Old Men" alcanzaron 5 nominaciones cada una.

Los resultados de los premios CINERAMA 2007 se darán a conocer el día 15 de enero del 2008.

LISTA COMPLETA DE NOMINACIONES:

Mejor Pelicula Drama
The Diving Bell and the Butterfly
Half Nelson
Inland Empire
Into the Wild
No Country for Old Men
There Will Be Blood

Mejor Pelicula Comedia/Musical
Across the Universe
Hairspray
Juno
Lars and the Real Girl
Once
The Savages

Mejor Director
Paul Thomas Anderson - There Will Be Blood
Joel and Ethan Cohen – No Country for Old Men
David Lynch – Inland Empire
Sean Penn – Into the Wild
Carlos Reygadas – Luz Silenciosa
Julian Schnabel – The Diving Bell and the Butterfly

Mejor Actor Principal Drama
Javier Bardem – No Country for Old Men
Daniel Day Lewis – There Will Be Blood
Ryan Gosling – Half Nelson
Emile Hirsch – Into the Wild
James McAvoy – Atonement
Viggo Mortensen – Eastern Promises

Mejor Actor Principal Comedia/Musical
Sacha Baron Cohen – Borat
Ryan Gosling – Lars and the Real Girl
Philip Seymour Hoffman – The Savages
John Malkovich – Color Me, Kubrick
Harry Shearer – For Your Consideration
Reece Thompson – Rocket Science

Mejor Actriz Principal Drama
Julie Christie – Away from Her
Marion Cotillard – La Vie en Rose
Judi Dench – Notes from a Scandal
Laura Dern – Inland Empire
Maggie Gyllenhaal – Sherrybaby
Angelina Jolie – A Mighty Heart

Mejor Actriz Principal Comedia/Musical
Amy Adams – Enchanted
Nikky Blonsky – Hairspray
Laura Linney – The Savages
Catherine O’Hara – For Your Consideration
Ellen Page – Juno
Keri Russell - Waitress

Mejor Actor Secundario Drama
Casey Affleck – The Assassination of Jesse James
Josh Brolin – No Country for Old Men
Hal Holbrook – Into the Wild
Armin Mueller-Stahl – Eastern Promises
Chazz Palminteri – A Guide for Recognizing your Saints
Max Von Sydow – The Diving Bell and the Butterfly

Mejor Actor Secundario Comedia/Musical
Jason Bateman – Juno
Philip Bosco – The Savages
Christopher Mintz-Plasse – Superbad
Paul Schneider – Lars and the Real Girl
J.K. Simmons – Juno
John Travolta – Hairspray

Mejor Actriz Secundaria Drama
Cate Blanchett – I’m Not There
Shareeka Epps – Half Nelson
Mary Beth Hurt – The Dead Girl
Catherine Keener – Into the Wild
Saoirse Ronan – Atonement
Amy Ryan – Gone Baby Gone

Mejor Actriz Secundaria Comedia/Musical
Annette Bening – Running With Scissors
Patricia Clarkson – Lars and the Real Girl
Jennifer Garner – Juno
Jennifer Hudson – Dreamgirls
Emily Mortimer – Lars and the Real Girl
Parker Posey – For Your Consideration

Mejor Guion
The Diving Bell and the Butterfly
Half Nelson
Into the Wild
Juno
Little Children
No Country for Old Men

Mejor Documental
De Nadie
Deliver Us From Evil
Inside Deep Throat
Jesus Camp
Sicko
This Film is not yet Rated

Mejor Pelicula Animada
Persepolis
Ratatouille
The Simpsons Movie

Mejor Pelicula Internacional
C.R.A.Z.Y. – Canada
The Italian – Rusia
The Lives of Others – Alemania
Madeinusa – Peru
Time to Leave – Francia
Vitus – Suiza

Mejor Opera Prima
Blame It on Fidel!
El Violin
Half Nelson
Once
Rocket Science
Sherrybaby

Mejor Pelicula Mexicana
Drama/Mex
El Cielo Dividido
El Violin
La Sangre Iluminada
Luz Silenciosa
Malos Habitos

Mejor Cinematografia
Atonement
The Diving Bell and the Butterfly
Into the Wild
Lust, Caution
Luz Silenciosa
The Painted Veil

Mejor Score
Atonement
The Diving Bell and the Butterfly
The Fountain
Into the Wild
Lust, Caution
The Painted Veil

Mejor Cancion
The Diving Bell and the Butterfly - "Don't Kiss Me Goodbye"
Dreamgirls - "And I'm Telling You I'm Not Going"
Hairspray - "You Can't Stop the Beat"
Into the Wild - "Rise"
Juno - "Anyone Else But You"
Once - "Falling Slowly"
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Lars and the Real Girl


Estados Unidos, 2007
Dirige: Craig Gillespie
Con: Ryan Gosling, Emily Mortimer y Patricia Clarkson

Desde el momento en que vi el trailer de Lars and the Real Girl, me convencí que la cinta tenía que ser un must-see en este año. No únicamente por contar con las actuaciones de Ryan Gosling y Patricia Clarkson, ésta última mi actriz favorita, sino por la peculiar historia que desarrolla. Ubicada en un pequeño pueblo norteamericano, Gosling interpreta estupendamente a Lars, un tipo solitario y casi treintañero que vive en el garage de la casa que perteneció a sus padres y que ahora habitan su hermano mayor (Paul Schneider) y su esposa (una fabulosa Emily Mortimer). Entre su trabajo, asistir a misa y conversar raquíticamente con su familia más cercana, Lars se ha aislado completamente del mundo y su cuñada no hace más que preocuparse por él.

Un buen día, Lars sorprende a más de uno con la noticia que tiene novia. Asombrados por el acontecimiento y por la felicidad del personaje, el pequeño pueblo se conmociona al descubrir que la novia de Lars es una muñeca de plástico que compró por Internet, pero que él, en un estado alucinatorio, cree que es de verdad. Este es el punto de partida para una historia que nos habla acerca del significado del amor, desde la perspectiva de un hombre solitario con traumas que datan desde su infancia, que imposibilitado para compartir y expresar sus sentimientos con el resto de las personas, decide refugiarse en un ser no viviente, que si bien representa el estándar de perfección que siempre había buscado en una mujer, pronto se dará cuenta que no hay nada mejor como el poder compartir esos momentos especiales con alguien más humano.

Lars and the Real Girl es una historia que inicia como una comedia, pero que poco a poco, especialmente rumbo al final, se convierte en un drama inteligente y bien tratado, que sin necesidad de caer en cursilerías y clichés, nos hace reflexionar acerca del amor y la comprensión hacia los demás. La actuación de Ryan Gosling es sorprendente y resulta en un perfecto complemento a la interpretación que ofreció en Half Nelson, donde también lució espectacular. No cabe duda que Gosling se esta convirtiendo en uno de los actores más versátiles, talentosos y prometedores de la industria. Mientras que el cuadro de actores secundarios brindan unas actuaciones remarcables, donde sobresale Emily Mortimer y Patricia Clarkson, quien en esta ocasión la hace de psicológa y doctora.

Gillespie arma una cinta aleccionadora y entretenida que tiene el potencial de convertirse en un clásico del cine independiente. Lars and the Real Girl termina por ser como ese amigo que nos motiva cuando estamos deprimidos, que nos da ánimos y nos dice que el amor verdadero existe, que algún día llegará y que seremos felices, pero que mientras tanto hay que saber vivir y estar atento a las oportunidades que se nos presentan en la vida.
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Eastern Promises


Estados Unidos, 2007
Dirige: David Cronenberg
Con: Viggo Mortensen, Naomi Watts y Armin Mueller-Stahl

Debo aceptar una cosa, no soy fiel seguidor de las cintas de Cronenberg. Su anterior trabajo, A History of Violence - también protagonizado por Viggo Mortensen -, pese a parecerme un trabajo muy bien elaborado, me dejo como esperando ese algo que nunca llegó. Después de escuchar fabulosas críticas de esta cinta, en especial de los buenos resultados que obtuvo en el festival de cine en Toronto, no me quedó más opción que ir a verla.

Eastern Promises nos lleva hasta la ciudad de Inglaterra para presentarnos la historia de una jovencita de origen ruso que pierde la vida, no sin antes dar a luz a una pequeña niña. La enfermera responsable del parto, Anna (Watts), solamente encuentra el diario de la difunta escrito en ruso y una tarjeta de un restaurante de la ciudad. Convencida de encontrar a algun familiar de la joven, para que se haga cargo de la recién nacida, Anna pronto se involucrará en un asunto sumamente delicado, cuando al traducir el diario se de cuenta que la poderosa mafia rusa situada en Inglaterra es la responsable del homicidio de la joven, a quien le prometieron una mejor vida pero la engañaron, obligándola a convertirse en prostituta a sus 14 años de edad.

Viggo Mortensen entrega una de las mejores actuaciones de su carrera, por no decir que la mejor, interpretando a Nikolai, uno de los guardaespaldas del jefe de la mafia quien se involucra más de la cuenta con Anna y decide ayudarla en la búsqueda de los familiares de la chava asesinada. Sin embargo, quien se roba la película con su actuación es Armin Mueller-Stahl, quien es capaz de transmitir la ira y a la vez, la amabilidad de su personaje con tan solo una mirada.

Eastern Promises es un drama que te mantiene al borde de la butaca por casi dos horas y que además, ofrece una que otra escena de gore muy al estilo del realizador. Con una historia sólida, un reparto que brinda unas interpretaciones de lujo y una fotografía que es capaz de transportarnos a Inglaterra, el filme logra tener ese algo que "A History of Violence" no tuvo. A final de cuentas, creo que le apostaría más a una historia más sombría y perfectamente ejecutada y a la madurez en la actuación de Viggo.
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Into the Wild


Estados Unidos, 2007
Dirige: Sean Penn
Con: Emile Hirsh, Catherine Keener y William Hurt

Para todos los excépticos acerca del trabajo como director de Sean Penn les tengo una noticia: no solo es uno de los actores más talentosos de su generación, sino que ha logrado demostrar sus habilidades detrás de las cámaras. Basada en la historia verdadera de Christopher McCandless, Into the Wild es un viaje de autodescubrimiento para un joven que estaba decidido a vivir en contra de las reglas de la sociedad.

Emile Hirsh hace un estupendo trabajo interpretando a Chris, quien despúes de terminar su carrera decide tomar su automóvil viejo y emprender un viaje sin decirle a nadie por los Estados Unidos, dejando atrás a sus padres, a su hermana y a la vida prefabricada, vacía y materialista que le esperaba. En el camino, pierde el automóvil, se deshace del dinero y tarjetas de crédito que tenía y comienza a vagar por las carreteras con la finalidad de concluir su viaje en Alaska y vivir completamente solo, alejado de la sociedad que por momentos repudiaba.

La cinta es narrada por la hermana de Chris, interpretada en la cinta por Jena Malone, haciendo que la película sea un contraste entre dos puntos de vista distintos: el de Chris quien está empeñado a realizar su viaje cueste lo que le cueste y que es incapaz de perdonar el daño que durante toda la vida le ha ocasionado su familia, con el de su hermana, quien pese a extrañarlo y casi implorar que se encuentre bien, está consciente que su hermano logrará darse cuenta de su error y regresar nuevamente a la casa.

En su recorrido, Chris conoce a personas que sin lugar a dudas le cambian la vida, le abren los ojos a una realidad que desconocía, pero a la vez le hacen entender que tiene un futuro por delante, que tiene todas las oportunidades para triunfar en la vida a diferencia de otros que quisieran tenerlas y que pese al rencor que le tiene a sus padres, los padres siempre estarán ahi para apoyar a sus hijos. Junto con Chris, nosotros como espectadores vamos a lugares hermosísismos, somos testigos de la naturaleza sin la intervención del hombre, pero también nos toca presenciar el descubrimiento interno del personaje principal.

Into the Wild tiene un mensaje sumamente profundo: los humanos fuimos hechos para vivir con los demás y no podemos ser felices si nos aislamos de la sociedad. Tan fácil y tan sencillo como eso. Es una cinta que nos pone en el papel de jueces y cada quien tiene la oportunidad de decidir que es lo que haríamos si estuvieramos en los pantalones de Chris. Into the Wild es una gran obra cinematográfica, honestamente humana, brutalmente emotiva y extraordinariamente cautivante. Uno de los mejores trabajos del año, por no decir que el mejor e indudablemente, una película que me hizo mucho reflexionar y que tocó mi vida de una manera especial.
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Lust, Caution


Se, jie
China/Taiwan/Hong Kong, 2007
Dirige: Ang Lee
Con: Tony Leung, Tang Wei y Joan Chen

Después del aclamado y controvertido filme "Brokeback Mountain", Ang Lee vuelve a estar en el centro del reflector, aunque en esta ocasión gracias a la controversia que ha generado con su más reciente cinta que lleva por título en inglés "Lust, Caution". Para todos aquellos que aún no lo sepan, la MPAA, esa institución gringa que se encarga de otorgarle la clasificación a las películas y que es más que querida por muchos de los realizadores, le otorgó a la película la restrictiva clasificación de NC-17 por su alto contenido sexual. Lee decidió no recortar la película y presentar la versión original, aunque eso le cueste no tener promoción en medios masivos como televisión o periódicos y no exhibirse en ciertas cadenas de cines que tienen prohibido pasar películas con esta clasificación.

Lust, Caution nos lleva al Shanghai de la Segunda Guerra Mundial y nos presenta a Wong, una introvertida estudiante que pertenece a un club de actuación que al unirse a un grupo radical junto con sus amigos, decide realizar un trabajo de espionaje que consiste en asesinar a un poderoso jefe japonés, el señor Yee, interpretado frívolamente por Leung. La ahora señora Mak poco a poco comienza a infiltrarse a la casa de su víctima y aunque sus encuentros y conversaciones son breves, sus miradas delatan un deseo que se esconde dentro de los dos y que es imposible ocultar.

Pronto, ambos se ven envueltos en una relación extramarital masoquista, salvaje y de pasiones desenfrenadas. Y mientras la señora Mak va seduciendo al señor Yee, este le va entregando su corazón, hasta llegar al punto en que ambos están confundidos por lo que en realidad sienten mutuamente. Ang Lee nuevamente presenta una historia de amor, pero a diferencia de Brokeback Mountain, donde las escenas de sexo eran pocas y llevadas con más sutilidad a la pantalla, en Lust, Caution sucede todo lo contrario. Es una historia de amor más fuerte entre dos personas que no deberían cometer el error de entregar su corazón, pero lo hacen, sin saber si la lujuria los llevó al amor, o viceversa.

Lust, Caution parece casi un trabajo artesanal. Es una cinta muy bien cuidada hasta el más mínimo detalle, con unas escenas casi poéticas y con una fotografía de lujo. Lo que tal vez le llega a faltar a la cinta es que la historia no es del todo original, de hecho días antes de verla me tocó ver la de Verhoveen, Black Book, y la historia comparía ciertas semejanzas. Si bien, cae en la categoría de drama/thriller erótico, es la mano de Ang Lee y las actuaciones de los protagonistas quienes hacen que la película valga la pena. Con una mejor historia, pudo haber sido un clásico de amor del cine asiático, sin embargo, es una película que es indispensable ver, sobretodo para los seguidores de la filmografía del realizador taiwanés.

* Ang Lee estuvo presente al final de la proyección de la cinta. Y aunque se mostró muy amable con la audiencia, prefirió no responder preguntas relacionadas con la película ya que prefiere que el espectador saque sus propias conclusiones al respecto. Se le preguntó a Ang Lee sobre sus siguientes proyectos, mencionando que prefería tomarse unas vacaciones por el momento. Dijo sentirse contento por exhibir la película en su corte original en Estados Unidos ya que estaba seguro que la gente que tenga ganas de verla terminará por hacerlo y refirió que el haber ganado un Oscar le abrió muchas puertas, especialmente en países asiáticos que le brindaron el apoyo para filmar Lust,Caution.
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En el Hoyo


México, 2006
Dirige: Juan Carlos Rulfo

En el Hoyo es un documental que se enfoca a presentar la otra cara de la moneda de una de las obras viales más controversiales en México, el tan nombrado segundo piso del Periférico. Para aquellos que somos "de provincia", solamente tenemos una vaga idea de lo que significó esta construcción, así que digamos que no puedo platicar mucho al respecto. Lo que si, es que hasta en Monterrey se hablaba de la magnitud de dicho proyecto. Sin embargo, fuera de enfocarse en la majestuosidad de la obra, Rulfo nos lleva bajo tierra y hasta las alturas, para retratar la vida de un grupo de hombres (y mujeres) que hicieron posible que la obra se cristalizara.

Como audiencia, somos testigos de cómo los trabajadores arriesgan su vida con tal de ganarse la vida con un trabajo honesto, pero que a final de cuentas no es bien remunerado. Colgados a metros de alturas con la más mínima protección y trabajando turnos que fácilmente excedían las 8 horas de trabajo que establece la ley, este grupo de constructores nos comparten fragmentos de sus vidas, así como sus deseos y sus preocupaciones. El documental termina por ser una mirada a una realidad que pasa desapercibida para muchos, quienes vivimos inmersos en nuestra burbuja, que no reconocemos el esfuerzo de esas personas que, sin su tenacidad y sus ganas por ganarse el pan de cada día, son capaces de poner su vida en riesgo.

La cinta me hizo reflexionar sobre lo que significa el trabajo para estas personas y me di cuenta que realmente mi trabajo es la gloria comparado con lo que otros tienen que hacer, con tal de poder subsistir día a día. No solamente eso, sino que desde el momento que terminó la película, decidí no volverme a quejar, cosa que casi no acostumbro a hacer, con respecto al trabajo, ya que sin lugar a dudas, estoy en un ambiente donde no me toca arriesgar mi vida, ni es un trabajo que requiere esfuerzo físico ni horarios de trabajo extremos, etc.

En el Hoyo es un retrato honesto, que si bien hizo valorar mi trabajo y reconocer el esfuerzo de tanta gente en México que es sobre-explotada y mal remunerada, no terminó por complacerme del todo. Algunas escenas salían sobrando, creo que hubo temas que pudieron ser tratados que habrían agregado más valor al documental y la escena final, a pesar de plasmar el resultado medio inconcluso de la obra, me pareció muy larga. Tal vez la intención del realizador fue esa, ya que aproveché ese tiempo para darme cuenta lo mucho que amo mi trabajo.
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The Boss of It All


Direktoren for det hele
Dinamarca, 2006
Dirige: Lars von Trier
Con: Jens Albinus, Peter Gantzler y Mia Lyhne

Lars von Trier, aclamado director por cintas como "Dogville" y "Dancer in the Dark", regresa a su natal Dinamarca para filmar "The Boss of It All", que a diferencia de sus películas anteriores, se trata de una comedia. Si bien, se trataba de un terreno no explorado por el realizador, tenía la plena confianza que por tratarse de Lars von Trier, no podría decepcionarme. Y así lo fue. "The Boss of It All" es una comedia que sin necesidad de rebajarse a las estupideces y chistes de mal gusto que abundan en el cine gringo, sabe hacer reir al público, entretenerlo y de paso, aprovechar para dejarnos una sutil crítica.

La película es narrada por el mismísimo Lars von Trier, quien en su rol como director, nos explica de una forma muy original y divertida, lo que ocurre a cuadro, lo que está como ocurrir, etc. Posteriormente, el filme nos lleva hasta una compañía de TI (Tecnologías de Información) donde el dueño de la empresa, quien ha decidido no decirle a sus empleados que él es el jefe con tal de que no lo odien por ser quien toma las decisiones, está decidido a vender la compañía a un empresario islandés. Sin embargo, para ello requerirá de alguien que se haga pasar por el jefe de la compañía y firme el contrato, así que quien mejor que un actor para que interprete el papel.

Pronto, el actor llamado Kristoffer, quien en un principio acepta el trabajo por necesidad más que por compasión, comienza a darse cuenta de la situación que se vive entre los empleados de la compañía, especialmente por las decisiones que el supuesto jefe ficticio ha estado tomando durante años al frente de la empresa y que, ahora que tienen la oportunidad de enfrentarlo cara a cara, están dispuestos a solucionar los problemas. The Boss of It All pronto se convierte en el enfrentamiento de dos personajes: el falso director y el verdadero director, quienes pronto dejan en claro que sus preferencias hacia la empresa son completamente distintas, pero Kristoffer aprovechará sus talentos histriónicos, así como su poder de control y convencimiento, para poder salirse con la suya.

The Boss of It All es el discurso de von Trier acerca de las grandes compañías, dejando en claro que para ser jefe no es necesario tener todos los conocimientos, sino que lo más importante es establecer una relación de confianza, sinceridad y respeto hacia los subordinados. El filme tiene unos momentos de locura, que es imposible no reirse. Y aunque siento que el final pudo haber sido mejor, la cinta cumple con su cometido, de ser una verdadera comedia y no como los intentos de películas del género que ya no saben ni que hacer con tal de que el público se divierta.
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Death Proof


Estados Unidos, 2007
Dirige: Quentin Tarantino
Con: Kurt Russell, Rosario Dawson y Vanessa Ferlito

Finalmente tuve la oportunidad de disfrutar la primera mitad del proyecto fílmico de Quentin Tarantino y Robert Rodriguez titulado "Grindhouse", el cual tuvo un terrible recibimiento por parte de la audiencia estadounidense, razon por la cual en México y en muchas otras partes del mundo su fecha de estreno en salas de cine aún es una incógnita, y por eso mismo, el proyecto fue dividido y cada película será lanzada de forma independiente en DVD. Obviamente, con esta decisión es el estudio (The Weinstein Company) quien sale más beneficiado, mientras que uno termina pagando los platos rotos al no haber tenido la oportunidad de disfrutar la experiencia tal como los realizadores lo hubieran deseado.

"Death Proof"es el nombre del largometraje escrito y dirigido por Quentin Tarantino, el cual presenta la historia de Stuntman Mike (un extraordinario Kurt Russell), quien a bordo de su automóvil "a prueba de muerte", se dedica a acechar chicas guapas, para posteriormente asesinarlas con su vehículo a toda velocidad. Sin embargo, a Stuntman Mike le saldrá el tiro por la culata cuando se enfrente a un grupo de chicas que estarán dispuestas a retarlo.

La cinta cumple con los requisitos básicos del realizador: largas conversaciones, que pese a ser divertidas, no aportan nada a la historia, diálogos memorables, chicas guapas y peligrosas, música de antaño y referencias a cintas previas. Eso sin contar los tintes de humor negro y la violencia desmedida que son indispensables en las películas de Tarantino. En esta ocasión, "Death Proof"es un homenaje a los filmes del género grindhouse, especialmente popular en los Estados Unidos en los setentas y ochentas, los cuales por lo general eran historias gore de terror y suspenso, con poco argumento, pero con mucha violencia y sexo. El resultado es simplemente espectacular. Me encantó como incluyó en la cinta los errores de proyección, de edición y de sonido que eran comunes en el época de grindhouses.

A diferencia de las cintas previas de Tarantino, "Death Proof"no tiene una historia tan profunda, sin embargo, eso no es motivo para evitar que uno salga entretenido y la película sea toda una aventura desde la escena de créditos iniciales que está simple y sencillamente genial. Obviamente, me hubiera encantado haber disfrutado de esta película junto con "Planet Terror"de Robert Rodriguez, y aún más, haberla visto en pantalla grande. Supongo que la experiencia hubiera sido totalmente distinta. Pero bueno, no se puede tener todo en esta vida. Definitivamente un must para todos los fieles seguidores a la filmografía de Quentin Tarantino y para aquellos que busquen una película con mucha velocidad, violencia, algo de gore, pero sobretodo, del ingenio de un director que es capaz de sorprendernos entrega tras entrega.
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Across the Universe



Estados Unidos, 2007
Dirige: Julie Taymor
Con: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess y Joe Anderson

Desde hace una semana me llamó la atención ir a ver esta cinta, que se estrenó en un cine de la ciudad de forma exclusiva. Lo único que sabia al respecto era que se trataba de un musical ubicado en la época de los 60's, que seguía la vida de un grupito de hippies y que lo dirigía Julie Taymor (Frida). Entré a la sala con pocas expectativas, probablemente casi nulas, pero poco a poco la cinta fue creciendo en mi, se apoderó de mis emociones y no me quedo otro remedio que ovacionarla (si, tengo que aceptarlo, aplaudí como todo gringo) pero creo que solamente fue la manera de expresar todos los sentimientos que la película logró provocar en mi en alrededor de dos horas y media de metraje.

"Across the Universe" sigue los pasos de un grupo de jóvenes de diversas clases sociales y nacionalidades, que convergen en la ciudad de Nueva York en un momento crucial para los Estados Unidos de los años sesenta: la lucha por detener los enfrentamientos bélicos en Vietnam. Lo peculiar de la cinta y sinceramente lo que la hace brillar, es la manera en como logra plasmar los sentimientos y los deseos de los jovenes de aquella época, quienes más que la guerra buscaban el amor y la paz. Y de que otra forma sería mejor retratar las vivencias de esta generación, que a través de la música de Los Beatles.

Tomando un amplio repertorio de canciones del cuarteto de Liverpool, que incluye rolas como "Let It Be", "I Want to Hold Your Hand", "All my Loving" y "Across the Universe", la cinta poco a poco me fue cautivando. La cinematografía y la dirección estuvieron excelentes. Algunos numeros musicales son demasiado psicodelicos y otros llenos de simbolismos que representan los ideales de aquella época y es realmente eso lo que nos hace involucrarnos más en el filme.

Mas allá de la historia de amor entre los personajes principales, Lucy y Jude, la película expresa que la mejor manera de luchar por la paz es por medio del amor y de aquellos actos mínimos que pasan desapercibidos ante nuestros ojos. Como un todo, "Across the Universe" es un video musical de principio a fin, una experiencia placentera tanto visual como sonora y un filme con grandes méritos artísticos y técnicos, que a final de cuentas logran opacar los pequeños defectos en la historia, como la falta de profundidad en algunos de los personajes o la nula introducción a algunos sucesos, como si esperaran que uno entendiera y estuviera familiarizado con el contexto.

"Across the Universe" es un musical que sigue muchos de los estándares del género, sin embargo su peculiar forma de llevar la historia, a través de canciones que se han mantenido vigentes de generación en generación y que seguramente viven en la memoria de más de uno, logra que la cinta resulte entretenida y conmovedora. Algunos números me dejaban completamente helado y con un escalofrío recorriendo todo mi cuerpo. Es una cinta capaz de robar tus oídos y tus ojos por mas de dos horas, para enseñarnos que a final de cuentas, all you need is love.
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El Cielo Dividido


México, 2006
Dirige: Julián Hernández
Con: Miguel Angel Hoppe, Fernando Arroyo y Alejandro Rojo

Hace unas semanas me enteré que la cinta "El Cielo Dividido" tendría su estreno en salas cinematográficas de México e inmediatamente recordé que hace poco que fui al Blockbuster a comprar películas, vi que ya la estaban rentando bajo el título de "Broken Sky". Decidido a no perder la oportunidad de verla y de paso, coincidir con el estreno en cine en mi país, pues la agregué al Netflix. Lo único que sabía sobre la cinta eran algunos detalles de la historia y que la dirección del largometraje corría a cargo de Julián Hernández, quien años antes debutó internacionalmente con el filme "Mil Nubes de Paz Cercan el Cielo...", el cual obtuvo varios reconocimientos de la crítica especializada y que hasta la fecha no he podido ver, aunque por lo pronto ya la agregué a mi queue del Netflix.

"El Cielo Dividido" nos lleva a las vidas de Gerardo y Jonás, dos chavitos que están super enamorados, tanto así que deciden vivir juntos. Sin embargo, una noche en el antro Jonás conoce a otro tipo y desde ese momento, su relación con Gerardo va en declive. Mientras Jonás trata a toda costa de evitar a Gerardo, éste en su dolor, pareciera insistir aún más por recuperar el amor perdido. Tiempo después, Gerardo comienza a salir con Sergio y cuando las cosas parecen ir funcionando bien, su ex-novio regresa para pedirle otra oportunidad.

Con un estilo único y completamente diferente al que nos tiene acostumbrados la industria cinematográfica nacional, la película opta por presentar la historia con pocos diálogos, los cuales son acompañados de vez en cuando por un narrador que más que relatar lo que sucede, nos describe lo que preocupa y sienten los personajes. Para compensar la falta de narrativa, la música toma un rol clave en la cinta, ayudando a contar la historia de amor y desamor que se va desarrollando. El resultado es definitivamente, una película que logra retratar los sentimientos de los personajes y que se enfoca en las emociones, más que en los otros detalles de la historia.

"El Cielo Dividido" sobresale por su interesante propuesta y por llevarnos a lugares que no habían sido explorados anteriormente. El filme termina por ser un honesto relato acerca de las relaciones de pareja, el doloroso proceso después de la separación, la búsqueda del amor perdido y la aceptación de las diferencias de ambos. Después de ampliamente disfrutar la cinta, espero con ansias la oportunidad de ver el filme previo de Hernández y poder tener una opinión personal al respecto. Por ahi he leído que es un filme emocionalmente superior a "El Cielo Dividido", así que por lo pronto, ya se lo que me espera.
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Premiere de Lust, Caution


Ya tengo boleto para el special premiere screening de Lust, Caution. Despues de la movie, el mismisimo Ang Lee estara en una sesion de Q&A. Wow! Ya quiero que sea Septiembre 30 para ver la cinta.
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3:10 to Yuma


Estados Unidos, 2007
Dirige: James Mangold
Con: Christian Bale, Russell Crowe y Ben Foster.

El tan olvidado genero del western es revivido de forma sorprendente en el remake de la clasica cinta de 1957 que lleva el mismo titulo. James Mangold (Walk the Line), es el encargado de retomar el genero, el cual al parecer estara de moda en esta temporada con cintas como "There Will Be Blood" de Paul Thomas Anderson y "The Assassination of Jesse James...".

Christian Bale interpreta a Dan Evans, un hombre que vive en armonia junto a su familia en un rancho. Una noche, los maleantes incendian su granero y pierde parte de su patrimonio. Convencido de ir al pueblo para poner la denuncia ante los comisarios, Dan se enfrenta a su hijo quien lo considera un cobarde al no haber retado a los renegados. Es entonces cuando Dan decide hacer justicia por su propia mano y sale a buscar al responsable de los hechos, quien resulta ser Ben Wade (Crowe), uno de los outlaws mas peligrosos. Cuando Dan logra arrestar a Ben, se dara a la tarea de acompañar al prisionero hasta la estacion de tren y ponerlo en el tren de las 3:10 que lo llevara hasta Yuma, donde sera enjuiciado. Sin embargo, la tarea no sera facil.

"3:10 to Yuma" revive todos los elementos del viejo cine norteamericano. La historia del bien y el mal y los valores elementales del genero western como la justicia y la valentia no podian hacer falta. Desde el inicio, el filme nos mantiene en un estado de tension, logrando tener el mismo ritmo hasta el ultimo segundo de la pelicula. Detras de las persecusiones, balazos y golpes, la cinta tiene una historia que reflexiona en torno al coraje de un hombre, que es capaz de arriesgar su vida con tal de brindarle un futuro mas prospero a sus hijos.

El duelo de actuaciones de Bale y Crowe es terrifico. Ambos actores entregan unas actuaciones memorables, especialmente Crowe quien interpreta al enigmatico, pero en el fondo bondadoso renegado y Ben Foster ofrece una actuacion de soporte magnifica. "3:10 to Yuma" es un filme bien hecho en cuestion tecnica, que cuenta con una buena direccion y un gran trabajo actoral. Lo unico que la deja a poco de convertirse en un excelente filme, para mi gusto, es que despues de todo, la historia termina por ser predecible. Pese a ello, es una cinta ampliamente recomendable.
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The History Boys


Inglaterra, 2006
Dirige: Nicholas Hytner
Con: Richard Griffiths, Dominic Cooper y Samuel Barnett

"The History Boys" es una cinta inglesa basada en la obra teatral homonima de Alan Bennett, quien tambien se encargo de la adaptacion de la misma a la pantalla grande. A simple vista, la cinta pretende ser una dramedy con un toque de humor mas ingles que americanizado, que sigue la vida de un grupo de jovenes prodigio, estudiantes de Historia, quienes no solo se disputan un lugar en alguna prestigiada universidad, sino que tambien lidian con los problemas comunes de la etapa de la preparatoria: amor, sexo, identidad sexual, entre otros.

En un principio, la pelicula resulta entretenida, nos presenta a los personajes y algunos de los conflictos principales del filme, sin embargo, ya para la mitad "The History Boys" resulta un espectaculo poco placentero, soporifero y pretenciosamente intelectual. Los dialogos retoman extractos de poesias y obras literarias de forma exagerada para mi gusto, con la intencion de contrastar los problemas de los chicos con aquellos que presentan las lecturas. Supongo que ese tipo de dialogos funciono en la obra, pero en general, la cinta se siente muy forzada y resulta pretensiosa al intentar ser un producto intelectual y artistico, aunque de manera superficial unicamente.

Ademas de analizar los problemas de adolescencia de los jovenes protagonistas, la cinta se enfoca en otro tema que resulta irrelevante para la historia: las relaciones y acoso sexual que existia entre alumnos y profesores, y quiero suponer que la razon para presentarlo fue para exponer una de las problematicas que se vivian en las grandes escuelas de Inglaterra. Sin embargo, dicho tema viene sobrando al no contar con una conclusion, tal vez un poco mas moralina, pero tambien mas representativa.

Las actuaciones son buenas, mas no remarcables. Lo unico que vale la pena de toda la cinta es el final, por mas extraño que parezca. Claro que para llegar a el fue necesario aventarnos un completo suplicio de casi 2 horas de duracion. "The History Boys" falla tanto en criticar al sistema educativo ingles, como en denunciar los actos indecorosos entre maestros y alumnos y retratar los conflictos personales de unos chicos talentosos a punto de convertirse en adultos.
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Madeinusa


Peru/España, 2006
Dirige: Claudia Llosa
Con: Magaly Solier, Yiliana Chong y Carlos de la Torre

"Madeinusa" es el titulo de la opera prima de Claudia Llosa, sobrina del escritor Mario Vargas Llosa, quien no solamente toma credito como directora de la cinta, sino que tambien escribio la obra. "Madeinusa" es una propuesta peruana al cine costumbrista y contemplativo, llena de momentos que retratan un folklore caracteristico de la region indigena de dicho pais y que sirven como detonantes para presentar un extracto de las sociedades latinoamericanas, sin generalizar, y el choque de sus tradiciones y costumbres contra un estilo de vida impulsado por los Estados Unidos.

El personaje principal del filme, que lleva como nombre el titulo de la pelicula, habita en un pequeño poblado rural a las afueras de Lima, que se esta preparando para la celebracion del "Tiempo Santo", un bizarro festejo que involura actos sacros y profanos durante 3 dias, en los cuales los habitantes del pueblo pueden pecar, puesto que como Jesus murio, no hay un Dios que vigile sus acciones. Enmedio del revuelo por esta fecha tan especial llega Salvador, un hombre de la ciudad que debe esperar 3 dias para que la corriente de los rios baje y pueda continuar con su viaje. Sin embargo, el pueblo no esta preparado para recibir extraños durante Tiempo Santo, ya que es simbolo de mal augurio.

Madeinusa inmediatamente se enamora del extraño, a quien lo confunde con un gringo por el simple hecho de vestir diferente, hablar diferente y por tener un tono de ojos y piel distinta a la de ellos. La chica de 14 años, que es representada en la cinta como un simbolo de virginidad y castidad, cae en los brazos de Salvador, a quien le pide que la saque del pueblo y se la lleve a la ciudad. Obviamente, durante la cinta, la directora nos lleva a ser observadores silenciosos del choque de culturas que se vive en ciertas regiones de nuestro continente, en lugares donde las modas y estilos de vidas occidentales han sido deformados y adaptados a sus costumbres, debido a la ignorancia y el retraso que se vive en estas comunidades.

Si bien, la pelicula no es del todo una critica social, en parte es un analisis de la concepcion del estilo de vida occidental en las comunidades indigenas y marginadas de Latinoamerica, donde cualquier persona distinta a ellos es considerado como gringo, pero a la vez muestra la contradictoriedad de estos pueblos debido a su ignorancia, puesto que en parte desean ser como la gente de la ciudad: vestir como ellos, verse como ellos, vivir como ellos, pero al mismo tiempo, se rehusan a dejar atras sus raices y tradiciones.

"Madeinusa" es una cinta que poco a poco nos envuelve en un ambiente lleno de misticismo y folklore. La fotografia, pero en especial la musica, son simplemente cautivantes y las actuaciones, especialmente la de Magaly Solier, son solidas. Un buen filme que nos lleva al fondo de una realidad que existe y que se acentua cada vez mas (con eso de que la globalizacion esta de moda), pero que muchas veces ignoramos, pasamos por alto y no nos damos cuenta de las graves consecuencias, que si bien pueden estar algo exageradas en el filme, que se tienen en comunidades donde la marginacion y la falta de educacion prevalecen.
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Once


Irlanda, 2006
Dirige: John Carney
Con: Glen Hansard y Marketa Irglova

Musica y romance se combinan de una manera formidable en el mas reciente trabajo del director John Carney. Ganadora del premio de la audiencia en el pasado festival de Sundance, "Once" nos lleva hasta las calles de Irlanda para presentarnos una historia de amor, que probablemente para muchos nos resulte demasiado familiar. Sin embargo, es la forma de presentar la historia y mezclar la musica con los sentimientos de los protagonistas, lo que la hacen especial.

"Once" nos presenta a dos personajes cuyos nombres no son revelados a lo largo del filme, quienes comparten un amor especial hacia la musica. El trabaja en las calles de Irlanda tocando con su guitarra vieja, recordando y lamentando el amor que perdio. Ella es una inmigrante de Republica Checa que vende flores en la calle, pero que en sus ratos libres se va a una tienda de musica para tocar el piano. Cuando el camino de ambos se cruza una noche, se dan cuenta que su gusto por la musica es capaz de unirlos mas de lo que imaginaban.

Los protagonistas, Hansard e Irglova, quien en la vida real son musicos y no actores, brindan unas actuaciones memorables, que aunadas a un guion que se caracteriza por su honestidad y sencillez, dan como resultado un filme muy al estilo "Before Sunset" de Linklater, pero en version musical. La pareja protagonica va plasmando sus sentimientos en cada una de las canciones que componen, haciendo que las melodias formen parte importante dentro de la cinta y se conviertan en un personaje clave dentro de la misma.

"Once", sin lugar a dudas una joya dentro del cine independiente, es el tipo de pelicula que nos lleva a reflexionar acerca del amor verdadero, la relacion de pareja, pero sobretodo, nos presenta a dos almas, que unidas por la musica, son capaces de entenderse, apoyarse y encontrar la felicidad que tanto habian buscado.
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The Lookout



Estados Unidos, 2007
Dirige: Scott Frank
Con: Joseph Gordon-Levitt, Jeff Daniels y Matthew Goode

"The Lookout" fue estrenada en cines en enero y paso sin pena ni gloria por la cartelera, pese a las buenas recomendaciones por parte de la critica especializada. Curioso por saber de que trataba la cinta, no pude esperar su dia de estreno en DVD para rentarla. A pesar de tener el buzz positivo a su favor, la pelicula no logro convencerme.

El filme narra la historia de Chris, un joven con un futuro prominente por delante, que un dia al ir paseando con sus amigos en la carretera, tiene un accidente automovilistico, en el que dos de sus amigos pierden la vida y el queda con severos traumas, entre ellos, la perdida de memoria. Acompañado de una pequeña libretita que le recuerda la lista de cosas que debe realizar dia con dia, Chris asiste a una escuela especial y trabaja por las noches como intendente de un banco.

Un buen dia, Chris conoce en el bar a Gary, un tipo que planea asaltar el banco donde trabaja Chris y decide utilizarlo como carnada. A partir de ese momento, la vida de Chris comenzara a tomar sentido nuevamente, aprendera a valerse por si solo y perdonar sus fantasmas internos que no le permiten vivir en paz con el mismo.

La pelicula muestra momentos de drama, con algunos toques de suspenso y un poco de noir como complemento. Sin embargo, la historia no me atrapo. Por momentos tenia la esperanza que al final vendria un giro insesperado, que la trama se pondria un poco mas interesante, pero me quede solo con las ganas. Lo rescatable es sin duda alguna la actuacion de Joseph Gordon-Levitt, quien nuevamente vuelve a comprobar que a pesar de mantenerse actuando en peliculas independientes y de poco presupuesto, sabe elegir inteligentemente sus personajes y es uno de los actores mas prometedores de Hollywood. A Jeff Daniels, en su papel de ciego, no supe si tomarmelo en serio o si unicamente intentaba ser motivo de comicidad en el film.

"The Lookout" no podria ser llamada una decepcion. Es un poco decepcionante por el hecho de haber sido manejada como una buena cinta cuando realmente no le encontre la razon a esos fundamentos. Es una historia que tiene el potencial para despegar, pero que se queda en el suelo, manteniendo un ritmo que en ratos es totalmente plano y que cuando se pone mas intensa, deja en claro lo limitado de su presupuesto y el unico que puede entrar al quite es Gordon-Levitt.
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Superbad


Estados Unidos, 2007
Dirige: Greg Mottola
Con: Jonah Hill, Michael Cera y Seth Rogen

Sin lugar a dudas que el 2007 ha sido un gran año para Jude Apatow. El director, que apenas hace 2 años debuto en pantalla grande con la cinta "The 40 Year Old Virgin", logro colocarse como una de las nuevas promesas de la comedia norteamericana gracias a su trabajo detras de camaras en la pelicula "Knocked Up". Gozando del apoyo casi unanime de la critica, asi como de una muy jugosa recaudacion en taquilla de mas de 100 millones de dolares (lo necesario para calificar a un filme como blockbuster), Apatow regresa nuevamente a llamar la atencion, aunque en esta ocasion lo hace no como director, sino como productor.

La cinta en cuestion es "Superbad", un filme de adolescentes que fue escrito nada mas y nada menos que por Seth Rogen, el protagonista de "Knocked Up" quien por si fuera poco tambien participa en esta comedia. Rogen, junto con su amigo Evan Goldberg, comenzaron a esbozar la historia desde que eran unos pubertos, que basicamente narra la vida de ambos: un par de amigos nerds inseparables que lidian con los problemas elementales por los que todo adolescente pasa: la aceptacion y rechazo del grupo social, el noviazgo, el flirteo, el sexo, el consumo de alcohol, etc.

"Superbad" no es mas que la version actualizada de "American Pie" para la nueva generacion. La pelicula tiene el mismo humor sexual, fuerte e irreverente que Jim, Stifler y compañia. Sin embargo, lejos de tratar de perder su virginidad antes de la graduacion, los chicos de "Superbad" simplemente tratan de conseguir alcohol para llevarlo a una fiesta y ser considerados cool y a la vez, ser aceptados por sus compañeros de preparatoria.

En el transfondo, "Superbad" se centra en el cambio natural de etapas en la vida. Creo que a todos nos ha sucedido. Uno sale de preparatoria para pasar a la universidad, dejando atras a amigos, compañeros y cambiando por completo el estilo de vida. Eso es lo que principalmente la pelicula intenta retratar: el aceptar que hay etapas en la vida, que tarde que temprano terminan, y es por ello que hay que aprovechar y disfrutar cada momento de cada etapa que vivimos.

Si te agrada el tipo de humor irreverente, entonces "Superbad" sera una comedia de tu agrado, como en mi caso lo fue. Fuera de ello, yo no considero a la pelicula como una comedia clasica. Es simplemente una cinta que hace reir y reflexionar, y que probablemente su mayor virtud es la de recrear situaciones que nos identifican con la etapa de la punzada. Cabe mencionar que ninguno de los dos personajes principales logra robarse la cinta, sino que es McLovin (el novato Christophen Mintz-Plasse) quien realmente se lleva la mayor parte de los meritos comicos de la pelicula.
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Rocket Science


Estados Unidos, 2007
Dirige: Jeffrey Blitz
Con: Reece Thompson, Anna Kendrick y Denis O'Hare


Despues del buen recibimiento obtenido en la pasada entrega del Festival de Sundance, era solamente cuestion de tiempo para que "Rocket Science", una comedia independiente acerca de la vida y el amor, viera la luz de la distribucion. Jeffrey Blitz, quien anteriormente se encargo de dirigir el documental nominado al premio de la Academia titulado "Spellbound", escribe y dirige esta historia que de una forma honesta y real, nos muestra los problemas existenciales de un adolescente que ante todo anhela encontrar las respuestas a sus multiples interrogantes.

Hal Hefner (Thompson) es un chavito con problemas de habla que vive segregado del resto de sus compañeros de escuela. Un dia en el camion escolar, Hal conoce a Ginny, una chava demasiado extrovertida, que lo invita a unirse al grupo de debate de su preparatoria. Dejandose llevar por sus sentimientos, Hal acepta la invitacion de Ginny a pesar de estar consciente de su poca elocuencia y nulas habilidades como orador. Sin embargo, esta decision lo llevara por un camino que, ademas de servir de autodescubrimiento, le ayudara a comprender el significado de la vida que apenas esta comenzando.

"Rocket Science" es una cinta que plasma los traumas y las emociones de los adolescentes, asi como el doloroso e inevitable proceso de crecimiento personal por el que todos hemos pasado, de una manera sumamente honesta. El filme no cae en pretensiones, conjugando de forma inteligente un guion simple y comico, pero a la vez profundo y reflexivo. Este balance, aunado a una definicion muy precisa de los personajes, logra que uno se identifique con las situaciones y vivencias que se presentan.

La pelicula nos lleva por los años mas dificiles de la adolescencia, para mostrarnos que esta etapa de la vida es simplemente una primicia de lo que nos aguarda el futuro y que la clave para poder disfrutarla consiste en aceptarnos tal como somos, sin intentar ser como los demas quieren que seamos o actuemos. La vida siempre estara llena de interrogantes y las respuestas muchas veces no las obtendremos inmediatamente, por lo que a veces sera necesario sufrir y luchar con tal de entender los extraños caminos y las incognitas de la vida.
El resultado es una cinta fresca, divertida y real que no me extrañaria que se convirtiera en un crowd pleaser como "Little Miss Sunshine", "Waitress" o "Garden State".
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Sleeping Dogs Lie


Estados Unidos, 2006
Dirige: Bob Goldthwait
Con: Melinda Page Hamilton, Bryce Johnson y Colby French

Desde hace algunos meses habia visto el avance de este filme independiente, "Sleeping Dogs Lie", y me llamo la atencion por su premisa. Sin embargo, esperando encontrar algo de diversion y enredos, lo unico que me encontre fue una comedia mal lograda, mal actuada y totalmente aburrida, que se remite a uno que otro momento comico.

La comedia adulta "Sleeping Dogs Lie", dirigida por el actor Bob Goldthwait y filmada en un espantoso formato digital, gira en torno a Amy, una chava que esta a punto de contraer nupcias con su novio John, por lo que decide llevarlo a que conozca a sus padres. Sin embargo, una noche cuando ambos deciden ser honestos y contar el momento mas vergonzoso de sus vidas, Amy revela un secreto totalmente desagradable: en universidad, le dio sexo oral a su perro.

Desde ese momento, la vida sentimental de Amy y John, se desmorona, mientras el filme trata inutilmente de tomar este hecho como excusa para analizar la dinamica de las relaciones de pareja, la honestidad y aun mas pateticamente, la vida familiar. Pese a tener un buen inicio, y rematar con un excelente twist, de pronto la pelicula cae en un tremendo abismo, la direccion se ve demasiado amateur y la fotografia demasiado barata.

Ya para el final, "Sleeping Dogs Lie" termina por sacar mas bostezos que carcajadas y resulta lamentable que una historia que prometia para mas, acaba desperdiciandose de tal forma. La cinta no funciona ni como comedia, ni como pelicula adulta, sino que parece mas un trabajo experimental con toques de video casero totalmente amateur.
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cinerama goes to seattle

Así es, a partir de la próxima semana, CINERAMA ONLINE se va a Seattle... o más bien yo, pero pues es lo mismo.

Por lo pronto, ya quité la parte de estrenos, próximos estrenos y dvd's de la sidebar porque obviamente, las fechas de estreno en Estados Unidos están medias locas (no tanto como en México), pero como hay tanto cine y estrenan tantas películas por semana, pues si estará difícil hacer el research.

Pero bueno, por lo pronto soy feliz. Llegaré a actualizarme con cintas como Knocked Up, Waitress, Once y otras más que aún siguen en los cines. Lamentablemente ni los second-run theaters tienen la de Grindhouse, así que... ni aquí ni allá la veré. Pfff

Y pues habrá un tremendo gap de cintas que tendré que compensar con una buena membresía a Netflix. :)

En resumen, espero que mi relocación (y mi trabajo) no me impidan que actualize con regularidad el blog. Haré todo lo posible por no abandonarlo como me ha pasado esta última semana. Pero si el blog sigue, les prometo mucho cine, desde una de las ciudades que aman el cine independiente y experimental, con arthouses por doquier y con uno de los mejores festivales de cine en los Estados Unidos.

De rato subo mis comentarios acerca de Fantastic Four, Black Snake Moan, Alpha Dog e Inland Empire.
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Amor y Muerte


Scoop
Estados Unidos/Inglaterra, 2006

Dirige: Woody Allen

Con: Scarlett Johansson, Woody Allen y Hugh Jackman

"Scoop", que vendría a traducirse literalmente en español como "primicia", es el segundo largometraje del genio neoyorquino Woody Allen filmado completamente en Inglaterra y el digno sucesor de aquel elegante filme alabado por la crítica internacional que lleva por título "Match Point". La película vuelve a reunir a Allen, trabajando como director y protagonista, junto a su nueva musa, la hermosa y talentosa Scarlett Johansson.


"Amor y Muerte" nos presenta a Sondra, una chava americana media insegura que reside en Inglaterra y que aspira en convertirse en periodista, pero siempre termina por estropear las oportunidades que se le presentan. Un buen día, decide acompañar a su amiga a un espectáculo de magia y es elegida por el neurótico mago Splendini (Allen) para que participe en uno de los actos de su show. Cuando Sondra entra al pequeño cubículo que le indican, recibe la inesperada visita de un periodista que acaba de morir, que le comunica que un joven acaudalado es uno de los asesinos en serie más buscados en Inglaterra. A partir de este incidente, Sondra y el mago iniciarán la búsqueda de Peter Lynman (Jackman), con la finalidad de obtener la historia y que Sondra logre convertirse en una respetada periodista, eso si evita que sus sentimientos se interpongan.

La película es hilarante y lo hace de una forma inteligente y sutil. No es la típica comedia americana que trata de arrancarte una carcajada por medio de un gag medio gastado, sino que logra hacerlo por medio de sus ocurrentes diálogos, sus personajes envueltos en conflictos y situaciones graciosas y un humor muy ligero y digerible. Woody Allen vuelve a repetir su personaje de neurótico, interpretándolo de una manera que solo él lo sabe y puede hacer. Y bueno, la Johansson es otra historia. Su personaje va desde la confusión e inseguridad hasta la frivolidad y madurez con una exquisita gracia. Su presencia es refrescante y la mancuerna que logra con Woody Allen es simplemente espectacular, siendo las escenas donde comparten créditos las más graciosas del filme.


Probablemente "Amor y Muerte" esté lejos de convertirse en una obra clásica de Allen, sin embargo, es una cinta que me resultó demasiado entretenida, divertida y con un gran reparto que brinda unas finas actuaciones, además de que soy un gran fanático del trabajo de Woody Allen y su humor siempre me bota de la risa. La cinta mezcla momentos de humor con toques de misterio, para enseñarnos que las apariencias son engañosas y que incluso detrás de la persona más dulce y amable puede esconderse un psicópata en alto grado. Una excelente recomendación para aquellos que busquen una película que divierta de una forma inteligente.

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Shrek Tercero


Shrek the Third
Estados Unidos, 2007
Dirige: Chris Miller

El ogro más querido por todo mundo está de regreso en la tercera entrega de una de las franquicias más poderosas que siguen vigentes hoy en día. Shrek no solo fue un parteagüas importantísimo en el género de la animación por computadora, sino que también abrió un nuevo camino para las sucesoras, al dejar en claro que las generaciones de hoy están hasta el gorro de las típicas historias sosas y ñoñas que nos recetaba la casa de Mickey Mouse año con año. La primera aventura combinó un humor irreverente, una historia divertida y una completa parodia a los cuentos de hadas que conocemos al pie de la letra, rompiendo los esquemas que conocíamos de las cintas de animación y también rompiendo con la brecha de edad, atrayendo por igual tanto a pequeños, como a adultos.

En el 2001, Shrek fue una propuesta fresca y distinta al resto, que con su humor único y personajes entrañables, conquistó tanto a chicos y grandes. Su secuela, 3 años más tarde, fue un poco más de lo mismo, pero logró mantenerse al nivel de su predecesora, cosa que raramente suele suceder cuando hablamos de segundas partes. Nuevamente, con un periodo de diferencia de 3 años, el estudio cinematográfico Dreamworks lanza al mercado su máquina automática de dinero titulada "Shrek Tercero".

En esta tercera aventura, Shrek recibe la noticia que será el próximo rey de "Muy Muy Lejano". Sacado de onda con esta idea, empieza a ver la manera de escapar de dicha responsabilidad y descubre que el único que puede asumir dicho cargo es Artie, el primo de Fiona. Por lo que Shrek, acompañado por sus inseparables secuaces: el Burro y el Gato con Botas, deciden ir a buscar a Artie para llevarlo al reino. En el inter, Príncipe Encantador se une a todos los villanos de los cuentos de hadas para convertirse en el nuevo rey de "Muy Muy Lejano" y deshacerse del ogro de una vez por todas.

"Shrek Tercero" es, sin lugar a dudas, muy distinta a sus antecesoras. Primeramente, no tiene ese espíritu de mofa. Mientras la primera película se encargaba de burlarse de las historias estilo Disney y la segunda del estilo de vida americano (retratado en la manera de vivir de Muy Muy Lejano), esta cinta simplemente se reduce a contarnos una historia que más que parodiar, se remite a presentarnos más a fondo las aventuras de los personajes. Es como si de pronto, aquel Shrek que odiaba tanto los cuentos de hadas, terminara por convertirse en el personaje principal de su propio cuento de hadas con final feliz incluído.

La película, a diferencia de las anteriores, no gira exclusivamente alrededor del monstruo verde. Al contrario, en esta entrega vemos que decidieron explotar al resto de los personajes y no únicamente presentarnos los conflictos de Shrek. Por lo que tenemos a Burro y Gato con sus cambios de cuerpo producto de la mala magia de un Merlín, cuyo personaje termina sobrando por completo, el grupo de princesas que luchan por su libertad y Encantador que desea convertirse en rey a toda costa.

No voy a decir que no es graciosa, pero es ya casi rumbo al final cuando se hace más amena y divertida. El inicio no me gustó para nada y ya para la mitad el ritmo estaba por los suelos que incluso me llegó a aburrir y desesperar, sobre todo el viajecito ese que emprenden para buscar a Artie. Los chistes se veían muy forzados y la parodia de la vida preparatoriana simplemente como que no es motivo de gracia aqui en nuestro país. A diferencia de las otras películas, no es Burro ni Gato quienes se llevan las carcajadas. En esta ocasión comparten esos créditos con el Hombre de Gengibre, Doris la Hermanastra Fea y las princesas de los cuentos de hadas.


Al final, "Shrek Tercero" cumple con su objetivo y entretiene, pero se aleja demasiado de aquel humor ácido que lo caracterizaba, para convertirse en un cuento de hadas más. Triste pero cierto. Shrek es la única franquicia que he disfrutado mucho más en su versión doblada al español y debo decir que nuevamente el doblaje fue acertado. El trabajo de Eugenio Derbez fue bueno, pero a mi gusto, estuvo mejor el que realizó en las anteriores cintas de Shrek. Por ahí se prepara ya una cuarta entrega, que obedecerá la regla de los 3 años para volver a ver al ogro verde en pantalla grande junto a sus hijitos. Ojalá que el ingenio de los escritores regrese al modo usual y que no terminen por destrozar una propuesta que prometía demasiado.
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La Sangre Iluminada


La Sangre Iluminada
México, 2007

Dirige: Iván Ávila Dueñas

Con: Gustavo Sánchez Parra, Jorge Zárate y Joaquin Cosio

Hace unos cuantos posts, casi me desviví en la reseña de "El Violín". No, no me retracto acerca de nada de lo que dije, pero en ese entonces tenía la idea que esa sería mi película mexicana favorita del año. Sin embargo, hoy me he llevado tremenda sorpresa con esta genial cinta que lleva por título "La Sangre Iluminada". Admito que entré a la sala con pocas expectativas, sobretodo porque antes de lanzarme a la Cineteca a verla, me pasé buscando en Internet la sinopsis, incluso vi el trailer, pero nada logró darme ni el más mínimo esbozo de la trama.


Escrita y dirigida por Iván Ávila Dueñas, quien hace algunos años presentó su opera prima "Adán y Eva (Todavía)", la cual, si mal no recuerdo, nunca fue estrenada en una sala comercial de mi querido Monterrey. Probablemente habrá sido exhibida un par de días en la Cineteca sin la más mínima intención de promocionarla y hasta ahora, me ha sido imposible conseguirla y echarle un vistazo. Es posible que "La Sangre Iluminada" corra con la misma suerte que la anterior obra de su realizador, al menos en nuestro país, aunque me encantaría que más gente tuviera la oportunidad de verla, reflexionarla y comentarla.


"La Sangre Iluminada" inicia con un hombre desconocido que se mete a una fuente de la Ciudad de México, comienza a sangrar de la nariz y muere. O al menos eso era lo que creíamos. En Zacatecas, un pequeño que va cruzando la calle, comienza a sangrar también de la nariz y se desmaya. Al recobrar el sentido, despierta con un collar que contiene dos fotografías y dice llamarse Mateo y haber muerto en una fuente de la capital. Es así como comienza una historia, que mezcla deliciosamente la fantasía con la realidad, plasmada en cada uno de los personajes que intervienen en el filme.


Poco a poco, el espíritu de Mateo va cambiando de cuerpo en cuerpo, siendo los "receptores" personas que tienen algo especial en su sangre. ¿Qué es? No lo sabemos y la verdad, no creo que tenga algo de relevancia. Lo que es un hecho es que el alma de este hombre continúa vagando por alrededor de 20 años y su finalidad es la de volver a reencontrarse con el amor de su vida, Amelia. El largo camino que el alma emprende para resolver los asuntos pendientes que dejó antes de morir, es sin duda alguna doloroso y difícil, pero es una manera de redención, un camino que inicia con un pequeño y termina con un anciano, un trayecto de crecimiento, de sabiduría que lo llevan a entender el porque su alma se aferró por tantos años a continuar viviendo en este mundo.


Mágica, cautivadora, intrigante. "La Sangre Iluminada" es un ejercicio narrativo sólido, que se conjuga con una cinematografía detallista, excelentes actuaciones (la de Cosio fue mi favorita y realmente me conmovió) y unas imágenes de sangre que aparecían en cada historia muy a lo "Requiem for a Dream". Es un filme que nos invita a reflexionar acerca de la brevedad de nuestra existencia y que por lo tanto, debemos aprovechar el tiempo sabiamente para decir y hacer todo aquello que es importante, ya que una vez que el tiempo se agote, no habrá una segunda oportunidad para remediar cualquier asunto pendiente que dejemos en este mundo, y en caso de que la hubiese, el camino no sería nada sencillo, pero aqui ya depende de las creencias de cada quien. Es una verdadera lástima que películas como ésta no tengan distribución comercial y aún es peor que estando en exhibición, la promoción sea nula. Por lo pronto, no podré decir que "La Sangre Iluminada" sea mi película mexicana favorita del 2007, porque aún faltan varios meses por venir, pero si en este momento tuviera que decidir, no titubearía en señalarla como mi favorita.

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