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Primer Vistazo: Beginners

2011-04-14T22:40:00.000-07:00

Escrita y dirigida por Mike Mills (a quien seguramente muy pocos recordarán por su debut cinematográfico Thumbsucker), Beginners es una cinta que promete entremezclar inteligentemente comedia y drama para profundizar y presentarnos la naturaleza de las relaciones de pareja y padre-hijo. Con un interesante reparto, encabezado por Ewan McGregor, Christopher Plummer y la hermosa Mélanie Laurent, es casi imposible resistirse a echarle un vistazo. Beginners se estrena en plataforma limitada en los Estados Unidos este verano.

La taquilla 8 al 10 de abril del 2011

2011-04-14T22:27:00.000-07:00

Estados Unidos: A pesar de la llegada de cuatro estrenos, Hop continuó haciendo de las suyas en la taquilla estadounidense al permanecer por segunda semana consecutiva en el primer lugar. Descendiendo solamente 43% con respecto a su fin de semana debut, las aventuras del conejito juntaron $21.2 millones de dólares durante del fin de semana para acumular un total de $67.7 millones. De las nuevas películas en cartelera, Hanna y Arthur tuvieron un reñido enfrentamiento por el segundo lugar, siendo el thriller protagonizado por la joven Saoirse Ronan quien resultara con la victoria. El filme distribuido por Focus Features debutó con $12.3 millones de dólares, seguido por la comedia de Russell Brand con $12.2 millones. Soul Surfer, la historia verídica sobre una jovencita surfista, conquistó el cuarto puesto en su estreno con un moderado debut de $10.6 millones, mientras que la comedia medieval Your Highness tuvo un mediocre desempeño al acumular $9.3 millones y quedar en sexto sitio, pese a ser la película de estreno con más estrellas reconocidas en su reparto. En su segundo fin de semana, el filme de terror Insidious tuvo un leve retroceso y juntó $9.3 millones más para un total de $26.7 millones. Obviamente, con la llegada de Scream 4 la próxima semana, la competencia se pondrá más dura. En plataforma limitada, Lionsgate lanzó la taquillera comedia mexicana No Eres Tu, Soy Yo en los principales mercados latinos del país logrando un resultado poco alentador. Con solo $588,938 y un promedio de $2k por cine, una futura expansión a otras ciudades está todavía en duda. Mientras que el drama Meek´s Cutoff protagonizado por Michelle Williams tuvo una decente actuación al recaudar $20,024 en tan solo 2 cines.

México: Debutando un fin de semana antes que en los Estados Unidos, la cinta animada Rio tuvo un extraordinario estreno en territorio mexicano. La película acumuló un total de $57.4 millones de pesos y se situó en primer y segundo lugar de taquilla en su versión 2D y 3D respectivamente. Con las vacaciones de los pequeños iniciando el próximo fin de semana, Rio tiene un buen futuro por delante pese a que deberá enfrentarse a la competencia directa de Hop. La comedia Salvando al Soldado Pérez continuó con su buena racha en taquilla al colocarse en tercer sitio y recaudar $6.8 millones de pesos. En su cuarto fin de semana en cartelera, la cinta mexicana ha juntado un total de $61.6 millones y se perfila para terminar su recorrido en pantalla grande con unos $70-80 millones de pesos. En su segunda semana en cartelera, Los Agentes del Destino cayeron una posición al cuarto lugar y han acumulado solamente $16 millones en 10 días. La Otra Familia continuó perdiendo audiencia, recaudando $3.6 millones para un total de $26.4 millones en sus tres semanas de exhibición, un poco por debajo de las expectativas. Con la llegada de Rio, Gnomeo y Julieta sufrió una gran caída del segundo al noveno puesto con $1.9 millones más para su versión en 2D.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Hop - $21.2m - 2 semanas - $67.7m
Hanna - $12.3m - 1 semana - $12.3m
Arthur - $12.2m - 1 semana - $12.2m
Soul Surfer - $10.6m - 1 semana - $10.6m
Insidious - $9.3m - 2 semanas - $26.7m
Your Highness - $9.3m - 1 semana - $9.3m
Source Code - $8.6m - 2 semanas - $28.2m
Limitless - $5.4m - 4 semanas - $64.1m
Diary of a Wimpy Kid: Rodrick Rules - $4.7m - 3 semanas - $45.3m
The Lincoln Lawyer - $4.2m - 4 semanas - $46.1m

México

(en millones de pesos)

Fuente: Canacine

Rio 2D - $30.3m - 1 semana - $30.3m
Rio 3D - $27.1m - 1 semana - $27.1m
Salvando al Soldado Pérez - $6.8m - 4 semanas - $61.6m
Los Agentes del Destino (The Adjustment Bureau) - $4.7m - 2 semanas - $16m
La Otra Familia - $3.6m - 3 semanas - $26.4m
Desconocido (Unknown) - $3.4m - 4 semanas - $44.3m
Batalla: Los Angeles (Battle Los Angeles) - $2.7m - 5 semanas - $37m
Amigos con Derechos (No Strings Attached) - $1.9m - 7 semanas - $51.2m
Gnomeo y Julieta 2D - $1.9m - 3 semanas - $25.6m
Sucker Punch - $1.5m - 3 semanas - $15.3m

Serious Moonlight (Una Pareja de Tres)

2011-04-09T00:01:00.000-07:00

Es una pena que después de haber sido una de las actrices más cotizadas durante la década de los noventa y de haber protagonizado grandes clásicos de la comedia romántica, Meg Ryan haya terminado relegada a participar en comedias tan simplonas y sosas que generalmente son lanzadas directo a video en los Estados Unidos y Serious Moonlight no es la excepción.

Dirigida por la actriz Cheryl Hines, en su debut detrás de las cámaras, y basada en un guión de la fallecida Adrienne Shelly (Waitress), a quien por cierto le dedican la película, Serious Moonlight cuenta la historia de Louise e Ian, interpretados por Ryan y Timothy Hutton, un matrimonio que atraviesa por una crisis luego de que éste le comunica sus planes de separarse y viajar a Paris con su amante (Kristen Bell). Devastada por semejante revelación, Louise decide amarrar a su marido al baño para intentar salvar su relación y evitar que éste la abandone. Sin embargo, las cosas se complican cuando un joven (Justin Long) se aprovecha de la situación para asaltar la casa.

El resultado es una irrelevante y aburrida comedia de humor negro con un montón de personajes por los cuales es imposible llegar a sentir empatía. Meg Ryan está mal dirigida y sobreactuada, al punto de llegar a frustrar hasta al más paciente espectador con sus exageradas gesticulaciones. Y ni hablar de sus rígidas expresiones faciales, en parte gracias al botox que trae inyectado en su rostro. En cuanto a la historia, ésta se pierde ante situaciones que rayan en lo inverosímil y que de cierta forma contradicen el mensaje que intenta transmitir.

En resumen, Serious Moonlight es una cinta desangelada con muy malas actuaciones, en gran parte debido a una pobre dirección, y con una historia tan insípida que ni siquiera la presencia de Meg Ryan en el rol protagónico logra hacer levantar el ritmo aletargado o salvar las situaciones absurdas de la película.

Unstoppable (Imparable)

2011-04-08T23:16:00.000-07:00

El director británico Tony Scott vuelve a hacer mancuerna con Denzel Washington, uno de sus actores favoritos, para recetarnos una película cargada de adrenalina y velocidad que cumple con tenernos al borde del asiento y mordiéndonos las uñas.

Inspirada en eventos reales, Unstoppable nos lleva hasta las vías férreas del estado de Pennsylvania para presentarnos la historia de un tren cargado de material tóxico y explosivo que accidentalmente recorre las vías sin conductor, sin frenos y a más de 70 millas por hora, y que amenaza con descarrilarse y provocar cuantiosos daños a una pequeña población. Es entonces cuando por azares del destino, dos conductores de tren (Washington y Chris Pine de Star Trek) son la última esperanza del pueblo para lograr frenar a la imparable locomotora y evitar que un desastre mayor ocurra.

La película sigue la fórmula al pie de la letra y lo hace sin salirse del molde logrando que funcione a la perfección, aun con todo y los típicos clichés que van desde los niños de una excursión que corren peligro, la disque historia sentimental de los personajes principales que es mero relleno melodramático y las explosiones, persecuciones, choques, etc. Denzel Washington está como pez en el agua y quien mejor que él para interpretar a individuos a los que nadie toma en serio pero que por una u otra circunstancia terminan siendo los únicos que pueden salvar al mundo. Obviamente, Chris Pine es terriblemente opacado por Washington, pero bueno, eso no es una gran sorpresa considerando el calibre, presencia y carisma que tiene el actor neoyorquino en cintas de este género.

En Unstoppable no hay nada nuevo bajo el sol. Es simplemente una película fiel a la fórmula, con situaciones gastadas, personajes conocidos y escenas predecibles. No obstante, el estilo de Scott combinado con la actuación de Denzel y el ritmo frenético del filme hacen que Unstoppable sea un producto digerible, ágil y entretenido, ideal para aquellos amantes de la adrenalina.

The Adjustment Bureau (Los Agentes del Destino)

2011-04-08T22:31:00.000-07:00

Basada en una historia corta de Philip K. Dick (Blade Runner, Minority Report, Paycheck), The Adjustment Bureau es un relato de ciencia ficción que se mezcla con una historia romántica para dar como resultado una cinta que pese a las buenas intenciones de su debutante director (George Nolfi), no logra llenar las expectativas en ninguno de los géneros que aborda.

La carrera política de David Norris (Matt Damon) va en ascenso y su popularidad y talento están a punto de llevarlo a ocupar un cargo importante en el Senado de los Estados Unidos, sin embargo su vida personal va en caída libre en gran parte al vacío emocional por el cual atraviesa. Es justo entonces cuando David conoce a Elise (Emily Blunt) por mera casualidad del destino y siente que su vida cobra un nuevo sentido. Este encuentro es el que lleva a David a descubrir la existencia de un grupo de hombres que visten abrigo y sombrero, cuyo trabajo consiste en dirigir el destino de los seres humanos. Estos individuos se empeñarán en hacer todo lo posible para evitar que el político se enamore de Elise, puesto que la relación no solo va en contra de los planes que tenían proyectados para él, sino que también pone en riesgo su futuro político. A partir de esta realización, el personaje principal se enfrentará a un dilema entre optar por un camino predeterminado que le depara logros y satisfacciones profesionales o un futuro incierto donde lo único que sabe con certeza es que estará al lado del amor de su vida.

Gran parte de la película funciona gracias a la gran química que existe entre sus protagonistas. No cabe duda que Matt Damon y Emily Blunt hacen una excelente mancuerna y sus aportaciones logran que el filme completo valga la pena. Fuera de eso, la historia simple y sencillamente no llega a convencer del todo. Uno se queda esperando que el guión profundice más en la naturaleza de estos misteriosos hombres que controlan las vidas de los humanos y que son capaces de desafiar las leyes del espacio para desplazarse de un punto a otro, pero nada de esto sucede y desde mi punto de vista, este elemento debió haber sido clave en el desarrollo de la película. Todo el rollo de los ¨agentes del destino¨es tratado de manera muy superficial para lograr enfocarse más en la parte romántica del filme, haciendo que uno como espectador termine con un montón de preguntas sin resolver e incógnitas.

Como punto a su favor, la cinta invita a la reflexión sobre la existencia del libre albedrío o la libre elección. Hay una frase que dicta que cada uno es el arquitecto de su propio destino, pero ¿realmente será esto cierto o será que vivimos en un mundo similar al de la película donde uno cree ser el arquitecto pero hay alguien más controlando nuestras vidas y haciéndonos creer que nuestras decisiones pueden tener un impacto en el rumbo del destino? Creo que The Adjustment Bureau es uno de esos casos donde la idea principal es interesante, pero la ejecución deja mucho que desear y echa a perder lo que pudo haber sido un filme más inteligente y redondo. Recomendable para pasar un buen rato de entretenimiento.

La taquilla 1 al 3 de abril del 2011

2011-04-06T23:10:00.000-07:00

Estados Unidos: Como era de esperarse, la cinta infantil Hop debutó en primer lugar de taquilla este fin de semana, aunque con una recaudación superior a la anticipada. Con un total de $37.5 millones de dólares en su primer fin de semana, la película distribuida por Universal tiene un largo camino por delante especialmente con el periodo de Pascua a la vuelta de la esquina. El thriller Source Code, protagonizado por Jake Gyllenhaal, se estrenó en el segundo puesto con solo $14.8 millones pese a haber recibido muy buenas críticas. El filme de terror Insidious del nuevo distribuidor FilmDistrict se colocó en el tercer lugar y recaudó $13.2 millones en su fin de semana debut, en parte gracias a la ausencia de cintas de este género en cartelera durante los últimos meses. Diary of a Wimpy Kid: Rodrick Rules cayó del primer al cuarto sitio, acumulando $10 millones más para un total de $38.1m en solo 10 días. Mientras que Sucker Punch tuvo un fuerte descenso en su segundo fin de semana al caer un 68.4%, juntando $6 millones en 3 días y $29.8 millones en total. El camino no es nada prometedor para la película, la cual podría terminar su exhibición en pantalla grande con $40 millones. En plataforma limitada, Jane Eyre y Win Win continuaron con exitosas expansiones por todo el país. Las películas independientes recaudaron $1.2m y $1.1m respectivamente durante el fin de semana. La cinta ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera In a Better World, tuvo un moderado debut en solo 4 cines, logrando acumular $33,058 dólares únicamente. Sony Pictures Classic continuará expandiendo la película a más ciudades en las próximas semanas.

México: La cinta mexicana Salvando al Soldado Pérez logró la hazaña de retener el primer lugar de taquilla pese al ingreso de dos nuevos filmes en cartelera a nivel nacional. La comedia recaudó $9.7 millones de pesos, un 16% menos que el fin de semana anterior, para acumular $50 millones en tan solo 3 semanas y un futuro muy próspero en taquilla. De los dos estrenos, solamente uno tuvo un desempeño moderado en taquilla mientras que el otro flopeó tal y como le sucedió en los Estados Unidos. Los Agentes del Destino debutó en el tercer sitio con $7.6 millones de pesos mientras que Infierno al Volante (Drive Angry) quedó fuera del top 10 con aproximadamente $3 millones, combinando el ingreso de las versiones en 3D y 2D. Como Canacine divide las ganancias en ambos formatos, la película, en ninguna de sus versiones, logró colarse a las 10 más taquilleras de la semana. El filme animado Gnomeo y Julieta continuó en segundo sitio con su versión 2D ($8.1m) y subió al quinto lugar con la versión en 3D ($6m) para un total de $14.1m combinados y un acumulado de $35.5m en 10 días. Mientras que la otra cinta mexicana en el top 10, La Otra Familia, recaudó $6.1 millones de pesos en su segundo fin de semana para alcanzar el cuarto lugar. Con una leve caída del 25%, la controversial película lleva $19.3 millones en total. Sucker Punch descendió al octavo lugar, cayendo un 39% para juntar $3.6 millones durante el fin de semana y un pobre ingreso de $12.2 millones a la fecha.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Hop - $37.5m - 1 semana - $37.5m
Source Code - $14.8m - 1 semana - $14.8m
Insidious - $13.2m - 1 semana - $13.2m
Diary of a Wimpy Kid: Rodrick Rules - $10m - 2 semanas - $38.1m
Limitless - $9.3m - 3 semanas - $55.5m
The Lincoln Lawyer - $6.8m - 3 semanas - $39.4m
Sucker Punch - $6m - 2 semanas - $29.8m
Rango - $4.5m - 5 semanas - $113.7m
Paul - $4.2m - 3 semanas - $31.8m
Battle: Los Angeles - $3.5m - 4 semanas - $78.5m

México

(en millones de pesos)

Fuente: Canacine

Salvando al Soldado Pérez - $9.7m - 3 semanas - $50m
Gnomeo y Julieta 2D - $8.1m - 2 semanas - $21.2m
Los Agentes del Destino (The Adjustment Bureau) - $7.6m - 1 semana - $7.6m
La Otra Familia - $6.1m - 2 semanas - $19.3m
Gnomeo y Julieta 3D - $6m - 2 semanas - $14.3m
Rango - $5.6m - 5 semanas - $119.2m
Desconocido (Unknown) - $4.7m - 3 semanas - $38.6m
Sucker Punch - $3.6m - 2 semanas - $12.2m
Amigos con Derechos (No Strings Attached) - $3m - 6 semanas - $47.5m
Marte Necesita Mamás (Mars Needs Moms) - $2.8m - 3 semanas - $20.6m

Primer Vistazo: Rubber

2011-04-06T00:03:00.000-07:00

No, no es una broma, la premisa de Rubber es simple y sencilla: una llanta asesina. Si creían haberlo visto todo habrá que esperar a ver el más reciente trabajo del director Quentin Dupieux. Les dejo el trailer para que juzguen por ustedes mismos. Por cierto, la película se estrena este viernes 8 en el Northwest Film Forum en Seattle para aquellos que como yo, tengan curiosidad de ver esta cinta que promete estar plagada de humor y horror.

Source Code

2011-04-04T00:05:00.000-07:00

Hace dos años, Duncan Jones hizo su debut como escritor y director de la cinta de corte independiente Moon, la cual fue una de mis favoritas del 2009. Esa pequeña cinta no sólo fue aclamada por críticos, sino que también se convirtió en la plataforma de Jones a las grandes ligas y poco a poco, esta joya de ciencia ficción ha ido ganando más seguidores desde su estreno en video. En esta ocasión, el director brinca del terreno del cine independiente al mainstream para realizar un filme con mayor presupuesto, respaldada por un estudio más grande y con la participación de estrellas más reconocidas.

Jake Gyllenhaal es el protagonista de Source Code, un thriller inteligente que desafía al espectador de principio a fin. El joven histrión, en una de sus mejores interpretaciones a la fecha, da vida a Colter Stevens, un soldado que despierta en un tren de pasajeros de la ciudad de Chicago en el cuerpo de otro hombre. Aún desconcertado por lo que sucede y tratando de buscar una explicación, el tren explota y Colter despierta en una pequeña cápsula que lo mantiene conectado a cables y monitores. Es entonces cuando el militar descubrirá su participación en un proyecto titulado ¨Source Code¨ (Código Fuente), cuya misión consiste en descubrir quién de los pasajeros es el responsable del incidente ocurrido en el tren. El programa únicamente le permitirá a Stevens revivir los últimos 8 minutos antes de la explosión para lograr obtener las pistas que apunten hacia el homicida.

Con un ritmo de infarto, Duncan Jones vuelve a repetir un patrón muy similar al seguido en Moon y por momentos, las películas muestran ciertas similitudes, especialmente en el sentido que los protagonistas se encuentran en un ambiente de reclusión mientras van descubriendo poco a poco el sentido de su existencia. Resulta sumamente interesante cómo cada vez que el personaje de Gyllenhaal se ¨conecta¨ a la realidad virtual del programa para recabar más detalles del presunto culpable y lograr esclarecer el acto terrorista, también él mismo se va dando cuenta del objetivo de su misión y del porque fue seleccionado para participar. Source Code es una rara mezcla entre Groundhog Day e Inception, donde las diversas realidades que se presentan en la cinta comienzan a mezclarse al grado que uno como espectador tiene la tarea de analizar la historia con gran atención.

Michelle Monaghan y Vera Farmiga complementan el reparto del filme que sin lugar a duda es el mejor estreno comercial de lo que va del año. Source Code es una película que combina cerebro con músculo, historia con adrenalina y sustancia con estilo, y que a la vez es accesible para todo tipo de audiencia. Fuera del entretenimiento que ofrece como tal, la cinta logra cuestionar al espectador sobre las decisiones y acciones que uno pudiera cambiar si tuviéramos la oportunidad de revivir ciertos momentos en nuestra vida, así como el verdadero significado de lo que uno considera real. Un gran acierto para la corta, pero célebre, filmografía de Duncan Jones y espero con ansias su siguiente proyecto.

Machete

2011-04-03T23:01:00.000-07:00

La idea de Machete surgió de uno de los trailers falsos que formaron parte de la cinta Grindhouse dirigida por Quentin Tarantino y Robert Rodriguez, con la intención de revivir y rendir homenaje a este peculiar género cinematográfico que tuvo su mayor auge durante los años setenta y ochenta. El trailer gozó de gran aceptación entre la audiencia y fanáticos de ambos directores que Rodriguez inmediatamente comenzó a rodar la cinta.

Danny Trejo interpreta al badass Machete, un ex-agente federal mexicano que después de perderlo todo a manos de un poderoso narcotraficante, decide migrar a los Estados Unidos en busca de rehacer su vida. Sin embargo, el destino le tiene preparada otra prueba al recibir la oferta de asesinar a un senador a cambio de una jugosa cantidad de dinero. Aceptando el trato, pronto Machete se verá envuelto en una trampa que lo llevará no solo a enfrentar nuevamente a su pasado, sino también a convertirse en el defensor de los derechos de los inmigrantes latinoamericanos.

Machete es completamente fiel a la primicia del trailer falso y no decepciona en lo que ofrece al espectador: sangre a chisguetes, violencia y desnudos gratuitos, mutilaciones y un humor muy ácido. Y por si fuera poco, dentro de todo lo que sucede en el filme, Rodriguez logra tocar temas controversiales y de gran relevancia pública, como lo son el problema migratorio y el tráfico de drogas por la frontera, por mencionar solo algunos. Obviamente, uno hubiera esperado que el director ahondara más en estos temas aunque pensándolo bien, eso sería mucho pedir para una película que busca solamente entretener y homenajear al género de cintas exploitation. A nivel histriónico, la cinta cuenta con la participación de un gran elenco, muchos de los cuales ya han colaborado con el director en sus trabajos previos. A Trejo le cayó el papel como anillo al dedo, interpretándolo a la perfección sin tomarse el rol en serio. Hay otros como Lindsay Lohan y Jessica Alba que nadamás no convencen, mientras que Steven Seagal regresa al cine con un personaje que te mantiene atacado de la risa cada vez que pronuncia la palabra ¨puñeta¨ o alguna otra grosería en español. ¿Quién iría a pensar que Seagal sería el comic relief de la cinta?

En resumen, Machete cumple con lo prometido y es una película que disfrutarás ampliamente si eres admirador de los proyectos previos de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. El ritmo del filme es ágil aunque siento que se pierde un poco en la parte final gracias a los demasiados storylines que intentan concluir en tan poco tiempo. Se agradece que la película jamás intenta ser tomada en serio, de lo contrario hubiera resultado en una tremenda atrocidad, y pese a tocar temas de caracter más formal, el director logra atarlos a la historia de una manera sutil sin convertir a la cinta en mera propaganda. Y si Rodriguez vuelve a cumplir con lo que promete, es muy probable que pronto tengamos de regreso al sanguinario y rompecorazones Machete.

Sucker Punch (Mundo Surreal)

2011-04-02T14:13:00.000-07:00

Zack Snyder transporta hasta la pantalla grande los sueños húmedos de cualquier aficionado a los comics y videojuegos en su más reciente entrega titulada Sucker Punch, la cual se une a la filmografía del director como otro ejemplo más de style over substance, y claro, no era de extrañar sabiendo que la mente detrás de semejante chaqueta visual es aquel que nos ha traído películas como 300 y Watchmen.

Sucker Punch narra la historia de Baby Doll, una jovencita que al intentar salvar a su hermana menor de los abusos y maltratos de su padre, comete un grave error que la manda directo a un hospital psiquiátrico. Es ahí donde la rubia comenzará a buscar la manera de obtener su libertad a través de un mundo fantástico (y ultraviolento) que ella imagina. En su plan por escapar de la institución que la mantiene cautiva, Baby Doll recurrirá a la ayuda de otras internas quienes también ansían ser libres nuevamente.

La historia es una mera jalada y no hay mucho que discutir al respecto. Se agradece que la historia intente transmitir un mensaje, pero éste se pierde entre tanta explosión, dragones y cuanta demás mamarrada se le ocurre a Snyder. No solo eso, también el vaivén entre el mundo real y el mundo imaginario de Baby Doll se transforma en un ejercicio tan encrucijado y confuso que termina por perder al espectador en su rebuscado, pretensioso y pobre guión. De las actuaciones ni hablar. Una caja de cartón logra transmitir más sentimientos y es capaz de recitar mejor los diálogos que Emily Browning. Y para sorpresa, y probablemente decepción para otros, Carla Gugino no se encuera en la película. Lo menciono porque no recuerdo la última película de Gugino donde no haya terminado topless. ¿Tal vez Spy Kids? Visualmente, la película es muy buena y complementa a la perfección las exageraciones e inverosimilidades del director. Sin embargo, creo que no hay nada nuevo en este último aspecto que haga a la película sobresalir de entre las demás. Lo mismo que vimos aquí ya lo habíamos visto antes en 300, Watchmen, Sin City, etc. Sucker Punch solo parece reciclar el estilo visual de otros filmes y aunque lo hace muy bien, no tiene ese algo que la haga ver novedosa.

A final de cuentas, la película cumple con su objetivo de entretener y estoy seguro que pasarás un buen rato si vas al cine con la finalidad de ver una película que no te obligue a pensar mucho y que puedas disfrutar con tus palomitas y refresco. Definitivamente este género cinematográfico no es uno de mis favoritos pero debo reconocer que la cinta es entretenida y no es tan mala como la crítica especializada nos lo ha dado a conocer. Ahora solo queda esperar lo que sucederá cuando Zack Snyder tome las riendas del nuevo proyecto para revivir la franquicia de Superman. ¿Será que continuará prefiriendo el estilo sobre la sustancia o será que el director logre encontrar el balance adecuado para combinar una buena historia con la justa dosis de extravagancia visual?

Morning Glory (Un Despertar Glorioso)

2011-04-01T00:40:00.000-07:00

De la pluma de la escritora de The Devil Wears Prada nos llega Morning Glory, una comedia chick flick que si bien guarda ciertas similitudes con respecto al filme protagonizado por Meryl Streep y Anne Hathaway, en esta ocasión hay algo en la fórmula que no termina de convencer y eso se refleja en el producto final.

Rachel McAdams lleva el rol principal del filme e interpreta a Becky, una joven inteligente y workaholic que decide tomar el puesto de productora ejecutiva del programa Daybreak: una revista matutina que está por los suelos en nivel de audiencia. Con la finalidad de renovar la emisión y aumentar el rating, Becky se da a la tarea de contratar al veterano periodista Mike Pomeroy (interpretado por Harrison Ford), cuya carrera está en el ocaso, para hacer mancuerna con la chiflada conductora Colleen Peck (Diane Keaton). Obviamente, es aquí cuando empiezan los problemas para la joven productora, ya que Mike se rehusará a trabajar bajo sus condiciones, poniendo en peligro el futuro de la producción televisiva.

McAdams ha demostrado en sus trabajos anteriores que tiene el suficiente carisma y talento para sacar a flote un filme, sin embargo hubo momentos de Morning Glory donde simplemente me sacó de quicio. No creo que la culpa haya sido de ella sino del personaje que le tocó interpretar, el cual por momentos era demasiado parlanchín que rayaba en la desesperación. De Diane Keaton ni hablar, que en las últimas tres películas que la he visto ha interpretado el mismísimo papel y cada vez más sobreactuada. Es Harrison Ford quien logra salir mejor parado con su rol de amargado y gruñón. A pesar de que el guión muestra ciertas similitudes con The Devil Wears Prada, como ya lo mencioné anteriormente, no solamente por ubicar la historia en Nueva York, sino también por compartir un lead femenino que trabaja arduamente para salir adelante y que batalla para encontrar el balance entre su vida profesional y personal, Morning Glory está a años luz de llegarle a los talones a Miranda y sus secuaces. Hace falta lo chic, lo fashion, los parlamentos memorables, los momentos cómicos y la simpatía y química del elenco. Es más, hasta la parte romántica de la película parece salir sobrando y se siente como mero requisito para clasificarla como chick flick. Lástima por Patrick Wilson quien a mi gusto, termina demasiado desaprovechado en un rol que no aporta mucho a la historia en general.

El resultado es una comedia con pocos momentos hilarantes y con una historia poco memorable. Aún así, es una opción palomera recomendada y de entretenimiento seguro, con un relato fácil de digerir y con actores queridos y reconocidos por el público que si bien hacen todo lo posible por sacar a flote la cinta, sus personajes y la historia no logran hacerles justicia.

The Descent: Part 2(El Descenso 2)

2011-03-31T23:56:00.000-07:00

The Descent: Part 2 es la secuela del filme de terror británico del 2005 titulado The Descent que narraba las aventuras de un grupo de amigas que terminan atrapadas en unas cuevas de los Apalaches y son acechadas por unas horribles criaturas que habitan entre la oscuridad.
Esta segunda entrega comienza cuando Sarah, la protagonista de la cinta anterior, reaparece ensangrentada y en total estado de shock después de haber logrado escapar de las cuevas. Inmediatamente se convierte en el blanco de la policía, quienes buscan dar con el paradero del resto de las chicas. Es entonces cuando un grupo de rescate prepara su misión a las profundas cavernas en busca de más sobrevivientes y de paso deciden llevarse a Sarah, ya que es la única que conoce el camino y los puede llevar hacia las demás.

Con un aire de cinta serie B de principio a fin, diálogos sumamente risibles, efectos especiales de quinta y un reparto de actores desconocidos y desangelados, The Descent: Part 2 no ofrece nada nuevo ni al espectador, ni al género. Como película de terror falla, ya que fuera de tener un par de momentos de intensidad y claustrofobia, el resto es un ejercicio aburrido que recorre todos los lugares comunes de las películas de supervivencia y que pone a prueba a sus personajes ante las situaciones más trilladas y predecibles que uno pudiera imaginar. Si acaso el acto final logra reinvindicar un tanto la película, ya que se aleja de convencionalismos y opta por un giro no esperado. Más que terror, yo la clasificaría como cinta gore y aún dentro de ese género creo que sale mal librada. Si, hay mucha sangre, vísceras, criaturas que babean mucosidades y demás cosas por el estilo que bien pudieran llegar a molestar a aquellos de estómago débil.

Medianamente entretenida y con solo un par de momentos que mantienen el ritmo de la cinta, The Descent: Part 2 no es definitivamente una película para todo público, pero si para aquellos de estómago fuerte que quieran disfrutar de una decente sesión de gore o que simplemente estén en el modo de ver una película que no requiera de mucho coco para seguirle el hilo a la historia.

Calificación: * 1/2

La taquilla: 25 al 27 de marzo del 2011

2011-03-30T00:22:00.000-07:00

Estados Unidos: La cinta de acción Sucker Punch perdió la batalla en la taquilla norteamericana este fin de semana ante la secuela del filme infantil Diary of a Wimpy Kid: Rodrick Rules. En contra de las expectativas de la industria, Wimpy Kid se coronó como número uno en su fin de semana debut con $23.7 millones de dólares
, superando el estreno de su antecesora un año atrás. Las chicas armadas y violentas del más reciente filme de Zack Snyder debutaron en segundo lugar con tan solo $19 millones de dólares, muy por debajo de los previos trabajos del director (300 y Watchmen) que también han sido estrenados en esta temporada. Las películas Limitless y The Lincoln Lawyer tuvieron una buena retención de audiencia al caer solamente 20.4% y 18.6% respectivamente en relación al fin de semana previo. De continuar con un buen word of mouth e interés de audiencias adultas, las películas pudieran terminar su exhibición en pantalla grande con $80-90 y $40-50. Durante el fin de semana, dos cintas sobrepasaron la barrera de los $100 millones de dólares para convertirse en las primeras del 2011 en lograr esta marca: Rango, la cual lleva acumulados $106.3m en sus cuatro semanas en cartelera y Just Go With It con $100.2m a la fecha. En plataforma limitada, Jane Eyre y Win Win continuaron su expansión a más ciudades esta semana y continuaron cosechando éxitos en el sector arthouse. Mientras que el filme francés Potiche y el más reciente trabajo de Julian Schnabel que lleva por nombre Miral, estrenaron con números decentes, mas no impresionantes para justificar una extensa expansión en el futuro. Habrá que ver su desempeño en las próximas semanas para ver cual será la estrategia que seguirá Music Box y The Weinstein Company.

México: A pesar del estreno de cuatro películas a nivel nacional, la cinta mexicana Salvando al Soldado Pérez escaló sorpresivamente al primer lugar, superando a los gnomos de jardín shakespearenos, familias alternativas, lolitas violentas e ídolos juveniles de la era YouTube que tomaron la cartelera mexicana este fin de semana. La comedia protagonizada por Miguel Rodarte recaudó $11.6 millones de pesos, un 5% menos en comparación a su fin de semana debut, lo que confirma un tremendo word of mouth. Con $34.1 millones acumulados en 10 días, la película podría terminar su corrida con al menos el doble o más, dependiendo de la aceptación en las próximas semanas. De los estrenos, Gnomeo y Julieta en su versión 2D se colocó en segundo sitio con $9.6m y en sexto sitio con $6.2m en su versión 3D. Con la Semana Santa muy cerca, Gnomeo y Julieta tendrá la oportunidad de llegar a una mayor audiencia infantil aunque enfrentará la competencia de Hop y Rio a estrenarse en las próximas semanas. El controversial filme mexicano La Otra Familia debutó en el tercer puesto con la respetable cantidad de $8.2m. A pesar de tener buenos reviews, habrá que esperar cual es la aceptación de la cinta entre el público. Sucker Punch: Mundo Surreal tuvo un penoso estreno en séptimo lugar con solo $5.9m y el documental en 3D del cantante Justin Bieber titulado Nunca Digas Nunca le siguió en el octavo peldaño con $5.5m a pesar de estar exhibiéndose en una menor cantidad de salas. Rango se convirtió en el cuarto filme del 2011 en unirse al century club con un total de $110.8m a la fecha.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Diary of a Wimpy Kid: Rodrick Rules - $23.7m - 1 semana - $23.7m
Sucker Punch - $19m - 1 semana - $19m
Limitless - $15m - 2 semanas - $41.1m
The Lincoln Lawyer - $10.7m - 2 semanas - $28.7m
Rango - $9.7m - 4 semanas - $106.3m
Paul - $7.8m - 2 semanas - $24.9m
Battle: Los Angeles - $7.5m - 3 semanas - $72.5m
Red Riding Hood - $4.3m - 3 semanas - $32.4m
The Adjustment Bureau - $4.2m - 4 semanas - $54.9m
Mars Needs Moms - $2.2m - 3 semanas - $19.2m

México

(en millones de pesos)

Fuente: Canacine

Salvando al Soldado Pérez - $11.6m - 2 semanas - $34.1m
Gnomeo y Julieta (Gnomeo and Juliet) - $9.6m - 1 semana - $9.6m
La Otra Familia - $8.2m - 1 semana - $8.2m
Desconocido (Unknown) - $8m - 2 semanas - $29.8m
Rango - $7.9m - 4 semanas - $110.8m
Gnomeo y Julieta 3D (Gnomeo and Juliet) - $6.2m - 1 semana - $6.2m
Sucker Punch: Mundo Surreal - $5.9m - 1 semana - $5.9m
Nunca Digas Nunca (Never Say Never) - $5.5m - 1 semana - $5.5m
Marte Necesita Mamas (Mars Needs Moms) - $4.4m - 2 semanas - $16.4m
Batalla: Los Angeles - $3.7m - 3 semanas - $28.6m

Primer Vistazo: Midnight in Paris

2011-03-29T23:19:00.000-07:00

A sus 75 años de edad, Woody Allen continúa siendo uno de los directores más activos en el medio cinematográfico al realizar una película por año. Midnight in Paris es la sexta cinta del escritor y director neoyorquino rodada en Europa y la primera situada en Francia. Con un reparto multiestelar al mero estilo de Allen, encabezado por Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen y Marion Cotillard, la comedia contará los enredos de una pareja durante su estancia en la ciudad de las luces. Obviamente, gran parte del revuelo en torno a la cinta se debe a la participación de la primera dama de Francia, Carla Bruni, quien estará a cargo de un rol secundario. La fecha tentativa de estreno en los Estados Unidos es para mayo, así que fans de Woody Allen: comiencen a marcar sus calendarios.

Of Gods and Men (De Dioses y Hombres)

2011-03-28T01:00:00.000-07:00

Seleccionada para representar a Francia en la pasada entrega de los Oscares en la categoría de Mejor Película de Lengua Extranjera, Of Gods and Men no corrió con mucha suerte para obtener la nominación, pese a tener de su lado varios factores como buenas críticas y el galardón al Grand Prix en la pasada edición del Festival de Cannes. No obstante, estoy seguro que la película merecía una mención en esta categoría ya que demuestra su superioridad por encima de otras de las nominadas (ejem, Biutiful).

Of Gods and Men nos lleva hasta los más ocultos rincones de un monasterio situado en Argelia donde podemos observar la dedicación y entrega espiritual de un grupo de monjes provenientes de Francia que conviven con una pequeña población conformada principalmente por musulmanes. A pesar de que éstos profesan una fe distinta, los monjes se han sabido ganar la confianza y amistad de la gente gracias a la ayuda desinteresada que les brindan, tal como medicamentos y consultas médicas gratuitas. Sin embargo, la paz del monasterio se ve amenazada cuando un grupo de terroristas llegan a la población cometiendo actos violentos así como asesinatos. Es entonces cuando Christian, el líder de los monjes, deberá tomar la decisión sobre si continúan viviendo bajo el yugo de los criminales, arriesgando su propia vida, o bien, si abandonan el monasterio para trasladarse a un lugar más seguro. Obviamente la cinta se enfoca en el desarrollo de este dilema sobre que es lo más importante: seguir la doctrina sin importar poner la vida en riesgo, o primeramente está el bienestar personal antes que la práctica religiosa.

Xavier Beauvois, director del filme, tiene varios aciertos y entre ellos se encuentran el sumergirnos por completo en la vida de estos individuos que viven rodeados de la naturaleza, el silencio y la oración. Por lo mismo, la película se presta para llevar un ritmo un tanto pausado y contemplativo no obstante, el filme jamás logra caer en el total aburrimiento. De cierta forma, Beauvois va entretejiendo las tareas diarias de los monjes con la vida afuera del monasterio, contrastando muchas veces el sonido para que el espectador no se pierda en el ritmo de la historia. Aunado a esto, las actuaciones del elenco dan en el blanco y es especialmente Lambert Wilson quien sobresale al retratar de una manera muy humana y honesta los sentimientos y problemáticas a las cuales se enfrenta su personaje. El único pero que le pondría a la cinta es la escena que asemeja mucho a ¨La Ultima Cena¨ mientras la música de El Lago de los Cisnes se escucha de fondo. Siendo que es la única pieza musical que acompaña a la película, la escena se me hizo por demás innecesaria y de cierta forma chantajista a nivel emocional. Creo yo que ya había demasiado dramatismo en la historia como para querer manipular los sentimientos del espectador de esa forma.

Basada en hechos reales, Of Gods and Men es una película intensa que aún cuando no lleva un ritmo demasiado ágil, logra tenerte mordiéndote las uñas, literal, y al borde de la butaca. Además, queda demostrado que no hay necesidad de recursos gastados para transmitir el mensaje central de la película. Con brillantes actuaciones, una dirección acertada y una historia estrujante, la cinta no es solo una gran aportación del cine francés y europeo, sino que también es un relato universal sobre lo humano y lo espiritual, sin importar la raza o religión.

Calificación: ***

Presunto Culpable

2011-03-27T16:36:00.000-07:00

¨¿Qué porqué lo acuso? Pues es mi chamba¨

Bien dicen que la realidad muchas veces supera a la ficción y este dicho aplica ciertamente al documental Presunto Culpable. Su campaña publicitaria leía ¨La película que todo México tiene que ver¨ y en efecto, es una cinta que merece ser vista, analizada y reflexionada por todos y cada uno con la finalidad no solo de entender (y aprender) un poco más acerca del ineficiente sistema judicial que se imparte en el país, sino también para comprender que es lo que se puede hacer con tal de mejorar este proceso. Es cierto que el documental no presenta nada nuevo desde el punto de vista en que hemos escuchado casos similares sobre los problemas que persisten en el ejercicio de la justicia en México, sin embargo, lo que resulta sumamente interesante es que la película logra ponerle una cara al problema al hacernos partícipes de un caso entre un millón, donde simple y sencillamente el sistema de justicia ha fallado.

Presunto Culpable merece ser vista, y no únicamente por el morbo y la controversia que ha generado a su alrededor. Para empezar, es un filme meramente mexicano y con cero pretensiones. Estoy seguro que lo que menos les pasó por la mente a los realizadores fue que la cinta recorrería el mundo en festivales de cine y ganando el premio y reconocimiento de críticos y de la audiencia en general. Estamos ante un filme de manufactura modesta cuya finalidad consiste en exhibir las fallas de un sistema que se ha encargado de encarcelar a inocentes y otorgarle la libertad a culpables que gozan de cierto nivel socioeconómico. Al seguir el caso de Antonio Zúñiga, un vendedor que fue condenado por un crimen que él no cometió, los realizadores y abogados presentan pruebas y argumentos que exponen el nivel de corrupción y negligencia entre jueces, abogados, testigos y policías.

Presunto Culpable merece ser analizada, principalmente por el fenómeno en el cual se ha convertido. Es un claro ejemplo que la sociedad está pidiendo a gritos una nueva forma de cine en México, sobre un concepto que se aleja de copiar las fórmulas norteamericanas para explorar historias más nuestras. El éxito de Presunto Culpable radica en tener una buena historia que contar, que aunque parezca simple a primera vista, es potente en su mensaje y en la manera de manejar y encauzar la crítica. Fuera del aspecto cinematográfico, el documental debe ser objeto de análisis para apegarnos a la realidad y entender el funcionamiento de este cuerpo gubernamental, a pesar de que en el intento acabemos con rabia y una impotencia tremenda ante las reacciones y decisiones de quienes llevan la impartición de justicia en este país.

Finalmente, Presunto Culpable merece ser reflexionada por la audiencia y cuestionar ciertos aspectos como ¿es éste el sistema judicial que el país debería ofrecer?, ¿cómo puedo educarme para saber como actuar en caso de que sea objeto de escrutinio de la justicia en México? y ¿qué está en mi alcance para lograr un cambio o mejora? Sin lugar a dudas, tanto Roberto Hernández como Layda Negrete merecen un fuerte aplauso, no solo por el trabajo que realizaron sino por el valor de atreverse a presentar esta realidad pese a los obstáculos que sabían que deberían enfrentar. Ojalá que la cinta logre mover conciencias y que sea posible un cambio en la forma de impartir la justicia en México y en el proceso de los juicios y careos.

Calificación: ****

Primer Vistazo: The Tree of Life

2011-03-23T00:47:00.000-07:00

¨Unless you love, your life will flash by¨

¿Qué puedo decir de The Tree of Life? Su trailer es sin duda uno de los más exquisitos, interesantes, poéticos e hipnotizantes de los últimos años. Es una obra de arte que no revela mucho, pero que a la vez revela sutilmente demasiados pequeños detalles del más reciente trabajo de Terrence Malick (The Thin Red Line). Tanto la historia, actuaciones, dirección, música y cinematografía prometen mucho. Con un posible estreno en el Festival de Cannes, Fox Searchlight planea distribuir la cinta en los Estados Unidos a finales de mayo.

La taquilla: 18 al 20 de marzo del 2011

2011-03-23T00:27:00.000-07:00

Estados Unidos: La cinta Limitless, protagonizada por Bradley Cooper y Robert DeNiro debutó en primer lugar de la taquilla norteamericana recaudando $18.9 millones de dólares. Con un estreno un tanto debajo de las expectativas de la industria, el camino por recorrer dependerá de la aceptación del público. Los otras dos nuevas películas del fin de semana se colocaron en el lugar cuatro y cinco del top 10, con tan solo una diferencia de menos de $200k. El drama criminal The Lincoln Lawyer protagonizado por Matthew McConaughey logró acumular $13.2 millones, mientras que la comedia alienígena Paul alcanzó únicamente los $13 millones. Rango continuó haciendo de las suyas en segundo lugar con $15 millones y está a casi nada de convertirse en el primer filme del 2011 en cruzar la meta de los 100 millones de dólares. Mientras tanto, el filme Battle: Los Angeles cayó del primer al tercer puesto este fin de semana, recaudando $14.5 millones, un terrible 59% menos que en su estreno, y acumulando la nada mala cantidad de $60.5 millones en solo 10 días. Un total de $80-$90 millones parece estar en la mira para la cinta distribuida por Sony. Fuera del top 10 y en estreno ultra limitado, Fox Searchlight lanzó la más reciente película del aclamado director Tom McCarthy (The Visitor, The Station Agent) titulada Win Win. Con Paul Giamatti en el rol principal, la comedia debutó con $150k dólares en tan solo 5 cines y tiene previsto estrenarse en más partes del país en las siguientes semanas. Mientras tanto, Focus expandió exitosamente el filme de época Jane Eyre a un total de 26 salas para alcanzar colarse en el top 20 del fin de semana con una recaudación de $466k.

México: Por tercera semana consecutiva, la cinta animada Rango continuó lidereando la taquilla mexicana y se mostró fuerte pese a la dura competencia de tres nuevas películas en estreno nacional y una de ellas dirigida al mismo público. Con $15.7 millones de pesos generados durante el fin de semana, casi un 38% menos que la semana anterior, la película ha juntado $93.3 millones de pesos y está también a casi nada de sobrepasar los 100 millones, pero de pesos. Liam Neeson encabezó la camada de estrenos con el thriller Desconocido que alcanzó $13 millones para colocarse en el segundo peldaño. Le siguió en tercer sitio la comedia mexicana Salvando al Soldado Pérez, la cual debutó con una módica cantidad de $12.2 millones y habrá que esperar que tan bueno es el word of mouth en las próximas semanas. Disney consiguió el tercer y sexto sitio con su más reciente filme animado titulado Marte Necesita Mamás, en sus versiones 3D y 2D respectivamente. En formato 3D los marcianos recaurdaron $7.5 millones, mientras que en formato normal solamente hicieron $6.2 millones. Obviamente, si sumamos ambas cantidades Marte Necesita Mamás se convertiría en el líder de los estrenos, sin embargo Canacine siempre divide el total en los distintos formatos en los cuales la cinta es proyectada. Batalla: Los Angeles descendió hasta el quinto lugar al acumular $6.2 millones para un débil total de $20.7 millones. El documental Presunto Culpable se desplomó hasta el séptimo sitio juntando $5.3 millones más durante el fin de semana para un total de $71.2 millones en 5 semanas en cartelera. Con una fuerte caída de más del 50% con respecto a la semana anterior, tal pareciera que la euforia por ver la película ha disminuido considerablemente. La meta de los 100 millones y un lugar dentro del top 10 de las películas mexicanas más taquilleras ahora parece algo lejano. El Cisne Negro se colocó en el lugar número 10 y finalmente logró sobrepasar los 100 millones de pesos después de 8 semanas en exhibición. El blockbuster recaudó $3.9 millones para sumar $102.8 millones.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Limitless - $18.9m - 1 semana - $18.9m
Rango - $15m - 3 semanas - $92.3m
Battle: Los Angeles - $14.5m - 2 semanas - $60.5m
The Lincoln Lawyer - $13.2m - 1 semana - $13.2m
Paul - $13m - 1 semana - $13m
Red Riding Hood - $7.1m - 2 semanas - $25.8m
The Adjustment Bureau - $5.7m - 3 semanas - $48.6m
Mars Needs Moms - $5.3m - 2 semanas - $15.4m
Beastly - $3.1m - 3 semanas - $22.1m
Hall Pass - $2.5m - 4 semanas - $39.5m

México
(en millones de pesos)
Fuente: Canacine

Rango - $15.7m - 3 semanas - $93.3m
Desconocido (Unknown) - $13m - 1 semana - $13m
Salvando al Soldado Pérez - $12.2m - 1 semana - $12.2m
Marte Necesita Mamás 3D (Mars Needs Moms) - $7.5m - 1 semana - $7.5m
Batalla: Los Angeles (Battle: Los Angeles) - $6.2m - 2 semanas - $20.7m
Marte Necesita Mamás 2D - $6.2m - 1 semana - $6.2m
Presunto Culpable - $5.3m - 5 semanas - $71.2m
El Rito (The Rite) - $5m - 5 semanas - $126.6m
Amigos con Derecho (No Strings Attached) - $4.9m - 4 semanas - $35.4m
El Cisne Negro (Black Swan) - $3.9m - 8 semanas - $102.8m

Biutiful

2011-03-16T21:42:00.000-07:00

Biutiful es el cuarto largometraje del realizador mexicano Alejandro González Iñárritu (Amores Perros, 21 Gramos, Babel) y el primero sin la mancuerna con su guionista de cabecera Guillermo Arriaga, luego del conflicto que hubo entre ambos. Después de ver la película una cosa nos queda clara: la falta de esta colaboración es por demás notoria. Pese a que Biutiful mantiene el estilo muy definido del director mexicano, el punto más débil de la cinta recae en el guión, un elemento que jugó un papel clave en los anteriores filmes de Iñárritu.

La película nos transporta hasta el bajo mundo de Barcelona para introducirnos a Uxbal (un magistral Javier Bardem), un padre de familia que descubre que sus días están contados luego de que un médico le diagnostica cáncer terminal. Es entonces cuando Uxbal comienza a dejar las cuentas claras con sus hijos, su esposa bipolar y unas familias de origen asiático y africano con las cuales maneja negocios en el mercado negro de la ciudad. En esta ocasión, no hay historias entrecruzadas o un ensamble de actores que pasan por las mismas circunstancias. Biutiful se vuelca por completo ante su personaje principal y desarrolla una historia sumergida por completo en el drama. El desarrollo de este tipo de historias tristes y de desesperanza no es algo nuevo para quienes hemos seguido la filmografía de González Iñárritu, sin embargo esta vez abusa en exceso del drama y la cinta se convierte no sólo en un ejercicio sumamente depresivo, sino que raya en el tedio. La cinta se empeña en demostrar la ironía de su título, al enfocarse en las situaciones más tristes que aquejan al protagonista.

A esto hay que agregarle un sin fin de historias secundarias que en varios casos no aportan nada relevante a la historia principal y que sirven como simple relleno para una película que bien pudo haber durado un poco menos sin alterar el mensaje que intenta transmitir. Pese a lo flojo del guión, el filme logra salir a flote gracias a la maravillosa actuación de Javier Bardem, quien no necesita hablar para transmitir con sus gestos y miradas el horrible calvario por el que atraviesa su personaje. Mis respetos para el grande Bardem. Otro punto a favor de la película es la fotografía de Rodrigo Prieto, también cinematógrafo de cabecera de Iñárritu y quien ha sido el responsable de grandes trabajos en Los Abrazos Rotos, Lust Caution y Brokeback Mountain, estas últimas de Ang Lee. Ese toque casi mágico de la fotografía dota a la película de realismo y nos sumerge de lleno al submundo de la ciudad española.

Hay quienes le han otorgado a Alejandro González Iñárritu el título de autor, pero yo creo que aún le falta mucha trayectoria por recorrer antes de que se le adjudique dicho calificativo. Sí, sus tres cintas anteriores han dejando en claro su peculiar estilo y maestría, pero Biutiful es un pequeño descalabro en su aclamada y corta carrera. Me pregunto si el resultado de esta última cinta hará que ¨El Negro" vuelva a colaborar con Arriaga o si se arriesgará a dirigir la historia de algún otro guionista. En resumen, Biutiful es un must para los fieles seguidores del director y de Javier Bardem o para aquellos masoquistas que gusten de salir en estado total de depresión del cine.

Calificación: ** 1/2

Primer Vistazo: Salvando al Soldado Pérez

2011-03-16T11:14:00.000-07:00

Salvando al Soldado Pérez es la primera de una serie de cintas de manufactura mexicana que están próximas a estrenarse en las pantallas de México y que prometen convocar a la audiencia para demostrarles que el cine nacional sigue dando signos de vida y lo que es mejor, proponiendo historias interesantes, controversiales y entretenidas (La Otra Familia, Los Héroes del Norte, Viaje Redondo). Dirigida por Beto Gómez (Puños Rosas), este filme de comedia reúne a Miguel Rodarte, Joaquín Cosío, Jesús Ochoa, Adal Ramones y Jaime Camil para narrar la historia de un narcotraficante que debe viajar hasta Irak para rescatar a su hermano menor. La cinta está siendo publicitada como una de las más ambiciosas del cine mexicano y promete arrancar carcajadas. Con un título que parodia al filme bélico de Steven Spielberg (Rescatando al Soldado Ryan), su fecha de estreno está prevista para el 18 de marzo en México. Habrá que ver para juzgar.

La taquilla - 11 al 13 de marzo del 2011

2011-03-16T10:38:00.000-07:00

Estados Unidos: Tres nuevos estrenos ingresaron esta semana al Top 10 de los Estados Unidos. El filme de acción y ciencia ficción Battle: Los Angeles tuvo un vibrante debut en primer lugar, recaudando $35.5 millones de dólares durante el fin de semana. Le siguió en tercer sitio la cinta juvenil Red Riding Hood, la cual se estrenó por debajo de las expectativas de la industria con tan solo $14 millones de dólares y finalmente la cinta animada de los estudios Disney Mars Needs Moms, la cual tuvo un pésimo performance en taquilla en quinto lugar, al recaudar la mísera cantidad de $6.9 millones a pesar de estar proyectándose en formato 3D y IMAX. Sin duda, un descalabro para esta producción de $150 millones de dólares, por lo que a Disney solamente le queda esperar que la película tenga un mejor desempeño a nivel internacional. Johnny Depp y Rango tuvieron una buena sesión en su segunda semana en cartelera, descendiendo únicamente un 40%, sumando $22.6 millones este fin de semana para un total de $68.2 millones en sus primeros 10 días. La meta de los 100 millones ahora parecen estar más cerca para esta producción de Paramount Pictures y Nickelodeon. En debut limitado, la producción de corte independiente Jane Eyre tuvo un potente estreno al recaudar $182,885 dólares en tan sólo 4 cines de Los Angeles y Nueva York. La cinta distribuida por Focus Features continuará su expansión a otras ciudades en las próximas semanas, entre ellas Seattle, donde se estrenará este próximo viernes 18.

México: Batalla: Los Angeles también se estrenó en territorio mexicano este fin de semana, aunque no alcanzó el primer lugar de taquilla con su debut. La cinta protagonizada por Aaron Eckhart tuvo una recaudación moderada de $9.8 millones de pesos, colocándose en el tercer puesto. El otro estreno del fin de semana a nivel nacional fue la comedia de Rachel McAdams, Harrison Ford y Diane Keaton Un Despertar Glorioso, la cual no alcanzó a ingresar al top 10 nacional. De acuerdo a Box Office Mojo, la cinta debutó con $190 mil dólares, equivalente a aproximadamente $2.4 millones de pesos. Rango continuó a la cabeza de la taquilla por segunda semana consecutiva. Con $25 millones de pesos más, la cinta ha sumado un total de $69.3 millones de pesos. Después de la controversia generada la semana pasada, el documental mexicano Presunto Culpable se mantuvo en la segunda posición nacional recaudando $12.5 millones en su cuarta semana de exhibición, un 27% menos que el fin de semana anterior. El polémico filme lleva un total de $59.9 millones de pesos y de continuar generando interés entre la audiencia, la marca de los $100 millones podría sobrepasarse, lo cual la llevaría a convertirse en una de las películas mexicanas más taquilleras y en el documental más exitoso en tierras aztecas.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Battle: Los Angeles - $35.5m - 1 semana - $35.5m
Rango - $22.6m - 2 semanas - $68.2m
Red Riding Hood - $14m - 1 semana - $14m
The Adjustment Bureau - $11.5m - 2 semanas - $38.6m
Mars Needs Moms - $6.9m - 1 semana - $6.9m
Beastly - $5m - 2 semanas - $16.9m
Hall Pass - $5m - 3 semanas -$34.8m
Just Go With It - $4m - 5 semanas - $94m
Gnomeo and Juliet - $3.6m - 5 semanas - $89.1m
The King´s Speech - $3.5m - 16 semanas - $129m

México
(en millones de pesos)
Fuente: Canacine

Rango - $25.4m - 2 semanas - $69.3m
Presunto Culpable - $12.5m - 4 semanas - $59.9m
Batalla: Los Angeles (Battle: Los Angeles) - $9.8m - 1 semana - $9.8m
El Rito (The Rite) - $8.6m - 4 semanas - $117.5m
Mi Abuela es un Peligro 3 (Big Momma´s House 3) - $5.5m - 3 semanas - $35.4m
El Cisne Negro (Black Swan) - $5.1m - 7 semanas - $96.3m
El Discurso del Rey (The King´s Speech) - $4.4m - 4 semanas - $29.9m
Soy el Número Cuatro (I Am Number Four) - $4.1m - 1 semana - $15.8m
Amigos con Derechos (No Strings Attached) - $4m - 3 semanas - $28.2m
Una Esposa de Mentira (Just Go With It) - $3.1m - 5 semanas - $84.5m

Primer Vistazo: HappyThankYouMorePlease

2011-03-13T13:56:00.000-07:00

Ganadora del Audience Award en la pasada entrega del festival Sundance, HappyThankYouMorePlease es el debut como director y escritor de Josh Radnor (How I Met Your Mother) quien además protagoniza la cinta junto a Kate Mara, Zoe Kazan y Richard Jenkins. El filme tragicómico sigue los pasos de un escritor de la Gran Manzana que por azares el destino debe hacerse responsable de un pequeño, luego de que éste pierde a su madre en el subway. Aquí les dejo una probadita de la película, la cual ya se encuentra en estreno limitado en algunas ciudades de los Estados Unidos y pronto llegará a las pantallas de Seattle. Por cierto, el trailer me recordó demasiado a Garden State, cinta que curiosamente fue dirigida, escrita y protagonizada por otro comediante de sitcoms (Zach Braff) y que también tuvo su debut en este festival de cine hace 7 años.

También la Lluvia

2011-03-13T03:27:00.000-07:00

También la Lluvia es la más reciente producción cinematográfica de Icíar Bollaín, la cual fue seleccionada por España para representar al país en la pasada entrega de los premios Oscar, sin embargo no alcanzó a quedar entre las cinco nominadas a película de lengua extranjera. La cinta, con un reparto multinacional que incluye a Luis Tosar (Celda 211) y Gael García Bernal en los roles principales, narra la historia de un equipo de producción que viaja de España hasta Bolivia para filmar una película sobre la llegada de Cristóbal Colón a tierras americanas hace más de 500 años. Sin embargo, el rodaje enfrentará varios contratiempos cuando la gente del pequeño pueblo donde están filmando la cinta decide levantarse en contra del gobierno y de una compañía extranjera que se encarga de distribuir el agua a precios excesivos.

También la Lluvia es un ejercicio fílmico muy interesante. Por un lado, se presta para analizar desde el punto de vista de la realización y producción de una película ya que nos muestra la dinámica entre director, productor, guionista y los actores, así como los conflictos, decisiones y dilemas a los que se enfrenta el equipo. Mientras que por otra parte, la cinta mantiene un espíritu de crítica social apoyado en la mera ironía de la historia que se desarrolla. A final de cuenta, podemos constatar que 500 años después de la llegada de los españoles a América, las comunidades indígenas y más pobres de los países latinoamericanos siguen siendo explotadas y marginadas por gente tanto de su propio país, como de otras naciones.

Lo más irónico de todo es que conforme pasa el tiempo y la gente del equipo de filmación comienza a simpatizar con varias personas del pueblo, se dan cuenta de las razones de su lucha y de cómo sus derechos son injustamente pisoteados por otros ante la mirada insensible del mundo. Sin embargo, ¿con qué cara pueden éstos apoyar la causa si ellos mismos también viajaron hasta ese lugar con la finalidad de terminar las grabaciones bajo un presupuesto reducido, con la ayuda de mano de obra barata?

El único pero que le pongo al filme es el hecho que toca varios temas además de los mencionados anteriormente y siento que no se logran desarrollar cada uno al máximo. Fuera de ello, es una película interesante y muy bien realizada técnicamente, que además está aderezada por una magnífica actuación de Luis Tosar, cuyo personaje logra una catarsis al involucrarse de más con la gente del pueblo. Sin duda, También la Lluvia invita al análisis y a la reflexión sobre aquellas comunidades alejadas de las grandes sociedades que día a día siguen luchando por su supervivencia en un mundo injusto que cada vez continúa dejándolas al margen.

Calificación: *** 1/2

Red Riding Hood

2011-03-13T01:44:00.000-08:00

Justo apenas hace una semana Hollywood nos recetó la versión moderna del clásico La Bella y la Bestia convertido en filme juvenil (aka Beastly), y ahora le toca el turno al famoso cuento infantil Caperucita Roja de transformarse en una cinta llena de romance y suspenso dirigida al público adolescente. De la mano de Catherine Hardwicke (Thirteen, Twilight), Red Riding Hood recorre un territorio muy conocido ya por la audiencia y que resulta imposible no comparar con el anterior trabajo de la directora: la primera parte de la afamada saga de vampiros Twilight. Ambas películas son muy semejantes no solamente en su estilo, sino también en retratar un triángulo amoroso y en tratar a toda costa de generar una nueva franquicia que compita contra Bella, Edward y compañía, pero en esta ocasión de la mano de un estudio más grande como lo es Warner Brothers.

En Red Riding Hood, Valerie (Amanda Seyfried) vive junto a su familia en una pequeña comunidad medieval situada en medio del bosque. De pronto, la tranquilidad del pueblo se perturba cuando la hermana de Valerie pierde la vida al ser atacada por un misterioso lobo que lleva años aterrorizando a la aldea cada que hay luna llena. Es entonces cuando el pueblo recurre al padre Solomon (Gary Oldman) para ayudarles a encontrar a la bestia y acabar de una vez por todas con ésta. La búsqueda pronto apunta a Valerie como la principal sospechosa, luego de que ésta logra platicar con la criatura y varios testigos la delatan. A partir de ese momento, el filme se convierte en un whodunit aunque con muy pocas sorpresas y giros inesperados.

En cuestión de historia, la cinta no aporta nada nuevo. Es más, hace que Twilight parezca una joya literaria a su lado. Empezando por el pseudo triángulo amoroso que plantea la película que nadamás no termina de cuajar y al cual hay que añadirle lo gris que resultan ambos protagonistas masculinos, quienes básicamente le dejan todo el paquete del filme a Amanda Seyfried. No se si habrá sido la falta de experiencia, lo pobre del guión, una mala dirección o todas las anteriores, pero de entre los tres leads juveniles, solamente Seyfried logra un trabajo un poco más convincente.

Fuera de todo esto, la película mantiene un ritmo ágil sobretodo hacia el final y obviamente deja la posibilidad de una futura franquicia, aunque en lo personal lo veo como algo dudoso. No creo que Red Riding Hood vaya a tener el mismo alcance que Twilight y al menos en los Estados Unidos no la veo recaudando más de 100 millones de dólares. Habrá que ver cual es el comportamiento de la cinta a nivel internacional, donde yo le veo más futuro y ya después hablaremos sobre una segunda parte o no. En resumen, es una cinta para pasar el rato, con una historia trillada y con un reparto desangelado que se redime un poco gracias al carisma de su protagonista.

Calificación: **

Presunto Culpable y el efecto de la controversia

2011-03-09T13:46:00.000-08:00

Si, es bien sabido aquí y en cualquier lugar que mientras más se esmera el gobierno en prohibir y/o censurar algo, más aumenta el morbo y la controversia entre la población en general. Esto es lo que exactamente está sucediendo en México a raíz de que el gobierno haya solicitado la suspensión de la proyección del documental Presunto Culpable, el cual pone en evidencia las fallas del sistema judicial mexicano. ¿El argumento? Varias personas que aparecen en el filme no dieron su consentimiento para usar su imagen en la cinta y afirman que su vida está siendo afectada.

Desde hace 9 años no se había visto tanto revuelo alrededor de una cinta de manufactura mexicana. Fue en el verano del 2002 cuando El Crimen del Padre Amaro salía en cartelera y la iglesia inmediatamente comenzó una campaña para prohibir la exhibición del filme a nivel nacional. ¿El resultado? La gente desbordó las salas cinematográficas, convirtiéndola en la película mexicana más exitosa de todos los tiempos, título que aún posee a pesar de que ya pasó casi una década.

A lo que me refiero es que todas las noticias que han surgido esta semana en torno al documental y que si lo quitan, que si lo ponen, que si va en contra de la libertad de expresión, etc. es meramente publicidad gratuita para el filme. Ahora bien, falta esperar el fallo final, pero en caso de que regrese nuevamente a las pantallas, estoy seguro que Presunto Culpable se convertirá en todo un éxito del cine mexicano, una hazaña realmente sorprendente considerando el género de la cinta y en definitiva, un parteaguas muy importante para aquellos que se dedican a la realización de documentales. Muchos dirán que el cine es para entretenerse y pasar un rato agradable, pero a veces también es importante voltear a la realidad que presenta historias más interesantes que aquellas de ficción.

He aquí la lista de las 10 películas mexicanas más taquilleras a la fecha. Esperemos ver a Presunto Culpable ocupando uno de estos puestos muy pronto.

El Crimen del Padre Amaro
Una Película de Huevos
Rudo y Cursi
No Eres Tú, Soy Yo
Km 31
Sexo, Pudor y Lágrimas
Otra Película de Huevos
Y Tu Mamá También
La Misma Luna
Arráncame la Vida

La taquilla - 4 al 6 de marzo del 2011

2011-03-09T13:14:00.000-08:00

Estados Unidos: La cinta animada Rango se coronó como la favorita de la audiencia norteamericana, sumando un éxito más para el actor Johnny Depp, quien prestó su voz para el personaje principal de la cinta y quien es el principal atractivo del filme animado distribuido por Paramount Pictures. Otros dos estrenos ocuparon la segunda y tercera posición respectivamente: Matt Damon en el thriller The Adjustment Bureau y el filme juvenil Beastly, ambos con modestas recaudaciones. No hubo más sorpresas dentro del top 10 esta semana. Como era de esperarse, The King´s Speech, recién ganadora de 4 premios Oscar incluyendo Mejor Película, fue quien tuvo la más ligera caída este fin de semana, acumulando hasta la fecha un total de $123.5 millones de dólares. Con ello, la cinta se ha convertido en la más taquillera de The Weinstein Company, superando a Inglorious Bastards quien mantuvo este título por más de un año. El otro estreno del fin de semana resultó en un verdadero desastre, debutando apenas en el lugar número 11. Se trata de la comedia Take Me Home Tonight, protagonizada por Topher Grace y Anna Faris.

México: Rango también debutó como líder en México con un estreno decente, considerando que las cintas de corte animado suelen tener debuts más grandes. El otro estreno nacional del fin de semana fue Soy el Número Cuatro, la cual se colocó en quinto lugar con una recaudación nada prometedora. En su tercer semana de exhibición, el documental mexicano Presunto Culpable avanzó hasta la segunda posición para recaudar $17 millones, con un total de $43m hasta la fecha. Habrá que ver cómo las noticias de esta semana en relación a la censura y su salida de la cartelera impactarán la recaudación final. Si la cinta regresa a exhibición, es muy probable que sobrepase los $100 millones de pesos y se coloque como una de las diez cintas mexicanas más taquilleras en la historia. El thriller El Rito se unió al century club este fin de semana al recaudar un sorprendente total de $102 millones en su corrida nacional. Sin lugar a dudas el revuelo en torno al Juay de Rito aumentó el interés de la audiencia en el filme de Hopkins. La ganadora del Oscar El Discurso del Rey continuó debajo del top 5 y habrá que ver como enfrenta la prueba del tiempo, mientras que El Cisne Negro está a poco de sobrepasar la barrera de los cien y convertirse en un blockbuster en tierras aztecas.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Rango - $38.1m - 1 semana - $38.1m
The Adjustment Bureau - $21.1m - 1 semana - $21.1m
Beastly - $9.8m - 1 semana - $9.8m
Hall Pass - $8.8m - 2 semanas - $26.8m
Gnomeo and Juliet - $7.2m - 4 semanas - $84m
Unknown - $6.5m - 3 semanas - $53m
Just Go With It - $6.4m - 4 semanas - $88.1m
The King´s Speech - $6.2m - 15 semanas - $123.5m
I Am Number Four - $5.7m - 3 semanas - $46.5m
Justin Bieber: Never Say Never - $4.3m - 4 semanas - $68.8m

México
(en millones de pesos)
Fuente: Canacine

Rango - $31.9m - 1 semana - $31.9m
Presunto Culpable - $17.3m - 3 semanas - $43.3m
El Rito (The Rite) - $13.9m - 3 semanas - $102.2m
Mi Abuela es un Peligro 3 (Big Momma´s House 3) - $8.2m - 2 semanas - $27.1m
Soy el Número Cuatro (I Am Number Four) - $7.9m - 1 semana - $7.9m
El Cisne Negro (Black Swan) - $7.1m - 6 semanas - $87.5m
El Discurso del Rey (The King´s Speech) - $6.1m - 3 semanas - $22.7m
Amigos con Derechos (No Strings Attached) - $6m - 2 semanas - $20.3m
Una Esposa de Mentira (Just Go With It) - $4.9m - 4 semanas - $78.6m
Sanctum - $3.8m - 2 semanas - $14.2m

Beastly

2011-03-05T19:01:00.000-08:00

Baby, you were born this way

No se que sea peor: el hecho que Beastly sea mi primer película oficial del 2011, o que haya acabado viendo un filme cuyo target audience está compuesto por pubertas de la generación de los Justin Biebers, Hannah Montanas y High School Musicals. Vaya, ni siquiera los desangelados promocionales fueron suficientes para evitar que comprara mi boleto en taquilla.

Beastly es la disque adaptación moderna del clásico de La Bella y la Bestia, cuyo mensaje principal es enseñar a los jóvenes de la generación Facebook que el ser popular y guapo no es lo más importante en la vida, sino lo que llevas por dentro. Obviamente, la moraleja se pierde entre tanto cliché, diálogo forzado y situaciones inverosímiles, propias de una serie de televisión juvenil.

Vanessa Hudgens, egresada de la casa de Mickey Mouse y protagonista de la afamada saga High School Musical, es quien más sobresale en el filme y eso ya es mucho decir, puesto que a la joven actriz aún le falta demasiada preparación. Sin embargo, junto al golden boy Alex Pettyfer, ésta pareciera dar cátedras de actuación. Pettyfer, quien recientemente apareció como protagonista de la cinta I Am Number Four, parece ser el galán juvenil de moda, tratando de ganarle el terreno a Pattinson y Efron, sin embargo éste es aún más acartonado que los otros dos ídolos juveniles. Neil Patrick Harris complementa el reparto como el comic relief, interpretando a un invidente con ciertos toques de Barney en How I Met Your Mother.

Pese a lo trillado y predecible de su historia, Beastly logra mantener un ritmo un tanto ágil y por lo menos resulta entretenida, aunque obviamente no aporta nada nuevo al género. La cinta es entretenimiento mindless que bien pudo haber funcionado como serie televisiva en el canal CW o como filme directo a video.

Calificación: * 1/2

La taquilla - 27 al 29 de Agosto del 2010

2010-09-04T21:57:00.000-07:00

Este fin de semana en los Estados Unidos, los estrenos Takers y The Last Exorcism quedaron casi empatados en primer sitio, de no ser por la mínima diferencia de 200 mil dólares que le dio la ventaja a la cinta de acción protagonizada por Paul Walker ante el pseudo-documental que gira en torno a un acto de exorcismo. El otro estreno (o re-estreno) del fin de semana fue Avatar: Special Edition, la cual regresó con más minutos de duración para satisfacer a los fans de hueso colorado. El regreso no fue extraordinario, pero aún asi la saga ultra-taquillera de ciencia ficción dirigida por James Cameron logró recaudar poco más de 4 millones de dólares.

Mientras tanto en México, el estreno de El Último Maestro del Aire acaparó las primeras dos posiciones con su proyección en 2D y 3D. En total, el filme dirigido por M. Night Shyamalan acumuló 75 millones de pesos. Los otros dos ingresos al top 10 se trataron de dos filmes mexicanos que fueron recibidos por el público con diferentes resultados. La comedia romántica No Eres Tú, Soy Yo protagonizada por Eugenio Derbez tuvo un buen desempeño al recaudar 29.8 millones de pesos y se perfila para convertirse en la película mexicana más taquillera del 2010. Por otra parte, el filme histórico titulado El Atentado, el cual recibió buenos comentarios por parte de la crítica especializada y que gira en torno al supuesto complot para asesinar al ex-presidente mexicano Porfirio Diaz, pasó sin pena ni gloria por las pantallas mexicanas, alcanzando 5 millones de pesos. El performance tan pobre de esta cinta podría deberse a la falta de un elenco que sea capaz de arrastrar a la audiencia mexicana al cine y apoyar productos nacionales, sin embargo, los resultados obtenidos dejan un futuro incierto para los otros filmes de corte histórico, centrados en los movimientos de Independencia y Revolución, que están a punto de ser lanzados al mercado en las próximas semanas por motivo de los festejos del bicentenario.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Takers - $20.5m - 1 semana - $20.5m
The Last Exorcism - $20.3m - 1 semana - $20.3m
The Expendables - $9.5m - 3 semanas - $82m
Eat Pray Love - $6.8m - 3 semanas - $60.5m
The Other Guys - $6.3m - 4 semanas - $99m
Vampires Suck - $5.2m - 2 semanas - $27.8m
Inception - $4.9m - 7 semanas - $270.5m
Nanny McPhee Returns - $4.7m - 2 semanas - $17m
The Switch - $4.6m - 2 semanas - $16.4m
Piranha 3D - $4.3m - 2 semanas - $18.3m

México
(en millones de pesos)
Fuente: Canacine

El Último Maestro del Aire 3D - $40.2m - 1 semana - $40.2m
El Último Maestro del Aire 2D - $35.1m - 1 semana - $35.1m
No Eres Tú Soy Yo - $29.8m - 1 semana - $29.8m
Depredadores - $8.2m - 2 semanas - $27.9m
Mi Villano Favorito - $7.6m - 5 semanas - $147.5m
Los Indestructibles - $6.5m - 3 semanas - $39m
El Origen - $5.9m - 6 semanas - $106m
El Atentado - $5.2m - 1 semana - $5.2m
El Aprendiz de Brujo - $4.6m - 5 semanas - $121.6m
Como Perros y Gatos 2 - $4.6m - 2 semanas - $33.6m

La taquilla - 5 al 7 de Marzo del 2010

2010-03-09T23:52:00.000-08:00

Tanto en México como en Estados Unidos, el duo de Tim Burton y Johnny Depp acapararon la taquilla el pasado fin de semana con la cinta "Alicia en el País de las Maravillas". En los Estados Unidos, el estreno generó $116.1 millones de dólares, un record para una cinta que no se considera secuela en sí y que no debutó durante periodo vacacional. Gran parte del ingreso se debió al costo extra por ver la cinta en formato de tercera dimensión y en pantalla IMAX. Sin embargo, en México la historia fue un tanto distinta. A pesar de que Alicia recaudó $95.8 millones de pesos en total, únicamente el 25% del ingreso se debió a funciones IMAX y en 3D. Aún así, no cabe duda que el estreno fue más que maravilloso en la República Mexicana, quedando confirmado el arrastre que tiene Johnny Depp para atraer a la audiencia.

Estados Unidos
(en millones de dólares)
Fuente: Box Office Mojo

Alice in Wonderland - $116.1M - 1 semana - $116.1M
Brooklyn´s Finest - $13.3M - 1 semana - $13.3M
Shutter Island - $13.2M - 3 semanas - $95.7M
Cop Out - $9.3M - 2 semanas - $32.5M
Avatar - $8.1M - 12 semanas - $720.6M
The Crazies - $7.1M - 2 semanas - $27.5M
Percy Jackson - $5.1M - 4 semanas - $78.1M
Valentine's Day - $4.1M - 4 semanas - $106.3M
Crazy Heart - $3.3M - 12 semanas - $29.5M
Dear John - $2.7M - 5 semanas - $76.6M

México
(en millones de pesos)
Fuente: Canacine

Alicia en el País de las Maravillas 2D - $72.5M - 1 semana - $72.5M
Alicia en el País de las Maravillas 3D - $21.6M - 1 semana - $21.6M
Al Filo de la Oscuridad (Edge of Darkness) - $7.6M - 2 semanas - $26.1M
El Hombre Lobo (The Wolfman) - $6.3M - 4 semanas - $126.9M
Percy Jackson - $3.7M - 4 semanas - $68.5M
Desde mi Cielo (The Lovely Bones) - $3.2M - 3 semanas - $26.3M
Avatar 2D - $2.1M - 12 semanas - $285.3M
El Libro de los Secretos (The Book of Eli) - $1.8M - 6 semanas - $43.5M
Alicia en el País de las Maravillas IMAX 3D - $1.7M - 1 semana - $1.7M
Preciosa (Precious) - $1.5M - 1 semana - $1.5M

Lo bueno, lo malo y lo feo de la 82 Entrega de los Oscares

2010-03-08T01:19:00.000-08:00

Fue hace 15 años cuando vi por primera vez la entrega de los premios de la Academia. En aquel año, 1995, "Forrest Gump" se coronaba como el favorito sobre cintas como "Tiempos Violentos" y "Sueño de Fuga". Todo era nuevo para mi en ese entonces: ver desfilar a las luminarias de Hollywood sobre la alfombra roja, escuchar los discursos de aceptacíón de los ganadores, tratar de adivinar el favorito a llevarse la estatuilla dorada, etc. Desde ese primer momento supe que sería el inicio de algo, sin imaginarme que 15 años después estaría aqui, frente a mi computadora, escribiendo acerca de la entrega número 82 de los Oscares, reviviendo los momentos más importantes de un evento que año tras año he ido seguido religiosamente.

Éste fue el año de "Zona de Miedo" (The Hurt Locker), cinta de bajo presupuesto y con un estreno limitado en cartelera, que pese a tener muchos factores en su contra logró llevarse un total de seis preseas de las nueve a las cuales se encontraba nominada. Todo un logro para este modesto filme, considerando que este año la Academia expandió el número de nominadas a mejor película de cinco a diez y que de entre sus rivales, "Zona de Miedo" era la película con menos entradas de cine vendidas. A eso súmele la competencia contra la película más exitosa de todos los tiempos (Avatar) y verá cómo lo que sucedió esta noche fue un asombroso triunfo.

Aunado a ello, la directora Kathryn Bigelow se convirtió en la primer mujer en llevarse la estatuilla a Mejor Director. Me recordó demasiado a la entrega donde Denzel Washington y Halle Berry ganaron los principales premios de actuación y de paso, hicieron historia en los libros de la Academia. Algo similar ocurrió esta noche cuando Bigelow subió al estrado y recibió el Oscar de manos de Barbara Streisand.

Pero bueno, a lo que te truje chencha. Aqui les dejo un breve recuento de lo bueno, lo malo y lo feo de esta entrega de los Oscares. Espero la disfruten.

Lo bueno

El triunfo de "The Hurt Locker" sobre "Avatar". ¿En realidad es "The Hurt Locker" la mejor película del año? Es posible que no, pero lo que si es un hecho es que se encuentra en un nivel superior a "Avatar". Si, todos sabemos que "Avatar" ha revolucionado tanto la forma de hacer cine, como la experiencia de ir al cine y ver una cinta, pero eso no significa que debamos pasar por alto lo poco original de su historia, las débiles actuaciones, etc. Me agrada que la Academia no se haya ido por el voto popular o haya elegido la película que ha recaudado miles de millones de dólares alrededor del mundo, sino que en su lugar haya premiado a un filme con más substancia.
Los dos premios de actuación de soporte fueron bien merecidos. Tanto Christoph Waltz como Mo'Nique se colocaron como las favoritos desde que inició la temporada de premios y me da mucho gusto que ambos hayan obtenido el mayor reconocimiento de la industria de Hollywood. Ambos actores fueron quienes se robaron cada escena de "Bastardos sin Gloria" y "Preciosa" respectivamente.
"Avatar" ganó lo que tenía que ganar: las categorías técnicas. Ahí si, no le discuto a absolutamente nadie que la aventura de Pandora es merecedora de los premios a fotografía, dirección de arte y efectos especiales.
No hubo entrega de premio honorario, ni números musicales de las melodías nominadas a Mejor Canción.
El triunfo de "El Secreto de sus Ojos" de Argentina a Mejor Película Extranjera sobre las favoritas "Un Profeta" de Francia y "El Listón Blanco" de Alemania. Ahora sólo falta que Sony Classics la distribuya, por favor.
El mejor discurso de aceptación fue sin duda alguna el de Mo'Nique, agradeciendo a la Academia por fijarse en su actuación y no otorgar el premio por políticas.
El mejor atuendo de la noche fue, para mi gusto, el de Rachel McAdams.
El momento más cómico de la noche fue ver a Ben Stiller transformado en Avatar.
La mejor presentación de los actores nominados fue la de Oprah Winfrey que habló acerca de Gabourey Sidibe. Debo confesar que me hizo llorar. Tal vez la compración con Meryl Streep fue un tanto exagerada por parte de Oprah, pero el hecho de que Gabby haya llegado hasta ahí después de ser una completa desconocida, es algo digno de admiración.

Lo malo

¿Soy yo o este año muchas celebridades estuvieron ausentes en la entrega? Por lo general, cada año vemos a Brad Pitt, Angelina Jolie, Steven Spielberg, George Lucas, Martin Scorsese, Jack Nicholson, etc. Pero este año, muchos actores, actrices y directores brillaron por su ausencia.
El premio de Mejor Actriz Protagónica para Sandra Bullock. ¿En serio, Academia? Me recordó demasiado a la entrega en la cual Julia Roberts le arrebató la estatuilla a Ellen Burstyn por "Requiem por un Sueño". Puedo entender que Roberts se encontraba en un momento clave de su carrera, pero ¡¿Sandra Bullock?! ¿La misma que en el 2009 nos recetó dos bodrios llamados "The Proposal" y "All About Steve"? Definitivamente no es un premio para reconocer la brillante carrera de Bullock porque no lo es así y en mi opinión personal, su actuación era la más débil de las cinco actrices nominadas.
La referencia a Meryl Streep cada 10 minutos. Si, Meryl Streep es una de las mejores actrices de su generación, pero no por ello tienes que estar nombrándola cada 10 minutos. ¿Será acaso que los escritores se quedaron sin ideas para el show?
La burla hacia "Avatar". Así como cada 10 minutos alguien hablaba sobre la Streep, alguien también se burlaba de James Cameron, de "Avatar", de la tecnología utilizada en la cinta, etc. Al principio era un tanto gracioso, pero después se fue convirtiendo en algo tortuoso.
Y hablando de tortuoso, que HORRIBLE (si, así con mayúsculas) estuvo el número musical de las nominadas a Mejor Score Original. ¿Breakdancing al ritmo de la música incidental de "The Hurt Locker"? You gotta be kidding me!
"Up in the Air" se fue con las manos vacías. Yo creo que la película merecía, de perdido, el premio a Mejor Guión Adaptado.
El peor discurso de la noche fue el de Sandy Powell, quien ganó el premio a Mejor Vestuario por "The Young Victoria". Primero presumió que era la tercera ocasión que ganaba un Oscar, después intentó defender el trabajo de sus colegas en filmes independientes y que no son de época para finalmente rematar diciendo "pero bueno, este premio es mío y no de ustedes". Amiga, puedes llevarte tu arrogancia a otro lado, por favor.
El peor atuendo de la noche es un empate entre Miley Cyrus (que la hacía verse aún mas vulgar) y el de Vera Farmiga. Amo a Vera pero ese vestido nadamás no.
El spoiler de "An Education" que se aventó Peter Saarsgard al felicitar a Carey Mulligan. En pocas palabras, Peter le arruinó la película a todas aquellas personas que aún no la han visto. Gracias Peter!

Lo feo

La conducción de Alec Baldwin y Steve Martin fue malísima. Aburridos, fuera de tono, chistes sin gracia, etc. La audiencia se sentía incómoda y tensa durante el inicio de la entrega cuando ambos comediantes empezaron a lanzar chistes y burlas contra ellos.
El pelo de Sarah Jessica Parker. ¡No es posible que nadie le haya dicho a SJP que andaba toda despeinada! Al parecer estuvo lloviendo previo a la ceremonia y es probable que el pelo se le freezeo, pero aún así, ¿una arregladita, no?
Los famosos mascando chicle. ¿Alguien alcanzó a ver a nuestra querida Sarah Jessica Parker en una toma super breve mascando chicle? Carrie Bradshaw perdió todo el glamour en ese frame. Y eso no fue todo, Sam Worthington subió al escenario a presentar un premio mientras masticaba chicle.
John Travolta usando jeans. Supongo que no leyó la invitación donde decía que había que vestir formal.
La presentación del nominado Jeremy Renner en manos de nada más y nada menos que del coágulo Colin Farrell. En lugar de enfocarse en los logros de Renner en "The Hurt Locker", Farrell se pone a recordar las vacaciones que se tomaron en México que no hacen más que avergonzar al pobre de Jeremy. ¡Eso le pasa por elegir a Colin para que lo presente!
El acelerado anuncio de la Mejor Película. Apenas esperaba el recuento de las diez películas nominadas al premio cuando Tom Hanks abrió el sobre y dijo que "The Hurt Locker" era la gran triunfadora de la noche. Todo pasó tan rápido que por un momento creí que estaba bromeando y no fue sino hasta después de varios segundos que mi cerebro procesó toda la información. Supongo que ya tenían poco tiempo en la emisión y no quiso hacer el show más largo.
¿Qué onda con la generación joven de Hollywood? Entiendo que los hayan invitado para atraer a la audiencia juvenil, pero tanto Miley Cyrus como Kristen Stewart estuvieron fatales como presentadoras. De Miley no esperaba demasiado y no le bastó con lucir nerviosa, sino que hasta se atrevió a decirlo frente a todo mundo. Mientras que Kristen aprovechó para toser y aclarar su garganta un par de veces frente al micrófono. De perdido Taylor Lautner lució un poco más cómodo y natural.

A Secret

2009-07-27T00:12:00.000-07:00

A Secret es un drama de producción francesa que nos presenta la vida de Francois en tres diferentes etapas de su vida y sin seguir un estricto orden cronológico. Desde pequeño, Francois sintió el rechazo de su padre sin entender el porqué. Con el paso del tiempo, Francois va descubriendo los secretos que ha guardado su familia y que le dan las pistas para entender el comportamiento de sus padres ante ciertas circunstancias. Todo lo anterior ligado al drama por el que atravesaron los judíos en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Pese a que la cinta cuenta con actores de renombre en su elenco y algunas de las actuaciones merecen distinción, la película termina por perderse en gran parte a su lento ritmo, le falta dramatismo y emoción y el desarollo de la historia en orden no lineal resulta un tanto contraproducente.

Un secret, 2007

Dirige: Claude Miller

Con: Cecile De France, Patrick Bruel y Ludivine Sagnier

Gran Torino

2009-07-26T23:49:00.000-07:00

Gran Torino no solamente nos da el lujo de ver a una gran leyenda del cine, como lo es Clint Eastwood, actuando y dirigiendo, sino que también evoca un cierto aire de nostalgia por aquellas cintas americanas que lograron convertirse en clásicos. Obviamente no estoy diciendo que Gran Torino sea un clásico del cine americano, ni que vaya a serlo, sino que simplemente cumple con ciertos elementos de la fórmula de algunos filmes que hicieron que actores tales como Eastwood saltaran a la fama hace ya algunos (...muchos) años. Gran Torino nos demuestra que Clint, a sus casi 80 años, aún no ha perdido su mojo y en lo personal, creo que está en un momento muy importante de su carrera. Al menos sus dos últimos filmes, éste y Changeling, gozan de producciones impecables y de historias interesantes. En esta ocasión, Eastwood interpreta a un racista veterano de guerra que se convertirá en el ejemplo a seguir de su vecino, un joven de origen chino que es constantemente atacado por una pandilla. Ciertamente la película no ofrece nada nuevo y de hecho, algunas actuaciones del elenco son malísimas, pero la forma en como el mensaje se presenta y la simple presencia de Clint en pantalla, son motivos suficientes para disfrutar esta historia de redención.

Gran Torino, 2008
Dirige: Clint Eastwood
Con: Clint Eastwood y Bee Vang

Two Lovers

2009-07-26T22:57:00.000-07:00

Two Lovers es la más reciente colaboración entre el director James Gray y Joaquin Phoenix (The Yards, We Own the Night) que nuevamente vuelve a tomar a la ciudad de Nueva York como fondo para el desarrollo de la historia. Sin embargo, en esta ocasión se trata de una historia de amor... y también de desamor. Phoenix ofrece una sólida actuación como Lenny, un hombre que tras el abandono de su prometida se ha refugiado en casa de sus padres, trabajando en el negocio familiar y dejando atrás su pasión por la fotografía. Sin embargo, su vida empezará a cambiar cuando dos mujeres (Gwyneth Paltrow y Vinessa Shaw) aparezcan en su camino y hagan que Lenny enfrente a los fantasmas del pasado que lo han privado de volver a enamorarse. Two Lovers es un relato acerca del amor desde una perspectiva un poco más adulta y realista y sin el típico toque hollywoodense que suele idealizar el amor con frecuencia. Lo que de plano no me gustó en lo absoluto fue la desabrida y forzada actuación de la Paltrow (y pensar que es una "Academy Award Winner"). Vinessa Shaw, quien siendo una completa desconocida, le da una arrastrada en cuestión histriónica.

Two Lovers, 2008
Dirige: James Gray
Con: Joaquin Phoenix, Gywneth Paltrow y Vinessa Shaw

The Hurt Locker

2009-07-26T22:31:00.000-07:00

War is a drug. Con dicha frase da inicio The Hurt Locker, una cinta que desde la primer secuencia es capaz de tenerte al filo de la butaca y con el ritmo cardiaco a mil. La película nos lleva hasta Irak para presentarnos la vida de un grupo de soldados, cuyo trabajo es realmente sorprendente y extremadamente peligroso: su misión consiste en desarmar bombas antes de que éstas exploten ocasionando la muerte de soldados y civiles.

A diferencia de otros filmes bélicos que se centran en el conflicto de Irak, que terminan por cargar un mensaje ya sea pro o anti guerra, The Hurt Locker es totalmente imparcial y vaya que esa es una gran cualidad de la película. En lugar de tomarse dos horas para explicarnos el porque la guerra es buena o mala, la cinta se adentra en la vida de tres soldados y en la repercusión que el movimiento armado ha tenido en ellos. Magistralmente dirigida y encabezada por la excelente actuación de Jeremy Renner, The Hurt Locker no solamente es una gran aportación al género de cintas bélicas, sino que también se perfila para ser una de las mejores obras del 2009.

The Hurt Locker, 2008
Dirige: Kathryn Bigelow
Con: Jeremy Renner, Guy Pierce y Ralph Fiennes

Fireproof

2009-07-18T14:35:00.003-07:00

Es un hecho que el matrimonio no está hecho a prueba de fuego, por lo que es posible que alguna situación o problemática logre encender una pequeña chispa que termine por reducir a cenizas los recuerdos y vivencias de la pareja. La vida conyugal estará llena de incendios, unos podrán ser pequeños, mientras otros quizás sean de grandes magnitudes, pero siempre existirá la posibilidad de enfrentar el siniestro con valor, tomando un extinguidor y sofocando las llamas. Sin embargo, hay ocasiones en que muchas personas prefieren dejar que el fuego salga de control, tal vez por miedo a salir lastimadas del incidente o por que saben que la tarea de apagar un incendio no es nada fácil y requiere de tiempo y paciencia.

Entre tanta cinta de Hollywood que explora problemas maritales y divorcios, Fireproof sobresale de las demás, pese a no ser una cinta de gran presupuesto, por el simple hecho de que se enfoca a tratar de salvar un matrimonio en base al amor y al perdón. El filme de corte cristiano gira en torno a una pareja cuya relación se ha ido deteriorando a lo largo de 7 años, hasta llegar al punto donde ambos están de acuerdo en divorciarse. Sin embargo, el padre del joven le propone realizar un "reto de amor" durante 40 días para que éste se de cuenta de sus errores y logre cambiar su forma de ser con la finalidad de que no destruya su matrimonio.

Fireproof logra transmitir de manera efectiva su mensaje - pese a que por momentos la cinta es manipuladora y algunos de sus mensajes cristianos se ven demasiado forzados -. La película es un drama entretenido y a la vez conmovedor. En su contra, la película no logra quitarse el sello "Lifetime", dejando en evidencia las obvias fallas de producción, dirección y las malas actuaciones por parte de un elenco de actores desconocidos (a excepción de Kirk Cameron, a quien recuerden por la serie de televisión de los años ochentas Growing Pains, quien ofrece una actuación regular). Fuera de eso, Fireproof es un drama que pese a sus defectos, tiene el potencial de tocar corazones y cambiar vidas, sin importar la fe de cada espectador.

Fireproof, 2008
Dirige: Alex Kendrick
Con: Kirk Cameron y Erin Bethea

Bruno

2009-07-18T14:35:00.001-07:00

Hace 3 años, el comediante Sacha Baron Cohen tomó al mundo por sorpresa con el humor irreverente y políticamente incorrecto de su personaje Borat en la cinta homónima. Tal película no solo logró poner en el mapa a Cohen dentro del mundo artístico a nivel mundial, sino que también se convirtió en un gran suceso dentro de la cultura popular de los Estados Unidos. La modesta producción que costó 18 millones de dolares alcanzó el estátus de éxito taquillero al recaudar más de 260 milliones de dolares en admisiones alrededor del mundo.

Y sin pensarlo dos veces, el cómico vuelve a ser nuevamente el centro de atención y críticas al personificar a Bruno, un personaje que ya había sido presentado anteriormente en su programa de televisión Da Ali G Show. Bruno es un afeminado conductor de televisión de origen austriaco, que gusta de estar a la moda y sueña en convertirse en toda una celebridad. Sin embargo, el destino lo llevará hasta los Estados Unidos, donde no solamente se dará cuenta del precio que debe pagar por obtener la fama, sino que también se enfrentará a una sociedad que no lo acepta tal como es.

Pese a que Bruno sigue el mismo estilo de mockumentary como Borat, en esta ocasión la fórmula no resulta tan atractiva y original como hace 3 años. Si, el humor pesado de Sacha Baron Cohen está presente en cada minuto de la cinta y arremete contra quien se le ponga en su camino, desde celebridades hasta políticos. Estados Unidos nuevamente vuelve a ser el blanco del escrutinio de Cohen al presentar a una sociedad homofóbica que rechaza los actos que realiza su personaje Bruno, dejando en claro el gap que existe en la sociedad americana: mientras unos luchan por legalizar las uniones de personas del mismo sexo en varios estados de la nación, otros aún no observar la homosexualidad como algo aceptable.

Es muy probable que Bruno te arranque más de una carcajada y también es muy probable que te arranque más de un "oh my gosh" por su alto contenido explícito. Sin embargo, a nivel de contenido la película se queda corta y algunas escenas se ven muy actuadas y preparadas, cosa que no pasaba en Borat. La pregunta final es: será Bruno un suceso cultural, tal como lo fue Borat en el 2006? Mi respuesta es: no lo creo. Y sin lugar a duda, Sacha Baron Cohen tendrá que renovar la fórmula para su siguiente cinta (aún sin definir hasta donde tengo entendido), puesto que ya empieza a mostrar signos de agotamiento.

Bruno, 2009
Dirige: Larry Charles
Con: Sacha Baron Cohen

Moon

2009-07-18T14:29:00.000-07:00

Moon marca el debut del escritor y director Duncan Jones y vaya manera de hacerlo. El género de la ciencia ficción no es de mis favoritos, aunque debo aceptar que cuando veo una sinopsis que me llama la atención, inmediatamente corro a verla. Si mal no recuerdo, creo que la última cinta de este género que disfruté ampliamente fue Sunshine: Alerta Solar, del ahora ganador del Oscar Danny Boyle. Esta ocasión, la experiencia fue distinta: llegué al cine sin saber un solo detalle de la historia, lo cual siempre es un arma de dos filos: puede que te lleves una gran sorpresa o puede que no sea el tipo de película que querias ir a ver.

Situada en una base espacial sobre la superficie lunar, la cinta nos presenta a Sam Bell (Sam Rockwell, tour de force), un astronauta que trabaja para una empresa que se dedica a obtener energía de la Luna con la finalidad de continuar abasteciendo la alta demanda de energía en nuestro planeta. Después de casi 3 años de vivir completamente aislado en la base y sin contacto humano alguno, la única fuerza que lo motiva a continuar trabajando es el anhelo de regresar a la Tierra al término de su contato laboral por 3 años, para estar junto a su esposa y a su pequeña hija. Sin embargo, puede que sea demasiado tarde para volver.

No solo la salud física de Sam ha comenzado a empeorar sin motivo aparente, sino que también ha empezado a sufrir de alucinaciones, al grado que se ve envuelto en un accidente que casi le cuesta la vida. Al despertar del coma producto del accidente que sufrió, Sam siente que hay algo que no anda bien y descubre que él no es la única persona en la base, sino que existe otro él (otro Sam). Será una alucinación? Quién es en realidad el otro Sam? Será un clon?

Con un excelente guión que nos sumerge en una atmósfera de aislamiento y con la perfecta musicalización de Clint Mansell (Requiem for a Dream), poco a poco la historia va abriendo camino a un clímax de infarto que logra tenerte al filo de la butaca e intentando descubrir los misterios que guarda el personaje principal. Gran parte del trabajo se lo debemos también a Sam Rockwell y a su perfecta interpretación. El toque cómico de la película lo aporta la computadora GERTY (con la voz de Kevin Spacey), quien se encarga de mantener la calma en la base lunar.

De lo mejor que he visto en lo que va del año, Moon es una gran aportación al género de la ciencia ficción (incluso ha sido comparada con 2001: La Odisea del Espacio de Kubrick) y no lo dudaría en que se convierta en un clásico de culto y del cine independiente una vez que se estrene en video y televisión.

Moon, 2009
Dirige: Duncan Jones
Con: Sam Rockwell y Kevin Spacey

Mini Reviews: Sunshine Cleaning, The Good Night, Watchmen y The Class

2009-03-22T01:04:00.001-07:00

Sunshine Cleaning
Dirige: Christine Jeffs
Con: Amy Adams, Emily Blunt y Alan Arkin
Resulta casi imposible dejar de comparar esta cinta contra Little Miss Sunshine, puesto que existen muchas similitudes entre ambas, desde el Sunshine que ambos títulos comparten, hasta la participación de Alan Arkin. Sin embargo, ya en detalle, ambas películas son totalmente diferentes. Amy Adams interpreta a Rose, una madre soltera que junto a su floja hermana Norah (Emily Blunt) se dedican a limpiar casas donde han ocurrido crímenes o suicidios. Obviamente no es una tarea fácil y la cosa se complica gracias a las diferencias que existen entre ambas hermanas. Pese a tener buenas actuaciones por parte de su elenco, el guión deja mucho que desear. Hay personajes que jamás se definen por completo, muchas historias no se desarrollan adecuadamente y al final quedan muchas ideas al aire sin atar. Amy Adams maravillosa como siempre, pero es Emily Blunt quien se roba el filme. A pesar de sus defectos, es una cinta entretenida, con momentos cómicos y conmovedores.
CINERAMA: ***

The Good Night
Dirige: Jake Paltrow
Con: Penelope Cruz, Martin Freeman, Gwyneth Paltrow y Danny DeVito
Honestamente mis expectativas eran nulas antes de comenzar a ver la película y sorpresivamente, debo decir que la cinta logró atraparme. No es una excelente película pero resulta entretenida y logra mantener tu atención a lo largo de los casi 90 minutos de duración. La película nos presenta la monótona vida de Gary como compositor de música para comerciales. Por el día va al trabajo y por la noche, termina discutiendo con su mujer y dándole las buenas noches antes de dormir. Sin embargo, la vida de Gary comienza a cambiar cuando en su sueños conoce a Anna (Penélope Cruz, lo mejor de la cinta) y él se enamora de ella. Pronto, Gary parece obsesionarse con esta mujer misteriosa, tanto que empieza a involucrarse cada vez más en sus fantasías, olvidando la realidad que le rodea.

CINERAMA: **

Watchmen
Dirige: Zack Snyder
Con: Billy Crudup, Patrick Wilson y Jackie Earle Haley
De casi tres horas de duración, Watchmen se convirtió en una de las experiencias fílmicas más tortuosas que he tenido. Fui a ver la película como una persona que no ha leído el comic en el cual se basa el filme, y el resultado fue decepcionante. Las primeras dos horas sirven para introducir a casi todos los personajes de la cinta, de una manera tediosa (como si lo trataran de hacer a propósito) y las escenas de acción son mínimas. Ya para la tercera y última parte de la película, la historia da inicio y justo cuando la película empieza a agarrar un poco de vuelo, resulta que es hora de terminar. Lo único rescatable es la producción, aunque visualmente el filme no ofrece nada nuevo. Veredicto final: Watchmen peca de pretenciosa y es demasiado aburrida para ser un filme de acción y del género de superhéroes.

CINERAMA: *

The Class
Dirige: Laurent Cantet
Con: Francois Begaudeau
Representante de Francia en la pasada entrega de los Premios de la Academia, The Class es un honesto retrato, que casi pareciera un documental, acerca de la relación entre maestro/alumno en una institución pública de este país europeo. Lo que hace única a la película es que se aparta de los típicos clichés del género. The Class no es la historia de cómo un maestro logró cambiar la vida de los alumnos y viceversa. Al contrario, termina siendo un frío análisis sobre un obsoleto sistema educativo que necesita adaptarse a los moldes de una nueva sociedad francesa y de cómo los maestros deben lidiar por ellos mismos con este inminente problema. The Class es un filme que con todo y su ritmo lento va atrapándonos poco a poco hasta hacernos sentir parte del entorno donde se desarrolla la historia.

CINERAMA: *** 1/2

Ganadores de los premios Cinerama 2008

2009-01-25T15:59:00.000-08:00

Ganardores de los premios Cinerama 2008 en las 25 categorías de este año. Incluí además el runner-up en cada una de las categorías. Las películas Slumdog Millionaire, The Edge of Heaven y Happy Go Lucky obtuvieron tres premios cada una, mientras que las cintas Revolutionary Road, The Dark Knight y The Curious Case of Benjamin Button se llevaron dos premios.

Mejor Película - Drama
Slumdog Millionaire
runner-up: The Edge of Heaven

Mejor Película - Comedia/Musical
Happy Go Lucky
runner-up: Vicky Cristina Barcelona

Mejor Actor Protagónico - Drama
Sean Penn - Milk
runner-up: Leonardo DiCaprio - Revolutionary Road

Mejor Actor Protagónico - Comedia/Musical
Louis Garrel - Love Songs
runner-up: Colin Farrell - In Bruges

Mejor Actriz Protagónica - Drama
Kate Winslet - Revolutionary Road
runner-up: Kate Winslet - The Reader

Mejor Actriz Protagónica - Comedia/Musical
Sally Hawkins - Happy Go Lucky
runner-up: Frances McDormand - Burn After Reading

Mejor Actor Secundario - Drama
Heath Ledger - The Dark Knight
runner-up: Vlad Ivanov - 4 Months, 3 Weeks and 2 Days

Mejor Actor Secundario - Comedia/Musical
Eddie Marsan - Happy Go Lucky
runner-up: Brad Pitt - Burn After Reading

Mejor Actriz Secundaria - Drama
Hanna Schygulla - The Edge of Heaven
runner-up: Hafsia Herzi - The Secret of the Grain

Mejor Actriz Secundaria - Comedia/Musical
Penélope Cruz - Vicky Cristina Barcelona
runner-up: Chiara Mastroianni - Love Songs

Mejor Director
Faith Akin - The Edge of Heaven
runner-up: Danny Boyle - Slumdog Millionaire

Mejor Guión Original
Slumdog Millionaire
runner-up: Vicky Cristina Barcelona

Mejor Guión Adaptado
Revolutionary Road
runner-up: Doubt

Mejor Edición
The Edge of Heaven
runner-up: Slumdog Millionaire

Mejor Fotografía
Let the Right One In
runner-up: Revolutionary Road

Mejor Película Animada
Wall-E
runner-up: Kung Fu Panda

Mejor Película Mexicana
La Zona
runner-up: Quemar las Naves

Mejor Documental
Los Ladrones Viejos
runner-up: Man on Wire

Mejores Efectos Visuales
The Dark Knight
runner-up: Wanted

Mejor Maquillaje
The Curious Case of Benjamin Button
runner-up: The Dark Knight

Mejor Vestuario
The Fall
runner-up: The Other Boleyn Girl

Mejor Dirección de Arte
The Curious Case of Benjamin Button
runner-up: Synecdoche, New York

Mejor Score
Slumdog Millionaire
runner-up: Arrancame la Vida

Mejor Cancion Original
Bruce Springsteen - The Wrestler (The Wrestler)
runner-up: Gregoire Leprince-Ringuet - As-tu deja aime (Love Songs)

Mejor Opera Prima
Tropa de Elite
runner-up: Outsourced

Las 20 mejores películas del 2008

2009-01-25T15:11:00.000-08:00

Estas son las mejores películas del 2008, de acuerdo a Cinerama Online. La lista se compone de películas estrenadas en salas cinematográficas de Seattle durante el 2008, exhibidas en el Festival Internacional de Cine de Seattle o estrenadas en pantallas de Monterrey durante el 2008.

01. Slumdog Millionaire

02. The Edge of Heaven

03. Revolutionary Road

04. 4 Months, 3 Weeks and 2 Days

05. Wall-E

06. Milk

07. Happy Go Lucky

08. Vicky Cristina Barcelona

09. Let the Right One In

10. Love Songs

11. Tropa de Elite

12. Outsourced

13. Doubt

14. Caramel

15. The Visitor

16. The Wrestler

17. Wristcutters: A Love Story

18. Frost/Nixon

19. The Secret of the Grain

20. The Year My Parents Went on Vacation

Nominaciones a los premios Cinerama 2008

2009-01-17T22:41:00.000-08:00

Estas son las nominaciones a los premios Cinerama 2008 en las correspondientes 25 categorías. Los ganadores serán publicados el día 25 de enero del 2009.

Tres cintas liderean las nominaciones de este año: The Edge of Heaven, Revolutionary Road y Slumdog Millionaire con 8 nominaciones cada una. Le siguen el musical francés Love Songs con 7 menciones y Milk con 6.

Con 5 nominaciones se encuentran las cintas europeas 4 Months. 3 Weeks and 2 Days y Let the Right One In, así como también Doubt, Synecdoche New York y The Fall. Dos cintas mexicanas obtuvieron 5 nominaciones. Ellas fueron Quemar las Naves y el drama Arráncame la vida.

Mejor Película - Drama
* 4 Months, 3 Weeks and 2 Days
* The Edge of Heaven
* Let the Right One In
* Milk
* Revolutionary Road
* Slumdog Millionaire

Mejor Película - Comedia/Musical
* Burn After Reading
* Happy Go Lucky
* Love Songs
* Outsourced
* Vicky Cristina Barcelona
* Wristcutters: A Love Story

Mejor Actor Protagónico - Drama
* Leonardo DiCaprio - Revolutionary Road
* Andrew Garfield - Boy A
* Richard Jenkins - The Visitor
* Frank Langella - Frost/Nixon
* Sean Penn - Milk
* Mickey Rourke - The Wrestler

Mejor Actor Protagónico - Comedia/Musical
* Javier Bardem - Vicky Cristina Barcelona
* Gad Elmaleh - Priceless
* Colin Farrell - In Bruges
* Gael Garcia Bernal - Rudo y Cursi
* Louis Garrel - Love Songs
* Josh Hamilton - Outsourced

Mejor Actriz Protagónica - Drama
* Joan Chen - The Home Song Stories
* Melissa Leo - Frozen River
* Anamaria Marinca - 4 Months, 3 Weeks and 2 Days
* Meryl Streep - Doubt
* Kate Winslet - The Reader
* Kate Winslet - Revolutionary Road

Mejor Actriz Protagónica - Comedia/Musical
* Sally Hawkins - Happy Go Lucky
* Frances McDormand - Burn After Reading
* Samantha Morton - Synecdoche, New York
* Ludivine Sagnier - A Girl Cut in Two
* Audrey Tautou - Priceless
* Jess Weixler - Teeth

Mejor Actor Secundario - Drama
* Alan Chavez - La Zona
* James Franco - Milk
* Vlad Ivanov - 4 Months, 3 Weeks and 2 Days
* Heath Ledger - The Dark Knight
* Philip Seymour Hoffman - Doubt
* Michael Sheen - Frost/Nixon

Mejor Actor Secundario - Comedia/Musical
* Guillermo Francella - Rudo y Cursi
* Brendan Gleeson - In Bruges
* Gregoire Leprince-Ringuet - Love Songs
* Eddie Marsan - Happy Go Lucky
* Brad Pitt - Burn After Reading
* Riccardo Scamarcio - My Brother is an Only Child

Mejor Actriz Secundaria - Drama
* Amy Adams - Doubt
* Irene Azuela - Quemar las Naves
* Rosemarie DeWitt - Rachel Getting Married
* Hafsia Herzi - The Secret of the Grain
* Hanna Schygulla - The Edge of Heaven
* Viola Davis - Doubt

Mejor Actriz Secundaria - Comedia/Musical
* Penelope Cruz - Vicky Cristina Barcelona
* Ayesha Dharker - Outsourced
* Clotilde Hesme - Love Songs
* Catherine Keener - Synecdoche, New York
* Chiara Mastroianni - Love Songs
* Michelle Williams - Synecdoche, New York

Mejor Director
* Fatih Akin - The Edge of Heaven
* Danny Boyle - Slumdog Millionaire
* Mike Leigh - Happy Go Lucky
* Sam Mendes - Revolutionary Road
* Cristian Mungiu - 4 Months, 3 Weeks and 2 Days
* Gus Van Sant - Milk

Mejor Guión Original
* 4 Months, 3 Weeks and 2 Days
* The Edge of Heaven
* Milk
* Slumdog Millionaire
* Vicky Cristina Barcelona
* The Wrestler

Mejor Guión Adaptado
* Arráncame la Vida
* Doubt
* Frost/Nixon
* Let the Right One In
* The Reader
* Revolutionary Road

Mejor Edición
* The Edge of Heaven
* Frost/Nixon
* Milk
* Paranoid Park
* Slumdog Millionaire
* La Zona

Mejor Fotografía
* The Edge of Heaven
* The Fall
* Let the Right One In
* Quemar las Naves
* Revolutionary Road
* Slumdog Millionaire

Mejor Película Animada
* Kung Fu Panda
* Wall-E

Mejor Película Mexicana
* Arráncame la Vida
* Los Ladrones Viejos
* Párpados Azules
* Quemar las Naves
* Rudo y Cursi
* La Zona

Mejor Documental
* A Jihad for Love
* Los Ladrones Viejos
* Man on Wire

Mejores Efectos Visuales
* The Dark Knight
* The Fall
* Iron Man
* Jumper
* Let the Right One In
* Wanted

Mejor Maquillaje
* The Curious Case of Benjamin Button
* The Dark Knight
* Elizabeth: The Golden Age
* The Fall
* Let the Right One In
* Synecdoche, New York

Mejor Vestuario
* Arráncame la Vida
* The Curious Case of Benjamin Button
* Elizabeth: The Golden Age
* The Fall
* The Other Boleyn Girl
* Sex and the City: The Movie

Mejor Dirección de Arte
* Arráncame la Vida
* The Curious Case of Benjamin Button
* The Fall
* Revolutionary Road
* Slumdog Millionaire
* Synecdoche, New York

Mejor Score
* Arráncame la Vida
* Caramel
* The Curious Case of Benjamin Button
* The Edge of Heaven
* Revolutionary Road
* Slumdog Millionaire

Mejor Canción Original
* The Edge of Heaven
* Love Songs
* Love Songs
* Quemar las Naves
* Slumdog Millionaire
* The Wrestler

Mejor Ópera Prima
* Caramel
* Elite Squad
* Frozen River
* Outsourced
* Quemar las Naves
* Teeth

Las 10 peores películas del 2008

2009-01-15T00:14:00.001-08:00

Ha llegado el momento de dar inicio al reconocimento público por parte de Cinerama Online, de lo mejor y lo peor del año 2008. Como es costumbre de mi parte, publicaré las nominaciones a los premios Cinerama 2008 el día domingo 18 y ese mismo día anunciaré la lista de las 10 mejores cintas.

Mientras tanto, tengo mucha tela de donde cortar así que empezaré por presentarles la lista con las 10 peores películas que vi en este 2008. Les recuerdo que mi criterio para la elegibilidad de los filmes está medio bizarro. Es una mezcla de entre lo que se estrenó comercial y limitadamente en Seattle, lo que vi en el festival de cine de Seattle, lo que vi en mis visitas express a Monterrey y lo que no alcancé a ver en el 2007 pero que tuvo estreno en cines de Mexico en el 2008 (si, soy un tramposo y qué). Lo que menos quiero es dejar fuera de contienda películas que merezcan algo de reconocimiento, aunque sea con 1 año de atraso.

He aquí, las 10 cintas más malas del 2008, por un servidor:

01. I Know Who Killed Me

Un disque thriller inteligente, psicológico y medio gore que más que suspenso provoca risa involuntaria, de verdad. No hay nada que salve la cinta de la desgracia. Es como ver Juego de Gemelas meets Saw versión Halmark Channel. Ni siquiera el hecho de que Lindsay salga de teibolera le da puntos a su favor, y que decir de todo el simbolismo y giros de tuerca que están de huevísima. Definitivamente, I Know Who Killed Me se lleva el premio a lo peor del 2008 hands down.

02. Prom Night

Realmente aún me sigo preguntando cuál fue la razón, motivo o circunstancia que me llevó al cine para ver esta calamidad e insulto al cine, ya no digamos únicamente de terror, sino también del género slasher. La historia es predecible de principio a fin, no hace más que reciclar cosas de otras películas del mismo género y lo que es aún peor, muestran poca sangre y las matanzas las hacen fuera de cámara porque, ah! se me olvidó, es clasificación PG-13.

03. Kiss the Bride

Kiss the Bride fue exhibida en el Festival Internacional de Cine de Seattle, teniendo como invitados de lujo a parte del elenco y al director de la cinta, quien resulta ser el mismo que hace años dirigió una película decentemente buena y conmovedora titulada Latter Days. En esta ocasión, el director optó por una historia más ligera que no es más que un rip-off al despoblado de "My Best Friend's Wedding" solo que versión gay (El chavo que descubre que su amigo - y ex novio - va a casarse con una mujer). Agréguele malos chistes, una producción barata y un elenco de cuarta (Tori Spelling incluída) y obtienes una de las peores cintas del año.

04. Ladrón que Roba a Ladrón

Con la intención de conquistar al amplio mercado latino que radica en los Estados Unidos, Ladrón que Roba a Ladrón juntó a varios galanes de telenovelas mexicanas (Fernando Colunga, Gabriel Soto, Saul Lisazo) para protagonizar la versión región 4 de Ocean's Eleven. El resultado es completamente desastrozo, desangelado y cero original. A eso le agregas pésimos diálogos, pésimos chistes, demasiado inverosimilidad y un Saúl Lisazo que se cree el George Clooney de la película. Pobre.

05. La France

Esta película también fue parte del Festival Internacional de Cine de Seattle (y vaya que este año el festival tuvo varios desaciertos). Supongo que esta película es de esas de ámala u ódiala y yo no pude evitar más que odiarla con todas mis ganas. Lo siento. La película empieza bien, al presentarnos a la esposa que para buscar a su marido se hace pasar por hombre para unirse a unos soldados. Sin embargo, el filme me perdió desde el primer interludio musical (si! la película es un musical! que alguien me haga el desgraciado favor!).

06. Jumper

Desafiando a las leyes de la naturaleza y del buen gusto, brinca hasta la posición número 6 la cinta de ciencia ficción Jumper. Si, yo se que por lo general a este tipo de cintas no hay que pedirle mucho, más que cumpla el objetivo de entretener y dejarnos con la boca abierta ante tanto despliegue de efectos especiales. Pues saben que? Ni siquiera eso. Y lo que es peor aún, la película no resuelve absolutamente ningún enigma de la historia. WTF!! Para empezar, cómo se te ocurre crear una "franquicia" si tu primera cinta (la cual debería ser el gancho) es una reverenda porquería. Yo digo que si esta cosa llega a tener secuela, que no lo dudo pese a que Jumper no fue un trancazo de taquilla, será directo a DVD y sin Hayden, Jamie y Rachel.

07. 10,000 B.C.

Ya sabemos que a Roland Emmerich le encantan las mamonerías a lo grande, y en exceso. Si no son naves espaciales, es Godzilla, un tsumani azotando Nueva York, o porque no? Mamuts. En esta ocasión nos lleva hasta la prehistoria para presentarnos una historia que está de hueva y que a pesar de saber que es malísima, se toma demasiado en serio en el sentido histórico.

08. A Girl Cut in Two

En repetidas ocasiones, lo único peor a una película gringa mala suele ser una película francesa mala con aires de grandeza. Salida también de una de las presentaciones especiales del Festival de Cine de Seattle, A Girl Cut in Two no es más que una tragicomedia francesa pretenciosa y pedante. Y vaya combinación. Ni siquiera la presencia y carisma de Ludivine Sagnier es capaz de redimir a semejante coágulo.

09. Stop-Loss

A su favor tenía que era el regreso de Kimberly Peirce como directora después de la aclamada cinta Boys Don't Cry. De entrada, nos esperabamos un producto serio y no una de esas películas juveniles de romance y drama. Sin embargo, lo que hunde a la película es la agenda enorme que se carga. Y la verdad, resulta más terrible cuando tu agenda trata de alentar a los jóvenes - mercado meta de esta cinta - a participar en la guerra. Muy americanizada y muy nacionalista como para resultar del agrado de alguien que no es americano y no comparte el mismo background.

10. Mamma Mia!

Tan solo habían transcurrido 5 minutos de la película y sentía pena ajena y ganas de abandonar la sala. Pero logré ser fuerte y resistí hasta el final. Hagamos un breve recuento: Mala coreografía? Check! Mala ambientación? Check! Malas actuaciones? Check! Actores que no saben cantar - coff coff Pierce Brosnan - Check! Entonces, que logra salvar a Mamma Mia!? Fuera de el encanto natural de Meryl Streep y de tener canciones muy famosas de ABBA, la película es demasiado insípida para ser un buen musical.

Menciones deshonorables:

"The Hottie and the Nottie" con Paris Hilton - literalmente la dejé de ver porque además de ser mala, es grotesca. "Mister Lonely", una obra media bizarra que gira en torno a impersonators y protagonizada por Diego Luna. El más nuevo churro de Shia LaBeouf titulado "Eagle Eye" y la cinta de terror "The Ruins".

The Reader

2009-01-14T23:43:00.000-08:00

Estados Unidos/Alemania, 2008

Dirige: Stephen Daldry

Con: Kate Winslet, Ralph Fiennes y David Kross

Tal pareciera que el 2008 fue el gran año de Kate Winslet. Justo antier me lanzé al cine a ver Revolutionary Road, donde quedé impresionado con su tremenda actuación, y un día más tarde veo The Reader, también protagonizada por Winslet, y me doy cuenta de lo versátil que es como actriz y como de manera sorprendente, nos ofrece dos excelente papeles, interpretando a mujeres completamente diferentes.

En The Reader, drama erótico del mismo director de The Hours, Kate Winslet se mete en el pellejo de Hanna Schmitz, una mujer alemana que trabaja como inspectora de boletos del tranvía de la ciudad. Por azar del destino, conoce al joven Michael justo cuando éste se encuentra vomitando afuera del edificio donde Hanna vive. A partir de ese momento, la vida de ambos personajes cambia radicalmente. Pronto, Michael se convierte en el joven e inexperto amante de Hanna. Y mientras él disfruta de los momentos de intimidad junto a Hanna, ella únicamente le pide a cambio que le lea.

El tiempo pasará, Michael estudiará leyes solo para más tarde encontrarse con su amante de pubertad (y probablemente el amor de su vida?) en plena corte, cuando ésta es acusada de la muerte de varios judíos en un campo de concentración, mientras Schmitz trabajaba como guardia para los nazis. A partir de ese momento, la cinta se enfoca en la confrontación moral por la cual atraviesan los personajes, entre distinguir el bien del mal, lo correcto de lo incorrecto, lo que se puede perdonar y lo que jamás se podrá olvidar.

The Reader es un filme realizado con mucha inteligencia y confeccionado con mucha sutileza. Es una película que más allá de presentar los dilemas de cada personaje y mostrarnos sus sentimientos, lo que piensan y lo que sientes, nos concede a la audiencia el rol de jueces, dándonos la libertad de interpretar las razones detrás de las acciones que realizan los personajes a lo largo de la cinta.

Si bien, Winslet sobresale por su actuación, el joven David Kross también brinda una actuación sólida e igual de arriesgada que la de su co-estrella, y lo digo porque ambos muestras cero inhibiciones al momentos de quitarse la ropa y compartir escenas que son tremendamente eróticas, pero que jamás resultan irrelevantes al tipo de historia que se narra. Más que ser otro drama más del Holocausto, The Reader es una reflexión acerca de la responsabilidad moral, la justicia y el perdón.

Revolutionary Road

2009-01-14T00:21:00.000-08:00

Estados Unidos/Inglaterra, 2008

Dirige: Sam Mendes

Con: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet y Kathy Bates

Revolutionary Road es la adaptación de una novela homónima del escritor Richard Yates, la cual se centra en los conflictos por los que atraviesa una familia de la clase media de los Estados Unidos durante la década de los cincuenta. El director de la cinta Sam Mendes, quien ya antes había estudiado a la clase media gringa pre-Y2K vía Belleza Americana (1999), vuelve a presentarnos un retrato crudo, depresivo y que se apoya en un guión lleno de fuerza y de extraordinarias actuaciones por parte de su elenco.

Revolutionary Road es el nombre de la calle donde viven Frank y April Wheeler junto a sus dos pequeños hijos, en lo que sería el típico suburbio americano. Y pese a que todo mundo cree que los Wheeler son el matrimonio y la familia perfecta, la verdad es que una vez que la cámara nos lleva detrás de las paredes de la casa, nos damos cuenta que los Wheeler pueden tener todo, menos felicidad. Frank odia su trabajo y vive frustrado puesto que jamás pudo descubrir cual era su talento, mientras que April odia el rumbo que tomó su vida de ama de casa y está envuelta en una depresión, efecto de la realización de que su matrimonio no es lo que ella había deseado.

Revolutionary Road le pertenece a sus protagonistas. Demostrando una química innegable aún después de 11 años de haber participado en la película taquillera de todos los tiempos, Leonardo DiCaprio y Kate Winslet también logran demostrar que son unos de los mejores histriones de su generación y punto. Para mi gusto, ambos brindan la mejor actuación de su carrera hasta la fecha. DiCaprio me tomó por sorpresa, puesto que esperaba algo decente, pero su arrebato de emociones en el papel de Frank me ha dejado boquiabierto. Pero es Kate Winslet, quien de la mano de su mejor amigo DiCaprio y bajo la batuta de su esposo Mendes, se lleva la película. Su papel de esposa frustrada, deprimida, psicótica y bipolar es demasiado complejo pero ella sabe llevarlo sin caer en la exageración o la sobreactuación. Los duelos entre ambos protagonistas son tan intensos y tan llenos de sentimientos que realmente logran transmitir a la audiencia lo que los personajes están sufriendo.

Revolutionary Road es una historia que pese a estar ubicada en los años cincuenta, tiene un mensaje que sigue vigente hoy en día. Cada matrimonio tiene sus problemas, pero hay maneras de solucionar los conflictos. La vida de pareja suele ser difícil puesto que todos somos diferentes, y cada uno tiene sus sueños, sus anhelos, sus talentos y sus defectos. Hay quienes idealizan una vida desde antes de casarse y resulta que no era lo que esperaban. En estos casos, creo que el amor debe ser motivo suficiente para sobrellevar ciertas situaciones y no dejar que el egoísmo lleve directo a la destrucción.

Revolutionary Road es una de las mejores cintas del 2008. Para mi gusto, Mendes no logra superar el resultado obtenido en Belleza Americana, pero aún así, ofrece un filme casi equiparable, con una fina producción y con un poderoso derroche de sentimientos minuto a minuto.

Arráncame la Vida entre las finalistas para el Oscar

2009-01-13T12:04:00.000-08:00

"Arráncame la Vida", cinta que representa a México en la terna a Mejor Película de Lengua Extranjera en la próxima entrega de los Premios de la Academia a celebrarse el próximo mes de febrero, ha quedado entre los 9 filmes finalistas de 67 que compiten por uno de los 5 lugares dentro de las nominaciones.

La competencia estará fuerte, puesto que se medirá contra cintas como The Class de Francia, Waltz with Bashir de Israel y The Baader Meinhoff Complex de Alemania que han venido sonado muy fuerte durante estas últimas semanas. Sin embargo, la esperanza es lo último que debe perderse.

El resto de las cintas candidatas a la estatuilla dorada son: Revanche de Austria, The Necessities of Life de Canadá, Departures de Japón, 3 Monkeys de Turquía y Everlasting Moments de Suecia, siendo esta última una de las nominadas en la ceremonia de los Globos de Oro efectuada el domingo pasado.

Lo que tiene a su favor Arráncame la vida, es que cuenta con muchos de los elementos que estoy seguro lograrán conquistar a los votantes: es una gran producción, es una cinta de época y presenta una historia conmovedora. Habrá que ver los resultados el próximo jueves 22 cuando las nominaciones a la edición 81 de los codiciados Premios Oscar sean anunciadas.

Por último, cabe mencionar que Gomorrah, la representante de Italia y una de las favoritas para contender por este premio no figuró en el shortlist.

The Curious Case of Benjamin Button

2009-01-12T01:31:00.000-08:00

Estados Unidos, 2008
Dirige: David Fincher
Con: Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond y Taraji P. Henson

Nunca fue mi intención, y les juro que jamás pasó por mi mente desde el momento en que vi el preview de la película por primera vez, encontrarme en tan grande conflicto para tratar de organizar mis pensamientos. Siempre me ha resultado un poco complejo hablar de esas películas que ni las llegas a amar, pero tampoco las llegas a odiar, y es por ello que opinar acerca de The Curious Case of Benjamin Button es un ejercicio más complicado de lo que hubiera imaginado, puesto que no creí desde un principio, que la que cinta fuera a provocarme sentimientos tan encontrados.

Creo que para estas alturas de la partida, la mayoría conoce perfectamente la premisa del filme: un hombre que misteriosamente crece al revés, ya que nace pareciendo un anciano y va rejuveneciendo con el paso de los años. El director David Fincher, quien al parecer tiene una gran multitud de seguidores (yo la verdad, no me declaro fan de sus cintas), logra crear una atomósfera llena de magia y fantasía y nos sumerge en un mundo que pareciese creado por el mismísimo Tim Burton. A nivel técnico, la producción de la película es impresionante. La fotografía, el vestuario, el maquillaje, los efectos especiales, el diseño de arte y el sonido son por sobretodo merecedores de reconocimiento y son estos elementos quienes ayudan a involucrarnos en el fantástico y curioso mundo del protagonista, Benjamin Button.

Porqué tengo sentimientos encontrados hacia la cinta? En primera instancia, me resultó demasiado pretensiosa. Me da la impresión que más allá de querer contarnos una historia, la película se hizo con la única intención de arrasar con los Premios de la Academia (lo cual si llegase a pasar, me daría demasiado coraje). Benjamin Button intenta convertirse en una de esas cintas épicas galardonadas de casi 3 horas de duración, pero falla totalmente en el intento. Para la mitad de la cinta, entre una pobre imitación de contar historias a la Forrest Gump y tener voice-overs a la Amélie, la cinta se vuelve muy lenta, perdiendo el ritmo semi-ágil que tenía en un principio. Ya para la tercera parte de la película, tal pareciera que quieren aventarnos muchas ideas en poco tiempo, cuando en realidad pudieron haberle metido tijera a varias escenas, como por ejemplo, la historia donde participa Tilda Switon que me pareció de lo más irrelevante y que dura un buen.

Fuera de eso, las actuaciones no son nada de otro mundo. Realmente esperaba que Brad Pitt fuera a dar el mejor papel de su carrera, puesto que tenía todo a su favor, pero no terminó por convencerme. De hecho, me pareció superior su participación en Burn After Reading que la de Benjamin. Cate Blanchett es la que sale mejor librada de todo el elenco, pero aún así, la he visto actuar mejor en otras ocasiones.

La película carga, por supuesto, con varios mensajes acerca de la vida y el tiempo, todo a través de los ojos del enigmático personaje de Benjamin Button. Creo que lo único que me dejó la película fue que siendo Benjamin una persona distinta al resto a consecuencia de su condición congénita, éste logra reconocer en la gente a su alrededor los talentos, habilidades y fortalezas que cada uno posee, aún cuando éstos ignoran o subestiman sus capacidades, puesto que no ven la vida desde la perspectiva de alguien que ha llevado una forma de vida muy particular.

A final de cuentas, es una película regular. No me declaro un hater del filme, pero tampoco lo considero una obra maestra, como mucha gente lo califica. A mi solo me queda esperar que no vaya a ganar el Oscar a Mejor Película. Creo que hay suficiente material este año que es mil veces superior a Benjamin Button, solo que tal vez dichas cintas no tuvieron ni el presupuesto, ni el apoyo de dos grandes estudios, ni un gran nombre (Brad Pitt) de por medio.

Caramel

2008-04-11T00:16:00.000-07:00

Francia/Líbano, 2007

Dirige: Nadine Labaki

Con: Nadine Labaki, Yasmine Elmasri y Gisele Aouad

En su debut como directora y escritora, Nadine Labaki ofrece a la audiencia un fino trabajo fílmico, que merece ser visto por todos. Caramel es un homenaje en todo el sentido de la palabra, no únicamente a la ciudad de Beirut, sino también a las mujeres de dicho país. La cinta nos lleva hasta los rincones de una ciudad calurosa, llena de vida y con una fervorosa fe católica, donde 3 amigas trabajan en un salón de belleza. Cada una de ellas se enfrenta a una situación a lo largo del filme: la próxima a casarse que quiere recuperar su virginidad, la que se enamoró de un hombre casado y lo ve a escondidas y la que ama en secreto a una de sus clientas. Sin duda, estas historias no son cosa del otro mundo, pero la manera en como Labaki logra retocar cada detalle de una de ellas, hacen la gran diferencia.

Por momentos, me parecía que estuviera viendo la versión libanesa de Sex and the City, solamente que en lugar de tener a Carrie, Charlotte, Samantha y Miranda recorriendo las calles de Nueva York en sus trajes finos y zapatos de última moda, teníamos a Layale, Nisrine, Rima y Jamale, con los mismos sueños y anhelos que la mujer americana, europea o asiática. Al tiempo que la cinta es regionalista al dejarnos entrar a la cultura libanesa y su gran influencia francesa, también lo es universal al retratar las emociones y problemáticas de las protagonistas. Gran parte del encanto de la película radica en los personajes. Cada uno es tan particular y tan bien definido, que terminamos encariñados con ellos para el final de la proyección.

El mensaje de la película va dirigido hacia las mujeres, no únicamente para quienes viven en Beirut: "se libre, exprésate y no tengas miedo en ser tu misma para poder ser feliz". Y aunque pareciera la fórmula perfecta para desencadenar un tremendo chick flick que promete usar toda una caja de pañuelos desechables, la verdad es que si algo tiene Caramel, es que a diferencia de lo que el título podría sugerir, una comedia romántica llena de sacarina, el filme no empalaga en lo absoluto. Aunque si recurre a uno que otro cliché gastado, la película es honesta, apegada a la realidad y sin necesidad de caer en cursilerías o escenas manipuladoras. Algo que me encantó de la película fue su música, un excelente acompañante para unas escenas encantadoras, sexies y clásicas.

Caramel no solo logró conquistar mi paladar, sino también mi corazón. Es un pequeño filme que conforme se desenvuelve, hace que uno se familiarice, tenga empatía por los personajes y desee que jamás termine. Una película que sin duda alguna, llegará más al público femenino por la naturaleza de su historia, pero que no excluye a la audiencia masculina en lo absoluto. Es un festejo del feminismo en su máxima expresión y a la vez, la admiración de una ciudad, su gente, su cultura y sus tradiciones.

The Visitor

2008-04-07T23:17:00.000-07:00

Estados Unidos, 2008

Dirige: Thomas McCarthy

Con: Richard Jenkins, Haaz Sleiman y Hiam Abbass

Hace 4 años, disfruté y amé una joya del cine independiente titulada The Station Agent (también conocida como Descubriendo la Amistad en su estreno en cines mexicanos casi hasta el 2006). La cinta marcaba el debut del escritor y director Thomas McCarthy y lo que llamaba la atención era la forma en como jugaba con los personajes, los hacía tan únicos que seguían en nuestra mente una y otra vez, incluso después de terminado el filme. The Visitor es la obra sophomore del antes mencionado director, que al igual que su trabajo previo, es una historia que se basa en personajes solitarios y el significado de la amistad.

Walter, interpretado con gracia por Richard Jenkins, es un profesor de economía que vive en su tediosa rutina de manera aislada y egoista, en su hogar ubicado en Connecticut. Cuando le piden ofrecer una plática en Nueva York, Walter se muda a su apartamento que tenía abandonado. Cual será su sorpresa que al llegar al lugar, se encontrará con una pareja de inmigrantes, a la que supuestamente le ofrecieron el lugar para vivir. Al ver que no tienen otro lugar donde alojarse, Walter les ofrece asilo a ambos y dicho gesto desinteresado hará que surja una amistad inesperada.

The Visitor repite la historia del personaje principal que vive en la soledad, y que gracias a la amistad que forja con personas totalmente opuestas a él, es capaz de comprender el sentido de su vida. Resulta interesante ver cómo McCarthy juega con el personaje de Walter y cómo los personajes que le rodean van moldeando la personalidad de un nuevo individuo. El trabajo histriónico de Richard Jenkins es digno de admirarse y estoy seguro que no pasará desapercibido. De acuerdo con Jenkins, quien estuvo en una sesión de preguntas al término de la película, McCarthy, también escritor del filme, hizo el personaje de Walter especialmente para él y es por ello que probablemente la interpretación luzca natural y nos transporte a las situaciones presentadas.

Sin embargo, pese al buen manejo de personajes y a la sobresaliente actuación de Richard Jenkins, The Visitor se queda floja en cuestión de trascendencia, en parte debido a la historia y al ritmo de la cinta que decae para la mitad de la película. Para mi gusto, el tema de la inmigración que maneja en una parte de la trama se ve forzado y metido con calzador. Pero bueno, no cabe duda que la cinta dará de que hablar y pondrá en el radar nuevamente a Thomas McCarthy como un director de cine independiente a quien hay que seguirle los pasos.

Trailer de The Visitor

2008-04-07T01:30:00.000-07:00

Mañana iré a la función especial de The Visitor, la nueva cinta de Thomas McCarthy (The Station Agent), que la verdad promete demasiado. Por ahí he leido que la actuación de Richard Jenkins es simplemente soberbia y que al igual que su predecesora, The Visitor es un deleite total. Esperemos que así sea. Ya mañana les estaré contando al respecto, pero mientras tanto, les dejo el trailer de la película.

The Ruins

2008-04-07T01:07:00.000-07:00

Director: Carter Smith

Con: Jonathan Tucker, Jena Malone y Joe Anderson

Para quienes solían ser fieles lectores de este blog, sabrán que uno de los géneros cinematográficos menos consentido de su servidor es el de terror. No por el hecho de que me de miedito ver una película en lo oscurito y en pantalla grande, rodeado de pubertos en pleno ligue, ni tampoco porque me de pena soltar uno que otro grito y que toda la gente se de cuenta de lo miedoso que soy. No. Es simple y sencillamente que el género ha ido cayendo en las mismas historias, mismas fórmulas, mismos giros de tuerca y mismas mutilaciones, amputaciones y demás perversiones, que la verdad a uno como que ya ni ganas le dan de pagar los 10 dólares de la admisión.

Pero bueno, no se porqué, pero desde que vi el trailer de The Ruins me dieron ganas de verla y se me hizo una película ideal para pasar el domingo por la noche. La cinta narra la historia de 2 parejas gringas que parecen ser los seres humanos más aburridos vacacionando por Cancún, que se unen a un tipo alemán y otro tipo descamisado griego, para visitar un sitio arqueológico donde se supone que anda el hermano del alemán. A los gringos se les hace cool la idea de culturizarse, en lugar de andar emborrachándose en la playa, así que deciden ir. Sin embargo, como era de esperarse, el viajecito se les echa a perder cuando una tribu de supuestos mayas los empieza a atacar y los dejan atrapados en la pirámide.

Pronto, el terror se apoderará de los 6 turistas, sucesos tan ilógicos como estúpidos comenzarán a suceder, la sangre pintará de rojo la pantalla y las risas involuntarias de la audiencia estarán a la órden del día. La película no hace más que reafirmar mi idea de que una buena película de terror no necesita recurrir únicamente al gore para que sea efectiva. Basta con tan solo mirar atrás y dar un vistazo a los clásicos del género y podremos darnos cuenta que son muchos los elementos que se conjugan para provocar horror en el público. Porque una cosa es querer que la audiencia tiemble de miedo, y otra que salgan con nauseas de la sala al ver el festín de extremidades amputadas en la cinta.

Lo siento por The Ruins, pero viene a ser una película más del montón de cintas sangrientas que Hollywood se ensaña por hacer y mostrar al público juvenil. La única diferencia es que no se trata de un remake asiático. Será por eso que la película no funciona? Será que los americanos ya habrán perdido el toque para el cine de terror? O será que algún día se den cuenta que 80 mil litros de sangre no equivalen a una película escalofriante?

CINERAMA está de regreso

2008-04-07T01:01:00.000-07:00

Después de un par de meses (casi) de ausencia, me he propuesto regresar de manera cuasi constante para continuar escribiendo en este espacio. Aunque sigo viendo películas, no tantas como acostumbraba ya que la vida profesional es mucho más diferente que la vida de estudiante, las responsabilidades del trabajo me dejan super cansado y a veces sin ganas de volver a encender la computadora por las noches. Espero que la emoción de regresar al blog no me dure 3 segundos y pfff... sino que dure por meses y meses.

Las 10 Mejores del 2007

2008-01-30T02:07:00.001-08:00

01. Into the Wild
Sean Penn dirige esta maravillosa cinta que nos lleva por un viaje de autodescubrimiento de un joven dispuesto a huir de la sociedad con la finalidad de estar en contacto con la naturaleza.
En su recorrido, va conociendo a diferentes personas que le muestran que la felicidad se encuentra compartiendo cada momento de nuestra vida con los demas y no en el completo aislamiento. Un perfecto trabajo histrionico por parte del elenco, donde destacan Emile Hirsh y el veterano Hal Holbrook.

Tanto la cinematografia como la musica, van de la mano y complementan esta produccion que se basa en una historia veridica.

02. The Diving Bell and the Butterfly
No puedo imaginar lo que hubiera sido de la pelicula sin Julian Schnabel como director. Definitivamente es quien logra darle un toque distinto a esta historia basada en hechos reales, sobre un hombre que despues de sufrir un infarto, queda paralizado a excepcion de uno de sus ojos. Gracias a su condicion, ahora es capaz de entender y ver la vida desde una perspectiva que antes desconocia.

Lo que me encanto de la pelicula es la manera en como presenta la historia desde el punto de vista de una persona sin movimiento, que pese a poder pensar, le es imposible comunicarse con el mundo exterior. Una pelicula que nos muestra que todo pasa por alguna razon, y que hay que aprender de todo lo que nos sucede, por mas malo que parezca.

03. Juno
Divertida pero a la vez emotiva. Juno es sin duda el crowd-pleaser del 2007 y mi comedia favorita del año. Con un guión que mezcla los elementos de la cultura pop actual con unos diálogos hilarantes y casi casi a punto de convertirse en clásicos, Juno nos lleva directo a la vida de una chavita de apenas 16 años que resulta embarazada de su mejor amigo.

Este hecho desencadena una serie de aventuras, donde la protagonista, encarnada por una sensacional Ellen Page, decide dar en adopción al pequeño. Los 9 meses de embarazo le harán descubrir el verdadero amor y el significado de la familia.

04. Persepolis
Persepolis es una cinta animada francesa, basada en una novela autobiográfica, que nos transporta hasta Irán a mediados del siglo pasado. La película recrea la vida de Marjan desde su infancia hasta la juventud, y su desarrollo enmedio de un ambiente hostil y represivo pero a la vez lleno de ideales y de sentimientos revolucionarios. Cuando Marjan tiene la oportunidad de vivir de manera independiente en Europa, se dará cuenta que la vida fuera de su país natal es totalmente distinta y tendrá que aprender a querer sus raíces y a jamás olvidar los ideales que su familia le inculcaron.

5. Once
Una pequeña joya del cine independiente. Once es un musical sin grandes pretensiones, protagonizado por dos músicos que, sin ser actores profesionales, logran transmitir una gama de sentimientos gracias a las canciones que interpretan. La película nos presenta una historia de amor imposible entre dos extrasin estudios de actuacion. La historia de amor, por asi decirlo, de estos dos extraños que comparten el gusto por la música. La película se va desarrollando gracias a los números musicales que interpretan los protagonistas, logrando que las melodías reemplacen los diálogos y comuniquen el mensaje con mayor intensidad. Once es sin duda, uno de los proyectos fílmicos más propositivos, experimentales y románticos del año.

06. No Country For Old Men
El laureado trabajo de los hermanos Coen ocupa el lugar numero 6 del Top 20. Múltiples personajes convergen en una historia llena de intriga, violencia y suspenso, que gira en torno al hallazgo de una maleta cargada de dinero enmedio del desierto. Además de tener un guión que sabe manejar excepcionalmente las diferentes historias y mantenerte al borde de la butaca, la cinta se complementa con sólidas actuaciones por parte del elenco. Sin duda, la actuación que perdurará en nuestras mentes por años y años será la de Javier Bardem, como un despiadado asesino que se rige por sus propias reglas de ética.

07. There Will Be Blood
Petróleo, sangre y venganza enmarcan el más reciente proyecto de Paul Thomas Anderson, el cual bien califica como todo un filme épico de principio a fin. Con una magistral actuación de Daniel Day Lewis, intepretando al frívolo empresario Daniel Plainview, la cinta nos presenta la vida de este hombre lleno de ambición y sed de poder, quien desarrolla una obsesión por encontrar petróleo en comunidades rurales, engañando y despojando a los dueños de sus tierras. Tanta es su ambición que no tolera la competencia y está dispuesto a hacer lo que sea por eliminar a quien se le ponga enfrente. Tanto la música de fondo, como la cinematografía y los excelentes efectos de sonidos tienen tal efecto que logran atraparte a la historia pese a sus casi 3 horas de duración.

08. Inland Empire
Después de Mulhollan Drive, esperaba ansioso el regreso del genio incomprendido llamado David Lynch. Lynch escribe y dirige esta fábula acerca de la fidelidad titulada Inland Empire. La escalofriante y a la vez alucinante historia gira alrededor de una actriz que recibe el papel protagónico de una cinta que supuestamente tiene una maldición. Durante el rodaje, la mujer comienza a perder la razón, sin lograr distinguir si lo que esta viviendo es parte de la película o su propia vida. Laura Dern ofrece una desgarradora y tremenda actuación, interpretando a la confundida Nikki Grace.

09. Half Nelson
La historia de un maestro drogadicto, que busca cambiar la vida de sus estudiantes ocupa la posición 9 de este año. Half Nelson es el título que lleva esta cinta de corte independiente, que nos presenta el enfrentamiento de un maestro con gran potencial que se da cuenta que para poder enseñar, hay que predicar con el ejemplo. Ryan Gosling nos brinda la que es su mejor actuación hasta la fecha y la novata Shareeka Epps ofrece una actuación de soporte interesante y conmovedora, como la alumna que conoce el secreto del maestro al encontrarlo bajo la influencia de las drogas.

10. Le Temps qui Reste
El director francés Francois Ozon, quien se ha convertido en uno de mis directores favoritos, uno de mis favoritos por cierto, escribe y a la vez se encarga de dirigir esta cinta que nos presenta los últimos días de vida de un joven a quien le diagnostican cáncer terminal. Lo que me llamó la atención de la película y que la distingue de otras que tocan temas similares, es que evita caer en melodramas baratos, para mostrarnos de una forma casi natural la manera en la cual el protagonista enfrenta la noticia de su próxima muerte y descubre que antes de partir, debe aprender a perdonar y a amar.

11. Lars and the Real Girl
Sin duda que el 2007 fue un gran año para Ryan Gosling. No solo me sorprendió de sobremanera con su actuación en el drama Half Nelson, sino que también lo hizo en esta comedia, interpretando un papel completamente diferente. Con una historia muy particular y original, la cinta gira alrededor de Lars, un hombre solitario que se enamora de una muñeca de plástico, a quien él considera real. Al enterarse de lo que ocurre, los habitantes del pueblo donde habita deciden seguirle el juego con tal de no herir los sentimientos del joven y para mostrarle que no hay nada mejor que el cariño, el apoyo y la compañía de una persona de verdad.

12. C.R.A.Z.Y.
C.R.A.Z.Y. fue la primer película que vi durante el 2007 e inmediatamente se colocó entre mis favoritas, lugar que mantuvo durante 365 días. La cinta nos remonta a los años sesentas y setentas para conocer a Zac, quien desde niño fue diferente al resto de sus hermanos y que de adolescente comienza a tener dudas con respecto a su identidad sexual. Sin embargo, el amor y el respeto que tiene hacia su padre lo harán dudar sobre sus preferencias sexuales, por temor decepcionarlo. Pronto, Zac tendrá que decidir que es lo mejor para él, puesto que sus conductas autodestructivas al no aceptarse tal como es, lo pondrán al borde de la muerte.

Ganadores de los premios CINERAMA 2007

2008-01-30T01:33:00.000-08:00

Finalmente! He aqui los ganadores del 2007 a los premios CINERAMA en las 20 categorias.

Mejor Pelicula Drama

Into the Wild

Mejor Pelicula Comedia/Musical

Juno

Mejor Director

Julian Schnabel - The Diving Bell and the Butterfly

Mejor Actor Principal Drama

Daniel Day Lewis - There Will Be Blood

Mejor Actor Principal Comedia/Musical

Ryan Gosling - Lars and the Real Girl

Mejor Actriz Principal Drama

Marion Cotillard - La Vie en Rose

Mejor Actriz Principal Comedia/Musical

Ellen Page - Juno

Mejor Actor Secundario Drama

Chazz Palminteri - A Guide for Recognizing Your Saints

Mejor Actor Secundario Comedia/Musical

J.K. Simmons - Juno

Mejor Actriz Secundaria Drama

Amy Ryan - Gone Baby Gone

Mejor Actriz Secundaria Comedia/Musical

Emily Mortimer - Lars and the Real Girl

Mejor Guion

Juno

Mejor Documental

Deliver Us From Evil

Mejor Pelicula Animada

Persepolis

Mejor Pelicula Internacional

Le Temps qui Reste - Francia

Mejor Opera Prima

Half Nelson

Mejor Pelicula Mexicana

El Violin

Mejor Cinematografia

The Diving Bell and the Butterfly

Mejor Score

Lust, Caution

Mejor Cancion

Falling Slowly de Once

Los mejores posters del 2007

2008-01-04T00:48:00.000-08:00

Para aquellos que no lo sepan, soy coleccionador de posters de películas. Desde 1991 que empecé por el gusto de coleccionarlos, pidiéndolos en donde fuera, comprándolos y si, a veces hasta llevándomelos sin permiso. Desde que era niño, me encantaban los afiches. No podía pisar un cine sin haber recorrido el lugar de arriba a abajo para ver los posters de las películas por venir. Gracias a Internet, ahora puedo tener mi colección de manera digital, pero cuando tengo oportunidad, consigo mis favoritos en papel.

Aqui les presento lo que a mi gusto, fueron los mejores posters del 2007. Esos que me encantaría poseer y ponerlos en las paredes de mi cuarto.

Goodbye, 2007!

2007-12-30T12:58:00.000-08:00

A tan solo un día de que finalice el año, resulta casi imposible dar un recorrido por todos esos momentos cinematográficos y películas que me acompañaron durante 365 días, ya sea para bien o para mal. Sin lugar a dudas, el 2007 fue un año de mucho cine para mi. A la fecha, logré ver 150 películas, sobrepasando mi record del 2006 de 120 largometrajes vistos. Y por motivo de mis vacaciones por tierras mexicanas, haré la excepción y finalizaré mi año fílmico hasta el 15 de enero, para alcanzar a ver los leftovers de la holiday & awards season en tierras gabachas.

He aquí un recuento de lo bueno, lo malo, lo decepcionante y más del 2007.

Las favoritas
Aunque aún no he decidido cual será el lugar que ocupe cada una de las películas en mi Top 20, el cual acostumbro a hacer religiosamente cada año, lo que si es un hecho es de que ya tengo por ahi varias de mis favoritas. Disputándose el primer lugar se encuentra la comedia Juno, dirigida por Jason Reitman, así como dos dramas basados en historias reales: Into the Wild de Sean Penn y The Diving Bell and The Butterfly de Julian Schnabel. También entre mis favoritas del año se encuentran No Country for Old Men de los hermanos Coen, Inland Empire del genial David Lynch y la comedia Lars and the Real Girl. Tres musicales, muy distintos cada uno de ellos, lograron cautivarme este año. Me refiero a Once, Across the Universe y Hairspray. Mientras que desde inicio del 2007, varias películas se posicionaron firmemente como favoritas y prevalecieron de tal forma durante el resto del año: Sunshine, Le Temps qui Reste, Half Nelson, C.R.A.Z.Y., The Lives of Others, Little Children y The Painted Veil, aunque la mayoría de éstos fueron filmes estrenados en los Estados Unidos en el 2006.

Los bodrios
Así como hubo excelentes y buenas películas en el año, también hubo sus excepciones. Aquellas cintas durante las cuales sufrí, estuve a punto de apagar la televisión, salirme de la sala o correr a vomitar. Tampoco he logrado ponerlas en orden, pero ya las tengo bien identificadas. El cine mexicano ofreció varias "joyitas" entre las que destacan Cuando las Cosas Suceden, sin duda una de las peores experiencias cinematográficas del año entero, la cinta regia Entre Caníbales y la ultra-mega-super producción Sultanes del Sur, que más que entretenimiento, me pareció un perfecto somnífero. Y eso sin contar el videohome El Asesino de Cumbres, que no vio la luz comercial, pero si el éxito entre los puestos de vendedores de material apócrifo. Hollywood nos recetó como de costumbre el resto de los bodrios del 2007: Shoot 'Em Up, que me mantuvo a punto de abandonar la sala por ilógica, las comedias Norbit, Because I Said So, Rush Hour 3, School for Scroundels y Sleeping Dogs Lie, que más que risas provocaron bostezos. Los thrillers The Black Dahlia, Premonitions, Perfect Strangers, The Reaping y The Hills Have Eyes 2 y las cintas independientes como Factotum, On Soap y The History Boys, que pese a ser laureadas por los críticos, nadamás no terminaron de convencerme.

Las mexicanas
Tengo que confesarles que durante este año estuve más al pendiente del cine nacional. Probablemente se haya debido a la influencia de mis compañeros blogueros que gracias a sus reseñas y comentarios, me daban más ganas de correr a verlas al cine. Así como hubo desgracias en la industria nacional: Cuando las Cosas Suceden, Sultanes del Sur y Entre Caníbales. Hubo también las domingueras que a pesar de no ser tan buenas películas, cumplieron con su cometido: Niñas Mal, Kilómetro 31 y Fuera del Cielo. Sin embargo, lo que es digno de reconocimiento, es la cantidad de películas mexicanas, que aunque no tuvieron una gran producción o la distribución adecuada, lograron provocar a la audiencia vía sus originales y cautivantes historias: Luz Silenciosa, La Sangre Iluminada, El Violín, Drama/Mex, La Última Mirada, El Cielo Dividido y el documental De Nadie son muestra contundente de que la industria del cine nacional aún tiene muchas historias que contar.

Las decepciones
Dreamgirls. Promocionada con bombo y platillo como un gran musical al estilo de Moulin Rouge, que me decepcionó por sus malas actuaciones y su deseo de ser buena dentro de su mediocridad.
300. Mucho ruido y pocas nueces. Excelentes gráficos y visualmente impecable, pero imposible de sostenerse con semejantes baches en la historia.
Bobby. Un gran elenco desperdiciado en una película sin pies ni cabeza.
Spiderman 3. Las dos primeras cintas fueron buenas, pero el deseo de volver a Spidey emo/dark y bailarín, terminaron por decepcionarme por completo.
Shrek 3. El ogro verde perdió el humor, encanto y ritmo ágil que lo caracterizó en las antecesoras.
Shortbus. Después de la joya del cine independiente Hedwig and the Angry Inch, me esperaba algo del mismo calibre, pero lo que encontré fue una historia vacía y pretensiosa.
Zodiac y The Lookout. Ambas recibieron muy buenas críticas, pero desde mi punto de vista, a las dos películas les faltó más. Que fue? Es lo que aún intento descifrar.
After the Wedding. Todo mundo hablaba maravillas de la cinta, pero lo único que vi fueron clichés y una historia predecible, eso si, en idioma no-inglés.

Las extranjeras
Entiéndase, las producciones europeas, africanas o asiáticas que cautivaron más que el típico cine mainstream. Francia nos recetó como siempre una buena dosis de películas como La Vie en Rose, Paris Je T'Aime, The Diving Bell and the Butterfly, The Beat that my Heart Skipped, Blame It On Fidel! y Le Temps qui Reste. Del resto de Europa nos llegó Vitus, The Lives of Others, The Italian, Black Book y Allegro. Mientras que Asia nos trajo Water, Lust Caution y The Host, Latinoamérica salió avante gracias a cintas como Play y Madeinusa.

Las independientes
La "Little Miss Sunshine" de este año es sin duda Juno. El crowd-pleaser por excelencia. Otros filmes de corte independiente que sobresalieron en el 2007 fueron Once, Black Snake Moan, Day Night Day Night, Rocket Science, The Dead Girl, Conversations with Another Women, Half Nelson, SherryBaby y A Guide for Recognizing your Saints. Entre las decepciones fueron: Waitress, Factotum, Quinceañera, Fast Food Nation, Running with Scissors, Venus, The History Boys y Broken English.

'Into the Wild' liderea nominaciones de los premios CINERAMA 2007

2007-12-25T23:39:00.001-08:00

La cinta "Into the Wild" liderea las nominaciones a los premios CINERAMA 2007 al obtener 9 nominaciones en categorías que incluyen Mejor Pelicula y Director (Sean Penn). El drama que narra la historia verídica de un joven que realiza un viaje a través de los Estados Unidos con rumbo a Alaska se llevó también el reconocimiento de los actores: Emile Hirsch, Catherine Keener y el veterano Hal Holbrook, quienes obtuvieron nominaciones en las categorias de Mejor Actor, Mejor Actriz Secundaria y Mejor Actor Secundario, respectivamente.

Muy cerca le siguieron la comedia "Juno" y la cinta francesa "The Diving Bell and the Butterfly", las cuales obtuvieron un total de 7 nominaciones. Dos cintas protagonizadas por Ryan Gosling: "Half Nelson" y "Lars and the Real Girl", junto a la aclamada "No Country for Old Men" alcanzaron 5 nominaciones cada una.

Los resultados de los premios CINERAMA 2007 se darán a conocer el día 15 de enero del 2008.

LISTA COMPLETA DE NOMINACIONES:

Mejor Pelicula Drama
The Diving Bell and the Butterfly
Half Nelson
Inland Empire
Into the Wild
No Country for Old Men
There Will Be Blood

Mejor Pelicula Comedia/Musical
Across the Universe
Hairspray
Juno
Lars and the Real Girl
Once
The Savages

Mejor Director
Paul Thomas Anderson - There Will Be Blood

Joel and Ethan Cohen – No Country for Old Men
David Lynch – Inland Empire
Sean Penn – Into the Wild
Carlos Reygadas – Luz Silenciosa
Julian Schnabel – The Diving Bell and the Butterfly

Mejor Actor Principal Drama
Javier Bardem – No Country for Old Men
Daniel Day Lewis – There Will Be Blood
Ryan Gosling – Half Nelson
Emile Hirsch – Into the Wild
James McAvoy – Atonement
Viggo Mortensen – Eastern Promises

Mejor Actor Principal Comedia/Musical
Sacha Baron Cohen – Borat
Ryan Gosling – Lars and the Real Girl
Philip Seymour Hoffman – The Savages
John Malkovich – Color Me, Kubrick
Harry Shearer – For Your Consideration
Reece Thompson – Rocket Science

Mejor Actriz Principal Drama
Julie Christie – Away from Her
Marion Cotillard – La Vie en Rose
Judi Dench – Notes from a Scandal
Laura Dern – Inland Empire
Maggie Gyllenhaal – Sherrybaby
Angelina Jolie – A Mighty Heart

Mejor Actriz Principal Comedia/Musical
Amy Adams – Enchanted
Nikky Blonsky – Hairspray
Laura Linney – The Savages
Catherine O’Hara – For Your Consideration
Ellen Page – Juno
Keri Russell - Waitress

Mejor Actor Secundario Drama
Casey Affleck – The Assassination of Jesse James
Josh Brolin – No Country for Old Men
Hal Holbrook – Into the Wild
Armin Mueller-Stahl – Eastern Promises
Chazz Palminteri – A Guide for Recognizing your Saints
Max Von Sydow – The Diving Bell and the Butterfly

Mejor Actor Secundario Comedia/Musical
Jason Bateman – Juno
Philip Bosco – The Savages
Christopher Mintz-Plasse – Superbad
Paul Schneider – Lars and the Real Girl
J.K. Simmons – Juno
John Travolta – Hairspray

Mejor Actriz Secundaria Drama
Cate Blanchett – I’m Not There
Shareeka Epps – Half Nelson
Mary Beth Hurt – The Dead Girl
Catherine Keener – Into the Wild
Saoirse Ronan – Atonement
Amy Ryan – Gone Baby Gone

Mejor Actriz Secundaria Comedia/Musical
Annette Bening – Running With Scissors
Patricia Clarkson – Lars and the Real Girl
Jennifer Garner – Juno
Jennifer Hudson – Dreamgirls
Emily Mortimer – Lars and the Real Girl
Parker Posey – For Your Consideration

Mejor Guion
The Diving Bell and the Butterfly
Half Nelson
Into the Wild
Juno
Little Children
No Country for Old Men

Mejor Documental
De Nadie
Deliver Us From Evil
Inside Deep Throat
Jesus Camp
Sicko
This Film is not yet Rated

Mejor Pelicula Animada
Persepolis
Ratatouille
The Simpsons Movie

Mejor Pelicula Internacional
C.R.A.Z.Y. – Canada
The Italian – Rusia
The Lives of Others – Alemania
Madeinusa – Peru
Time to Leave – Francia
Vitus – Suiza

Mejor Opera Prima
Blame It on Fidel!
El Violin
Half Nelson
Once
Rocket Science
Sherrybaby

Mejor Pelicula Mexicana
Drama/Mex
El Cielo Dividido
El Violin
La Sangre Iluminada
Luz Silenciosa
Malos Habitos

Mejor Cinematografia
Atonement
The Diving Bell and the Butterfly
Into the Wild
Lust, Caution
Luz Silenciosa
The Painted Veil

Mejor Score
Atonement
The Diving Bell and the Butterfly

The Fountain

Into the Wild

Lust, Caution
The Painted Veil

Mejor Cancion
The Diving Bell and the Butterfly - "Don't Kiss Me Goodbye"
Dreamgirls - "And I'm Telling You I'm Not Going"
Hairspray - "You Can't Stop the Beat"
Into the Wild - "Rise"
Juno - "Anyone Else But You"
Once - "Falling Slowly"

Lars and the Real Girl

2007-10-26T16:19:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007
Dirige: Craig Gillespie
Con: Ryan Gosling, Emily Mortimer y Patricia Clarkson

Desde el momento en que vi el trailer de Lars and the Real Girl, me convencí que la cinta tenía que ser un must-see en este año. No únicamente por contar con las actuaciones de Ryan Gosling y Patricia Clarkson, ésta última mi actriz favorita, sino por la peculiar historia que desarrolla. Ubicada en un pequeño pueblo norteamericano, Gosling interpreta estupendamente a Lars, un tipo solitario y casi treintañero que vive en el garage de la casa que perteneció a sus padres y que ahora habitan su hermano mayor (Paul Schneider) y su esposa (una fabulosa Emily Mortimer). Entre su trabajo, asistir a misa y conversar raquíticamente con su familia más cercana, Lars se ha aislado completamente del mundo y su cuñada no hace más que preocuparse por él.

Un buen día, Lars sorprende a más de uno con la noticia que tiene novia. Asombrados por el acontecimiento y por la felicidad del personaje, el pequeño pueblo se conmociona al descubrir que la novia de Lars es una muñeca de plástico que compró por Internet, pero que él, en un estado alucinatorio, cree que es de verdad. Este es el punto de partida para una historia que nos habla acerca del significado del amor, desde la perspectiva de un hombre solitario con traumas que datan desde su infancia, que imposibilitado para compartir y expresar sus sentimientos con el resto de las personas, decide refugiarse en un ser no viviente, que si bien representa el estándar de perfección que siempre había buscado en una mujer, pronto se dará cuenta que no hay nada mejor como el poder compartir esos momentos especiales con alguien más humano.

Lars and the Real Girl es una historia que inicia como una comedia, pero que poco a poco, especialmente rumbo al final, se convierte en un drama inteligente y bien tratado, que sin necesidad de caer en cursilerías y clichés, nos hace reflexionar acerca del amor y la comprensión hacia los demás. La actuación de Ryan Gosling es sorprendente y resulta en un perfecto complemento a la interpretación que ofreció en Half Nelson, donde también lució espectacular. No cabe duda que Gosling se esta convirtiendo en uno de los actores más versátiles, talentosos y prometedores de la industria. Mientras que el cuadro de actores secundarios brindan unas actuaciones remarcables, donde sobresale Emily Mortimer y Patricia Clarkson, quien en esta ocasión la hace de psicológa y doctora.

Gillespie arma una cinta aleccionadora y entretenida que tiene el potencial de convertirse en un clásico del cine independiente. Lars and the Real Girl termina por ser como ese amigo que nos motiva cuando estamos deprimidos, que nos da ánimos y nos dice que el amor verdadero existe, que algún día llegará y que seremos felices, pero que mientras tanto hay que saber vivir y estar atento a las oportunidades que se nos presentan en la vida.

Eastern Promises

2007-10-26T15:08:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007

Dirige: David Cronenberg

Con: Viggo Mortensen, Naomi Watts y Armin Mueller-Stahl

Debo aceptar una cosa, no soy fiel seguidor de las cintas de Cronenberg. Su anterior trabajo, A History of Violence - también protagonizado por Viggo Mortensen -, pese a parecerme un trabajo muy bien elaborado, me dejo como esperando ese algo que nunca llegó. Después de escuchar fabulosas críticas de esta cinta, en especial de los buenos resultados que obtuvo en el festival de cine en Toronto, no me quedó más opción que ir a verla.

Eastern Promises nos lleva hasta la ciudad de Inglaterra para presentarnos la historia de una jovencita de origen ruso que pierde la vida, no sin antes dar a luz a una pequeña niña. La enfermera responsable del parto, Anna (Watts), solamente encuentra el diario de la difunta escrito en ruso y una tarjeta de un restaurante de la ciudad. Convencida de encontrar a algun familiar de la joven, para que se haga cargo de la recién nacida, Anna pronto se involucrará en un asunto sumamente delicado, cuando al traducir el diario se de cuenta que la poderosa mafia rusa situada en Inglaterra es la responsable del homicidio de la joven, a quien le prometieron una mejor vida pero la engañaron, obligándola a convertirse en prostituta a sus 14 años de edad.

Viggo Mortensen entrega una de las mejores actuaciones de su carrera, por no decir que la mejor, interpretando a Nikolai, uno de los guardaespaldas del jefe de la mafia quien se involucra más de la cuenta con Anna y decide ayudarla en la búsqueda de los familiares de la chava asesinada. Sin embargo, quien se roba la película con su actuación es Armin Mueller-Stahl, quien es capaz de transmitir la ira y a la vez, la amabilidad de su personaje con tan solo una mirada.

Eastern Promises es un drama que te mantiene al borde de la butaca por casi dos horas y que además, ofrece una que otra escena de gore muy al estilo del realizador. Con una historia sólida, un reparto que brinda unas interpretaciones de lujo y una fotografía que es capaz de transportarnos a Inglaterra, el filme logra tener ese algo que "A History of Violence" no tuvo. A final de cuentas, creo que le apostaría más a una historia más sombría y perfectamente ejecutada y a la madurez en la actuación de Viggo.

Into the Wild

2007-10-26T13:26:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007

Dirige: Sean Penn

Con: Emile Hirsh, Catherine Keener y William Hurt

Para todos los excépticos acerca del trabajo como director de Sean Penn les tengo una noticia: no solo es uno de los actores más talentosos de su generación, sino que ha logrado demostrar sus habilidades detrás de las cámaras. Basada en la historia verdadera de Christopher McCandless, Into the Wild es un viaje de autodescubrimiento para un joven que estaba decidido a vivir en contra de las reglas de la sociedad.

Emile Hirsh hace un estupendo trabajo interpretando a Chris, quien despúes de terminar su carrera decide tomar su automóvil viejo y emprender un viaje sin decirle a nadie por los Estados Unidos, dejando atrás a sus padres, a su hermana y a la vida prefabricada, vacía y materialista que le esperaba. En el camino, pierde el automóvil, se deshace del dinero y tarjetas de crédito que tenía y comienza a vagar por las carreteras con la finalidad de concluir su viaje en Alaska y vivir completamente solo, alejado de la sociedad que por momentos repudiaba.

La cinta es narrada por la hermana de Chris, interpretada en la cinta por Jena Malone, haciendo que la película sea un contraste entre dos puntos de vista distintos: el de Chris quien está empeñado a realizar su viaje cueste lo que le cueste y que es incapaz de perdonar el daño que durante toda la vida le ha ocasionado su familia, con el de su hermana, quien pese a extrañarlo y casi implorar que se encuentre bien, está consciente que su hermano logrará darse cuenta de su error y regresar nuevamente a la casa.

En su recorrido, Chris conoce a personas que sin lugar a dudas le cambian la vida, le abren los ojos a una realidad que desconocía, pero a la vez le hacen entender que tiene un futuro por delante, que tiene todas las oportunidades para triunfar en la vida a diferencia de otros que quisieran tenerlas y que pese al rencor que le tiene a sus padres, los padres siempre estarán ahi para apoyar a sus hijos. Junto con Chris, nosotros como espectadores vamos a lugares hermosísismos, somos testigos de la naturaleza sin la intervención del hombre, pero también nos toca presenciar el descubrimiento interno del personaje principal.

Into the Wild tiene un mensaje sumamente profundo: los humanos fuimos hechos para vivir con los demás y no podemos ser felices si nos aislamos de la sociedad. Tan fácil y tan sencillo como eso. Es una cinta que nos pone en el papel de jueces y cada quien tiene la oportunidad de decidir que es lo que haríamos si estuvieramos en los pantalones de Chris. Into the Wild es una gran obra cinematográfica, honestamente humana, brutalmente emotiva y extraordinariamente cautivante. Uno de los mejores trabajos del año, por no decir que el mejor e indudablemente, una película que me hizo mucho reflexionar y que tocó mi vida de una manera especial.

Lust, Caution

2007-10-26T11:47:00.000-07:00

Se, jie

China/Taiwan/Hong Kong, 2007

Dirige: Ang Lee

Con: Tony Leung, Tang Wei y Joan Chen

Después del aclamado y controvertido filme "Brokeback Mountain", Ang Lee vuelve a estar en el centro del reflector, aunque en esta ocasión gracias a la controversia que ha generado con su más reciente cinta que lleva por título en inglés "Lust, Caution". Para todos aquellos que aún no lo sepan, la MPAA, esa institución gringa que se encarga de otorgarle la clasificación a las películas y que es más que querida por muchos de los realizadores, le otorgó a la película la restrictiva clasificación de NC-17 por su alto contenido sexual. Lee decidió no recortar la película y presentar la versión original, aunque eso le cueste no tener promoción en medios masivos como televisión o periódicos y no exhibirse en ciertas cadenas de cines que tienen prohibido pasar películas con esta clasificación.

Lust, Caution nos lleva al Shanghai de la Segunda Guerra Mundial y nos presenta a Wong, una introvertida estudiante que pertenece a un club de actuación que al unirse a un grupo radical junto con sus amigos, decide realizar un trabajo de espionaje que consiste en asesinar a un poderoso jefe japonés, el señor Yee, interpretado frívolamente por Leung. La ahora señora Mak poco a poco comienza a infiltrarse a la casa de su víctima y aunque sus encuentros y conversaciones son breves, sus miradas delatan un deseo que se esconde dentro de los dos y que es imposible ocultar.

Pronto, ambos se ven envueltos en una relación extramarital masoquista, salvaje y de pasiones desenfrenadas. Y mientras la señora Mak va seduciendo al señor Yee, este le va entregando su corazón, hasta llegar al punto en que ambos están confundidos por lo que en realidad sienten mutuamente. Ang Lee nuevamente presenta una historia de amor, pero a diferencia de Brokeback Mountain, donde las escenas de sexo eran pocas y llevadas con más sutilidad a la pantalla, en Lust, Caution sucede todo lo contrario. Es una historia de amor más fuerte entre dos personas que no deberían cometer el error de entregar su corazón, pero lo hacen, sin saber si la lujuria los llevó al amor, o viceversa.

Lust, Caution parece casi un trabajo artesanal. Es una cinta muy bien cuidada hasta el más mínimo detalle, con unas escenas casi poéticas y con una fotografía de lujo. Lo que tal vez le llega a faltar a la cinta es que la historia no es del todo original, de hecho días antes de verla me tocó ver la de Verhoveen, Black Book, y la historia comparía ciertas semejanzas. Si bien, cae en la categoría de drama/thriller erótico, es la mano de Ang Lee y las actuaciones de los protagonistas quienes hacen que la película valga la pena. Con una mejor historia, pudo haber sido un clásico de amor del cine asiático, sin embargo, es una película que es indispensable ver, sobretodo para los seguidores de la filmografía del realizador taiwanés.

* Ang Lee estuvo presente al final de la proyección de la cinta. Y aunque se mostró muy amable con la audiencia, prefirió no responder preguntas relacionadas con la película ya que prefiere que el espectador saque sus propias conclusiones al respecto. Se le preguntó a Ang Lee sobre sus siguientes proyectos, mencionando que prefería tomarse unas vacaciones por el momento. Dijo sentirse contento por exhibir la película en su corte original en Estados Unidos ya que estaba seguro que la gente que tenga ganas de verla terminará por hacerlo y refirió que el haber ganado un Oscar le abrió muchas puertas, especialmente en países asiáticos que le brindaron el apoyo para filmar Lust,Caution.

En el Hoyo

2007-10-25T17:15:00.000-07:00

México, 2006

Dirige: Juan Carlos Rulfo

En el Hoyo es un documental que se enfoca a presentar la otra cara de la moneda de una de las obras viales más controversiales en México, el tan nombrado segundo piso del Periférico. Para aquellos que somos "de provincia", solamente tenemos una vaga idea de lo que significó esta construcción, así que digamos que no puedo platicar mucho al respecto. Lo que si, es que hasta en Monterrey se hablaba de la magnitud de dicho proyecto. Sin embargo, fuera de enfocarse en la majestuosidad de la obra, Rulfo nos lleva bajo tierra y hasta las alturas, para retratar la vida de un grupo de hombres (y mujeres) que hicieron posible que la obra se cristalizara.

Como audiencia, somos testigos de cómo los trabajadores arriesgan su vida con tal de ganarse la vida con un trabajo honesto, pero que a final de cuentas no es bien remunerado. Colgados a metros de alturas con la más mínima protección y trabajando turnos que fácilmente excedían las 8 horas de trabajo que establece la ley, este grupo de constructores nos comparten fragmentos de sus vidas, así como sus deseos y sus preocupaciones. El documental termina por ser una mirada a una realidad que pasa desapercibida para muchos, quienes vivimos inmersos en nuestra burbuja, que no reconocemos el esfuerzo de esas personas que, sin su tenacidad y sus ganas por ganarse el pan de cada día, son capaces de poner su vida en riesgo.

La cinta me hizo reflexionar sobre lo que significa el trabajo para estas personas y me di cuenta que realmente mi trabajo es la gloria comparado con lo que otros tienen que hacer, con tal de poder subsistir día a día. No solamente eso, sino que desde el momento que terminó la película, decidí no volverme a quejar, cosa que casi no acostumbro a hacer, con respecto al trabajo, ya que sin lugar a dudas, estoy en un ambiente donde no me toca arriesgar mi vida, ni es un trabajo que requiere esfuerzo físico ni horarios de trabajo extremos, etc.

En el Hoyo es un retrato honesto, que si bien hizo valorar mi trabajo y reconocer el esfuerzo de tanta gente en México que es sobre-explotada y mal remunerada, no terminó por complacerme del todo. Algunas escenas salían sobrando, creo que hubo temas que pudieron ser tratados que habrían agregado más valor al documental y la escena final, a pesar de plasmar el resultado medio inconcluso de la obra, me pareció muy larga. Tal vez la intención del realizador fue esa, ya que aproveché ese tiempo para darme cuenta lo mucho que amo mi trabajo.

The Boss of It All

2007-10-24T17:42:00.000-07:00

Direktoren for det hele

Dinamarca, 2006

Dirige: Lars von Trier

Con: Jens Albinus, Peter Gantzler y Mia Lyhne

Lars von Trier, aclamado director por cintas como "Dogville" y "Dancer in the Dark", regresa a su natal Dinamarca para filmar "The Boss of It All", que a diferencia de sus películas anteriores, se trata de una comedia. Si bien, se trataba de un terreno no explorado por el realizador, tenía la plena confianza que por tratarse de Lars von Trier, no podría decepcionarme. Y así lo fue. "The Boss of It All" es una comedia que sin necesidad de rebajarse a las estupideces y chistes de mal gusto que abundan en el cine gringo, sabe hacer reir al público, entretenerlo y de paso, aprovechar para dejarnos una sutil crítica.

La película es narrada por el mismísimo Lars von Trier, quien en su rol como director, nos explica de una forma muy original y divertida, lo que ocurre a cuadro, lo que está como ocurrir, etc. Posteriormente, el filme nos lleva hasta una compañía de TI (Tecnologías de Información) donde el dueño de la empresa, quien ha decidido no decirle a sus empleados que él es el jefe con tal de que no lo odien por ser quien toma las decisiones, está decidido a vender la compañía a un empresario islandés. Sin embargo, para ello requerirá de alguien que se haga pasar por el jefe de la compañía y firme el contrato, así que quien mejor que un actor para que interprete el papel.

Pronto, el actor llamado Kristoffer, quien en un principio acepta el trabajo por necesidad más que por compasión, comienza a darse cuenta de la situación que se vive entre los empleados de la compañía, especialmente por las decisiones que el supuesto jefe ficticio ha estado tomando durante años al frente de la empresa y que, ahora que tienen la oportunidad de enfrentarlo cara a cara, están dispuestos a solucionar los problemas. The Boss of It All pronto se convierte en el enfrentamiento de dos personajes: el falso director y el verdadero director, quienes pronto dejan en claro que sus preferencias hacia la empresa son completamente distintas, pero Kristoffer aprovechará sus talentos histriónicos, así como su poder de control y convencimiento, para poder salirse con la suya.

The Boss of It All es el discurso de von Trier acerca de las grandes compañías, dejando en claro que para ser jefe no es necesario tener todos los conocimientos, sino que lo más importante es establecer una relación de confianza, sinceridad y respeto hacia los subordinados. El filme tiene unos momentos de locura, que es imposible no reirse. Y aunque siento que el final pudo haber sido mejor, la cinta cumple con su cometido, de ser una verdadera comedia y no como los intentos de películas del género que ya no saben ni que hacer con tal de que el público se divierta.

Death Proof

2007-09-22T18:38:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007

Dirige: Quentin Tarantino

Con: Kurt Russell, Rosario Dawson y Vanessa Ferlito

Finalmente tuve la oportunidad de disfrutar la primera mitad del proyecto fílmico de Quentin Tarantino y Robert Rodriguez titulado "Grindhouse", el cual tuvo un terrible recibimiento por parte de la audiencia estadounidense, razon por la cual en México y en muchas otras partes del mundo su fecha de estreno en salas de cine aún es una incógnita, y por eso mismo, el proyecto fue dividido y cada película será lanzada de forma independiente en DVD. Obviamente, con esta decisión es el estudio (The Weinstein Company) quien sale más beneficiado, mientras que uno termina pagando los platos rotos al no haber tenido la oportunidad de disfrutar la experiencia tal como los realizadores lo hubieran deseado.

"Death Proof"es el nombre del largometraje escrito y dirigido por Quentin Tarantino, el cual presenta la historia de Stuntman Mike (un extraordinario Kurt Russell), quien a bordo de su automóvil "a prueba de muerte", se dedica a acechar chicas guapas, para posteriormente asesinarlas con su vehículo a toda velocidad. Sin embargo, a Stuntman Mike le saldrá el tiro por la culata cuando se enfrente a un grupo de chicas que estarán dispuestas a retarlo.

La cinta cumple con los requisitos básicos del realizador: largas conversaciones, que pese a ser divertidas, no aportan nada a la historia, diálogos memorables, chicas guapas y peligrosas, música de antaño y referencias a cintas previas. Eso sin contar los tintes de humor negro y la violencia desmedida que son indispensables en las películas de Tarantino. En esta ocasión, "Death Proof"es un homenaje a los filmes del género grindhouse, especialmente popular en los Estados Unidos en los setentas y ochentas, los cuales por lo general eran historias gore de terror y suspenso, con poco argumento, pero con mucha violencia y sexo. El resultado es simplemente espectacular. Me encantó como incluyó en la cinta los errores de proyección, de edición y de sonido que eran comunes en el época de grindhouses.

A diferencia de las cintas previas de Tarantino, "Death Proof"no tiene una historia tan profunda, sin embargo, eso no es motivo para evitar que uno salga entretenido y la película sea toda una aventura desde la escena de créditos iniciales que está simple y sencillamente genial. Obviamente, me hubiera encantado haber disfrutado de esta película junto con "Planet Terror"de Robert Rodriguez, y aún más, haberla visto en pantalla grande. Supongo que la experiencia hubiera sido totalmente distinta. Pero bueno, no se puede tener todo en esta vida. Definitivamente un must para todos los fieles seguidores a la filmografía de Quentin Tarantino y para aquellos que busquen una película con mucha velocidad, violencia, algo de gore, pero sobretodo, del ingenio de un director que es capaz de sorprendernos entrega tras entrega.

Across the Universe

2007-09-21T14:17:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007

Dirige: Julie Taymor

Con: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess y Joe Anderson

Desde hace una semana me llamó la atención ir a ver esta cinta, que se estrenó en un cine de la ciudad de forma exclusiva. Lo único que sabia al respecto era que se trataba de un musical ubicado en la época de los 60's, que seguía la vida de un grupito de hippies y que lo dirigía Julie Taymor (Frida). Entré a la sala con pocas expectativas, probablemente casi nulas, pero poco a poco la cinta fue creciendo en mi, se apoderó de mis emociones y no me quedo otro remedio que ovacionarla (si, tengo que aceptarlo, aplaudí como todo gringo) pero creo que solamente fue la manera de expresar todos los sentimientos que la película logró provocar en mi en alrededor de dos horas y media de metraje.

"Across the Universe" sigue los pasos de un grupo de jóvenes de diversas clases sociales y nacionalidades, que convergen en la ciudad de Nueva York en un momento crucial para los Estados Unidos de los años sesenta: la lucha por detener los enfrentamientos bélicos en Vietnam. Lo peculiar de la cinta y sinceramente lo que la hace brillar, es la manera en como logra plasmar los sentimientos y los deseos de los jovenes de aquella época, quienes más que la guerra buscaban el amor y la paz. Y de que otra forma sería mejor retratar las vivencias de esta generación, que a través de la música de Los Beatles.

Tomando un amplio repertorio de canciones del cuarteto de Liverpool, que incluye rolas como "Let It Be", "I Want to Hold Your Hand", "All my Loving" y "Across the Universe", la cinta poco a poco me fue cautivando. La cinematografía y la dirección estuvieron excelentes. Algunos numeros musicales son demasiado psicodelicos y otros llenos de simbolismos que representan los ideales de aquella época y es realmente eso lo que nos hace involucrarnos más en el filme.

Mas allá de la historia de amor entre los personajes principales, Lucy y Jude, la película expresa que la mejor manera de luchar por la paz es por medio del amor y de aquellos actos mínimos que pasan desapercibidos ante nuestros ojos. Como un todo, "Across the Universe" es un video musical de principio a fin, una experiencia placentera tanto visual como sonora y un filme con grandes méritos artísticos y técnicos, que a final de cuentas logran opacar los pequeños defectos en la historia, como la falta de profundidad en algunos de los personajes o la nula introducción a algunos sucesos, como si esperaran que uno entendiera y estuviera familiarizado con el contexto.

"Across the Universe" es un musical que sigue muchos de los estándares del género, sin embargo su peculiar forma de llevar la historia, a través de canciones que se han mantenido vigentes de generación en generación y que seguramente viven en la memoria de más de uno, logra que la cinta resulte entretenida y conmovedora. Algunos números me dejaban completamente helado y con un escalofrío recorriendo todo mi cuerpo. Es una cinta capaz de robar tus oídos y tus ojos por mas de dos horas, para enseñarnos que a final de cuentas, all you need is love.

El Cielo Dividido

2007-09-19T19:20:00.000-07:00

México, 2006

Dirige: Julián Hernández

Con: Miguel Angel Hoppe, Fernando Arroyo y Alejandro Rojo

Hace unas semanas me enteré que la cinta "El Cielo Dividido" tendría su estreno en salas cinematográficas de México e inmediatamente recordé que hace poco que fui al Blockbuster a comprar películas, vi que ya la estaban rentando bajo el título de "Broken Sky". Decidido a no perder la oportunidad de verla y de paso, coincidir con el estreno en cine en mi país, pues la agregué al Netflix. Lo único que sabía sobre la cinta eran algunos detalles de la historia y que la dirección del largometraje corría a cargo de Julián Hernández, quien años antes debutó internacionalmente con el filme "Mil Nubes de Paz Cercan el Cielo...", el cual obtuvo varios reconocimientos de la crítica especializada y que hasta la fecha no he podido ver, aunque por lo pronto ya la agregué a mi queue del Netflix.

"El Cielo Dividido" nos lleva a las vidas de Gerardo y Jonás, dos chavitos que están super enamorados, tanto así que deciden vivir juntos. Sin embargo, una noche en el antro Jonás conoce a otro tipo y desde ese momento, su relación con Gerardo va en declive. Mientras Jonás trata a toda costa de evitar a Gerardo, éste en su dolor, pareciera insistir aún más por recuperar el amor perdido. Tiempo después, Gerardo comienza a salir con Sergio y cuando las cosas parecen ir funcionando bien, su ex-novio regresa para pedirle otra oportunidad.

Con un estilo único y completamente diferente al que nos tiene acostumbrados la industria cinematográfica nacional, la película opta por presentar la historia con pocos diálogos, los cuales son acompañados de vez en cuando por un narrador que más que relatar lo que sucede, nos describe lo que preocupa y sienten los personajes. Para compensar la falta de narrativa, la música toma un rol clave en la cinta, ayudando a contar la historia de amor y desamor que se va desarrollando. El resultado es definitivamente, una película que logra retratar los sentimientos de los personajes y que se enfoca en las emociones, más que en los otros detalles de la historia.

"El Cielo Dividido" sobresale por su interesante propuesta y por llevarnos a lugares que no habían sido explorados anteriormente. El filme termina por ser un honesto relato acerca de las relaciones de pareja, el doloroso proceso después de la separación, la búsqueda del amor perdido y la aceptación de las diferencias de ambos. Después de ampliamente disfrutar la cinta, espero con ansias la oportunidad de ver el filme previo de Hernández y poder tener una opinión personal al respecto. Por ahi he leído que es un filme emocionalmente superior a "El Cielo Dividido", así que por lo pronto, ya se lo que me espera.

Premiere de Lust, Caution

2007-09-18T18:50:00.000-07:00

Ya tengo boleto para el special premiere screening de Lust, Caution. Despues de la movie, el mismisimo Ang Lee estara en una sesion de Q&A. Wow! Ya quiero que sea Septiembre 30 para ver la cinta.

3:10 to Yuma

2007-09-18T18:06:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007

Dirige: James Mangold

Con: Christian Bale, Russell Crowe y Ben Foster.

El tan olvidado genero del western es revivido de forma sorprendente en el remake de la clasica cinta de 1957 que lleva el mismo titulo. James Mangold (Walk the Line), es el encargado de retomar el genero, el cual al parecer estara de moda en esta temporada con cintas como "There Will Be Blood" de Paul Thomas Anderson y "The Assassination of Jesse James...".

Christian Bale interpreta a Dan Evans, un hombre que vive en armonia junto a su familia en un rancho. Una noche, los maleantes incendian su granero y pierde parte de su patrimonio. Convencido de ir al pueblo para poner la denuncia ante los comisarios, Dan se enfrenta a su hijo quien lo considera un cobarde al no haber retado a los renegados. Es entonces cuando Dan decide hacer justicia por su propia mano y sale a buscar al responsable de los hechos, quien resulta ser Ben Wade (Crowe), uno de los outlaws mas peligrosos. Cuando Dan logra arrestar a Ben, se dara a la tarea de acompañar al prisionero hasta la estacion de tren y ponerlo en el tren de las 3:10 que lo llevara hasta Yuma, donde sera enjuiciado. Sin embargo, la tarea no sera facil.

"3:10 to Yuma" revive todos los elementos del viejo cine norteamericano. La historia del bien y el mal y los valores elementales del genero western como la justicia y la valentia no podian hacer falta. Desde el inicio, el filme nos mantiene en un estado de tension, logrando tener el mismo ritmo hasta el ultimo segundo de la pelicula. Detras de las persecusiones, balazos y golpes, la cinta tiene una historia que reflexiona en torno al coraje de un hombre, que es capaz de arriesgar su vida con tal de brindarle un futuro mas prospero a sus hijos.

El duelo de actuaciones de Bale y Crowe es terrifico. Ambos actores entregan unas actuaciones memorables, especialmente Crowe quien interpreta al enigmatico, pero en el fondo bondadoso renegado y Ben Foster ofrece una actuacion de soporte magnifica. "3:10 to Yuma" es un filme bien hecho en cuestion tecnica, que cuenta con una buena direccion y un gran trabajo actoral. Lo unico que la deja a poco de convertirse en un excelente filme, para mi gusto, es que despues de todo, la historia termina por ser predecible. Pese a ello, es una cinta ampliamente recomendable.

The History Boys

2007-09-18T17:35:00.001-07:00

Inglaterra, 2006

Dirige: Nicholas Hytner

Con: Richard Griffiths, Dominic Cooper y Samuel Barnett

"The History Boys" es una cinta inglesa basada en la obra teatral homonima de Alan Bennett, quien tambien se encargo de la adaptacion de la misma a la pantalla grande. A simple vista, la cinta pretende ser una dramedy con un toque de humor mas ingles que americanizado, que sigue la vida de un grupo de jovenes prodigio, estudiantes de Historia, quienes no solo se disputan un lugar en alguna prestigiada universidad, sino que tambien lidian con los problemas comunes de la etapa de la preparatoria: amor, sexo, identidad sexual, entre otros.

En un principio, la pelicula resulta entretenida, nos presenta a los personajes y algunos de los conflictos principales del filme, sin embargo, ya para la mitad "The History Boys" resulta un espectaculo poco placentero, soporifero y pretenciosamente intelectual. Los dialogos retoman extractos de poesias y obras literarias de forma exagerada para mi gusto, con la intencion de contrastar los problemas de los chicos con aquellos que presentan las lecturas. Supongo que ese tipo de dialogos funciono en la obra, pero en general, la cinta se siente muy forzada y resulta pretensiosa al intentar ser un producto intelectual y artistico, aunque de manera superficial unicamente.

Ademas de analizar los problemas de adolescencia de los jovenes protagonistas, la cinta se enfoca en otro tema que resulta irrelevante para la historia: las relaciones y acoso sexual que existia entre alumnos y profesores, y quiero suponer que la razon para presentarlo fue para exponer una de las problematicas que se vivian en las grandes escuelas de Inglaterra. Sin embargo, dicho tema viene sobrando al no contar con una conclusion, tal vez un poco mas moralina, pero tambien mas representativa.

Las actuaciones son buenas, mas no remarcables. Lo unico que vale la pena de toda la cinta es el final, por mas extraño que parezca. Claro que para llegar a el fue necesario aventarnos un completo suplicio de casi 2 horas de duracion. "The History Boys" falla tanto en criticar al sistema educativo ingles, como en denunciar los actos indecorosos entre maestros y alumnos y retratar los conflictos personales de unos chicos talentosos a punto de convertirse en adultos.

Madeinusa

2007-09-05T16:21:00.000-07:00

Peru/España, 2006

Dirige: Claudia Llosa

Con: Magaly Solier, Yiliana Chong y Carlos de la Torre

"Madeinusa" es el titulo de la opera prima de Claudia Llosa, sobrina del escritor Mario Vargas Llosa, quien no solamente toma credito como directora de la cinta, sino que tambien escribio la obra. "Madeinusa" es una propuesta peruana al cine costumbrista y contemplativo, llena de momentos que retratan un folklore caracteristico de la region indigena de dicho pais y que sirven como detonantes para presentar un extracto de las sociedades latinoamericanas, sin generalizar, y el choque de sus tradiciones y costumbres contra un estilo de vida impulsado por los Estados Unidos.

El personaje principal del filme, que lleva como nombre el titulo de la pelicula, habita en un pequeño poblado rural a las afueras de Lima, que se esta preparando para la celebracion del "Tiempo Santo", un bizarro festejo que involura actos sacros y profanos durante 3 dias, en los cuales los habitantes del pueblo pueden pecar, puesto que como Jesus murio, no hay un Dios que vigile sus acciones. Enmedio del revuelo por esta fecha tan especial llega Salvador, un hombre de la ciudad que debe esperar 3 dias para que la corriente de los rios baje y pueda continuar con su viaje. Sin embargo, el pueblo no esta preparado para recibir extraños durante Tiempo Santo, ya que es simbolo de mal augurio.

Madeinusa inmediatamente se enamora del extraño, a quien lo confunde con un gringo por el simple hecho de vestir diferente, hablar diferente y por tener un tono de ojos y piel distinta a la de ellos. La chica de 14 años, que es representada en la cinta como un simbolo de virginidad y castidad, cae en los brazos de Salvador, a quien le pide que la saque del pueblo y se la lleve a la ciudad. Obviamente, durante la cinta, la directora nos lleva a ser observadores silenciosos del choque de culturas que se vive en ciertas regiones de nuestro continente, en lugares donde las modas y estilos de vidas occidentales han sido deformados y adaptados a sus costumbres, debido a la ignorancia y el retraso que se vive en estas comunidades.

Si bien, la pelicula no es del todo una critica social, en parte es un analisis de la concepcion del estilo de vida occidental en las comunidades indigenas y marginadas de Latinoamerica, donde cualquier persona distinta a ellos es considerado como gringo, pero a la vez muestra la contradictoriedad de estos pueblos debido a su ignorancia, puesto que en parte desean ser como la gente de la ciudad: vestir como ellos, verse como ellos, vivir como ellos, pero al mismo tiempo, se rehusan a dejar atras sus raices y tradiciones.

"Madeinusa" es una cinta que poco a poco nos envuelve en un ambiente lleno de misticismo y folklore. La fotografia, pero en especial la musica, son simplemente cautivantes y las actuaciones, especialmente la de Magaly Solier, son solidas. Un buen filme que nos lleva al fondo de una realidad que existe y que se acentua cada vez mas (con eso de que la globalizacion esta de moda), pero que muchas veces ignoramos, pasamos por alto y no nos damos cuenta de las graves consecuencias, que si bien pueden estar algo exageradas en el filme, que se tienen en comunidades donde la marginacion y la falta de educacion prevalecen.

Once

2007-08-26T20:38:00.000-07:00

Irlanda, 2006

Dirige: John Carney

Con: Glen Hansard y Marketa Irglova

Musica y romance se combinan de una manera formidable en el mas reciente trabajo del director John Carney. Ganadora del premio de la audiencia en el pasado festival de Sundance, "Once" nos lleva hasta las calles de Irlanda para presentarnos una historia de amor, que probablemente para muchos nos resulte demasiado familiar. Sin embargo, es la forma de presentar la historia y mezclar la musica con los sentimientos de los protagonistas, lo que la hacen especial.

"Once" nos presenta a dos personajes cuyos nombres no son revelados a lo largo del filme, quienes comparten un amor especial hacia la musica. El trabaja en las calles de Irlanda tocando con su guitarra vieja, recordando y lamentando el amor que perdio. Ella es una inmigrante de Republica Checa que vende flores en la calle, pero que en sus ratos libres se va a una tienda de musica para tocar el piano. Cuando el camino de ambos se cruza una noche, se dan cuenta que su gusto por la musica es capaz de unirlos mas de lo que imaginaban.

Los protagonistas, Hansard e Irglova, quien en la vida real son musicos y no actores, brindan unas actuaciones memorables, que aunadas a un guion que se caracteriza por su honestidad y sencillez, dan como resultado un filme muy al estilo "Before Sunset" de Linklater, pero en version musical. La pareja protagonica va plasmando sus sentimientos en cada una de las canciones que componen, haciendo que las melodias formen parte importante dentro de la cinta y se conviertan en un personaje clave dentro de la misma.

"Once", sin lugar a dudas una joya dentro del cine independiente, es el tipo de pelicula que nos lleva a reflexionar acerca del amor verdadero, la relacion de pareja, pero sobretodo, nos presenta a dos almas, que unidas por la musica, son capaces de entenderse, apoyarse y encontrar la felicidad que tanto habian buscado.

The Lookout

2007-08-26T03:58:00.001-07:00

Estados Unidos, 2007

Dirige: Scott Frank

Con: Joseph Gordon-Levitt, Jeff Daniels y Matthew Goode

"The Lookout" fue estrenada en cines en enero y paso sin pena ni gloria por la cartelera, pese a las buenas recomendaciones por parte de la critica especializada. Curioso por saber de que trataba la cinta, no pude esperar su dia de estreno en DVD para rentarla. A pesar de tener el buzz positivo a su favor, la pelicula no logro convencerme.

El filme narra la historia de Chris, un joven con un futuro prominente por delante, que un dia al ir paseando con sus amigos en la carretera, tiene un accidente automovilistico, en el que dos de sus amigos pierden la vida y el queda con severos traumas, entre ellos, la perdida de memoria. Acompañado de una pequeña libretita que le recuerda la lista de cosas que debe realizar dia con dia, Chris asiste a una escuela especial y trabaja por las noches como intendente de un banco.

Un buen dia, Chris conoce en el bar a Gary, un tipo que planea asaltar el banco donde trabaja Chris y decide utilizarlo como carnada. A partir de ese momento, la vida de Chris comenzara a tomar sentido nuevamente, aprendera a valerse por si solo y perdonar sus fantasmas internos que no le permiten vivir en paz con el mismo.

La pelicula muestra momentos de drama, con algunos toques de suspenso y un poco de noir como complemento. Sin embargo, la historia no me atrapo. Por momentos tenia la esperanza que al final vendria un giro insesperado, que la trama se pondria un poco mas interesante, pero me quede solo con las ganas. Lo rescatable es sin duda alguna la actuacion de Joseph Gordon-Levitt, quien nuevamente vuelve a comprobar que a pesar de mantenerse actuando en peliculas independientes y de poco presupuesto, sabe elegir inteligentemente sus personajes y es uno de los actores mas prometedores de Hollywood. A Jeff Daniels, en su papel de ciego, no supe si tomarmelo en serio o si unicamente intentaba ser motivo de comicidad en el film.

"The Lookout" no podria ser llamada una decepcion. Es un poco decepcionante por el hecho de haber sido manejada como una buena cinta cuando realmente no le encontre la razon a esos fundamentos. Es una historia que tiene el potencial para despegar, pero que se queda en el suelo, manteniendo un ritmo que en ratos es totalmente plano y que cuando se pone mas intensa, deja en claro lo limitado de su presupuesto y el unico que puede entrar al quite es Gordon-Levitt.

Superbad

2007-08-23T17:18:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007
Dirige: Greg Mottola
Con: Jonah Hill, Michael Cera y Seth Rogen

Sin lugar a dudas que el 2007 ha sido un gran año para Jude Apatow. El director, que apenas hace 2 años debuto en pantalla grande con la cinta "The 40 Year Old Virgin", logro colocarse como una de las nuevas promesas de la comedia norteamericana gracias a su trabajo detras de camaras en la pelicula "Knocked Up". Gozando del apoyo casi unanime de la critica, asi como de una muy jugosa recaudacion en taquilla de mas de 100 millones de dolares (lo necesario para calificar a un filme como blockbuster), Apatow regresa nuevamente a llamar la atencion, aunque en esta ocasion lo hace no como director, sino como productor.

La cinta en cuestion es "Superbad", un filme de adolescentes que fue escrito nada mas y nada menos que por Seth Rogen, el protagonista de "Knocked Up" quien por si fuera poco tambien participa en esta comedia. Rogen, junto con su amigo Evan Goldberg, comenzaron a esbozar la historia desde que eran unos pubertos, que basicamente narra la vida de ambos: un par de amigos nerds inseparables que lidian con los problemas elementales por los que todo adolescente pasa: la aceptacion y rechazo del grupo social, el noviazgo, el flirteo, el sexo, el consumo de alcohol, etc.

"Superbad" no es mas que la version actualizada de "American Pie" para la nueva generacion. La pelicula tiene el mismo humor sexual, fuerte e irreverente que Jim, Stifler y compañia. Sin embargo, lejos de tratar de perder su virginidad antes de la graduacion, los chicos de "Superbad" simplemente tratan de conseguir alcohol para llevarlo a una fiesta y ser considerados cool y a la vez, ser aceptados por sus compañeros de preparatoria.

En el transfondo, "Superbad" se centra en el cambio natural de etapas en la vida. Creo que a todos nos ha sucedido. Uno sale de preparatoria para pasar a la universidad, dejando atras a amigos, compañeros y cambiando por completo el estilo de vida. Eso es lo que principalmente la pelicula intenta retratar: el aceptar que hay etapas en la vida, que tarde que temprano terminan, y es por ello que hay que aprovechar y disfrutar cada momento de cada etapa que vivimos.

Si te agrada el tipo de humor irreverente, entonces "Superbad" sera una comedia de tu agrado, como en mi caso lo fue. Fuera de ello, yo no considero a la pelicula como una comedia clasica. Es simplemente una cinta que hace reir y reflexionar, y que probablemente su mayor virtud es la de recrear situaciones que nos identifican con la etapa de la punzada. Cabe mencionar que ninguno de los dos personajes principales logra robarse la cinta, sino que es McLovin (el novato Christophen Mintz-Plasse) quien realmente se lleva la mayor parte de los meritos comicos de la pelicula.

Rocket Science

2007-08-17T00:36:00.000-07:00

Estados Unidos, 2007
Dirige: Jeffrey Blitz
Con: Reece Thompson, Anna Kendrick y Denis O'Hare

Despues del buen recibimiento obtenido en la pasada entrega del Festival de Sundance, era solamente cuestion de tiempo para que "Rocket Science", una comedia independiente acerca de la vida y el amor, viera la luz de la distribucion. Jeffrey Blitz, quien anteriormente se encargo de dirigir el documental nominado al premio de la Academia titulado "Spellbound", escribe y dirige esta historia que de una forma honesta y real, nos muestra los problemas existenciales de un adolescente que ante todo anhela encontrar las respuestas a sus multiples interrogantes.

Hal Hefner (Thompson) es un chavito con problemas de habla que vive segregado del resto de sus compañeros de escuela. Un dia en el camion escolar, Hal conoce a Ginny, una chava demasiado extrovertida, que lo invita a unirse al grupo de debate de su preparatoria. Dejandose llevar por sus sentimientos, Hal acepta la invitacion de Ginny a pesar de estar consciente de su poca elocuencia y nulas habilidades como orador. Sin embargo, esta decision lo llevara por un camino que, ademas de servir de autodescubrimiento, le ayudara a comprender el significado de la vida que apenas esta comenzando.

"Rocket Science" es una cinta que plasma los traumas y las emociones de los adolescentes, asi como el doloroso e inevitable proceso de crecimiento personal por el que todos hemos pasado, de una manera sumamente honesta. El filme no cae en pretensiones, conjugando de forma inteligente un guion simple y comico, pero a la vez profundo y reflexivo. Este balance, aunado a una definicion muy precisa de los personajes, logra que uno se identifique con las situaciones y vivencias que se presentan.

La pelicula nos lleva por los años mas dificiles de la adolescencia, para mostrarnos que esta etapa de la vida es simplemente una primicia de lo que nos aguarda el futuro y que la clave para poder disfrutarla consiste en aceptarnos tal como somos, sin intentar ser como los demas quieren que seamos o actuemos. La vida siempre estara llena de interrogantes y las respuestas muchas veces no las obtendremos inmediatamente, por lo que a veces sera necesario sufrir y luchar con tal de entender los extraños caminos y las incognitas de la vida.

El resultado es una cinta fresca, divertida y real que no me extrañaria que se convirtiera en un crowd pleaser como "Little Miss Sunshine", "Waitress" o "Garden State".

Sleeping Dogs Lie

2007-08-16T21:08:00.000-07:00

Estados Unidos, 2006

Dirige: Bob Goldthwait

Con: Melinda Page Hamilton, Bryce Johnson y Colby French

Desde hace algunos meses habia visto el avance de este filme independiente, "Sleeping Dogs Lie", y me llamo la atencion por su premisa. Sin embargo, esperando encontrar algo de diversion y enredos, lo unico que me encontre fue una comedia mal lograda, mal actuada y totalmente aburrida, que se remite a uno que otro momento comico.

La comedia adulta "Sleeping Dogs Lie", dirigida por el actor Bob Goldthwait y filmada en un espantoso formato digital, gira en torno a Amy, una chava que esta a punto de contraer nupcias con su novio John, por lo que decide llevarlo a que conozca a sus padres. Sin embargo, una noche cuando ambos deciden ser honestos y contar el momento mas vergonzoso de sus vidas, Amy revela un secreto totalmente desagradable: en universidad, le dio sexo oral a su perro.

Desde ese momento, la vida sentimental de Amy y John, se desmorona, mientras el filme trata inutilmente de tomar este hecho como excusa para analizar la dinamica de las relaciones de pareja, la honestidad y aun mas pateticamente, la vida familiar. Pese a tener un buen inicio, y rematar con un excelente twist, de pronto la pelicula cae en un tremendo abismo, la direccion se ve demasiado amateur y la fotografia demasiado barata.

Ya para el final, "Sleeping Dogs Lie" termina por sacar mas bostezos que carcajadas y resulta lamentable que una historia que prometia para mas, acaba desperdiciandose de tal forma. La cinta no funciona ni como comedia, ni como pelicula adulta, sino que parece mas un trabajo experimental con toques de video casero totalmente amateur.

cinerama goes to seattle

2007-07-03T20:27:00.000-07:00

Así es, a partir de la próxima semana, CINERAMA ONLINE se va a Seattle... o más bien yo, pero pues es lo mismo.

Por lo pronto, ya quité la parte de estrenos, próximos estrenos y dvd's de la sidebar porque obviamente, las fechas de estreno en Estados Unidos están medias locas (no tanto como en México), pero como hay tanto cine y estrenan tantas películas por semana, pues si estará difícil hacer el research.

Pero bueno, por lo pronto soy feliz. Llegaré a actualizarme con cintas como Knocked Up, Waitress, Once y otras más que aún siguen en los cines. Lamentablemente ni los second-run theaters tienen la de Grindhouse, así que... ni aquí ni allá la veré. Pfff

Y pues habrá un tremendo gap de cintas que tendré que compensar con una buena membresía a Netflix. :)

En resumen, espero que mi relocación (y mi trabajo) no me impidan que actualize con regularidad el blog. Haré todo lo posible por no abandonarlo como me ha pasado esta última semana. Pero si el blog sigue, les prometo mucho cine, desde una de las ciudades que aman el cine independiente y experimental, con arthouses por doquier y con uno de los mejores festivales de cine en los Estados Unidos.

De rato subo mis comentarios acerca de Fantastic Four, Black Snake Moan, Alpha Dog e Inland Empire.

Amor y Muerte

2007-06-23T16:07:00.000-07:00

Scoop
Estados Unidos/Inglaterra, 2006
Dirige: Woody Allen
Con: Scarlett Johansson, Woody Allen y Hugh Jackman

"Scoop", que vendría a traducirse literalmente en español como "primicia", es el segundo largometraje del genio neoyorquino Woody Allen filmado completamente en Inglaterra y el digno sucesor de aquel elegante filme alabado por la crítica internacional que lleva por título "Match Point". La película vuelve a reunir a Allen, trabajando como director y protagonista, junto a su nueva musa, la hermosa y talentosa Scarlett Johansson.

"Amor y Muerte" nos presenta a Sondra, una chava americana media insegura que reside en Inglaterra y que aspira en convertirse en periodista, pero siempre termina por estropear las oportunidades que se le presentan. Un buen día, decide acompañar a su amiga a un espectáculo de magia y es elegida por el neurótico mago Splendini (Allen) para que participe en uno de los actos de su show. Cuando Sondra entra al pequeño cubículo que le indican, recibe la inesperada visita de un periodista que acaba de morir, que le comunica que un joven acaudalado es uno de los asesinos en serie más buscados en Inglaterra. A partir de este incidente, Sondra y el mago iniciarán la búsqueda de Peter Lynman (Jackman), con la finalidad de obtener la historia y que Sondra logre convertirse en una respetada periodista, eso si evita que sus sentimientos se interpongan.

La película es hilarante y lo hace de una forma inteligente y sutil. No es la típica comedia americana que trata de arrancarte una carcajada por medio de un gag medio gastado, sino que logra hacerlo por medio de sus ocurrentes diálogos, sus personajes envueltos en conflictos y situaciones graciosas y un humor muy ligero y digerible. Woody Allen vuelve a repetir su personaje de neurótico, interpretándolo de una manera que solo él lo sabe y puede hacer. Y bueno, la Johansson es otra historia. Su personaje va desde la confusión e inseguridad hasta la frivolidad y madurez con una exquisita gracia. Su presencia es refrescante y la mancuerna que logra con Woody Allen es simplemente espectacular, siendo las escenas donde comparten créditos las más graciosas del filme.

Probablemente "Amor y Muerte" esté lejos de convertirse en una obra clásica de Allen, sin embargo, es una cinta que me resultó demasiado entretenida, divertida y con un gran reparto que brinda unas finas actuaciones, además de que soy un gran fanático del trabajo de Woody Allen y su humor siempre me bota de la risa. La cinta mezcla momentos de humor con toques de misterio, para enseñarnos que las apariencias son engañosas y que incluso detrás de la persona más dulce y amable puede esconderse un psicópata en alto grado. Una excelente recomendación para aquellos que busquen una película que divierta de una forma inteligente.

Shrek Tercero

2007-06-19T21:36:00.000-07:00

Shrek the Third
Estados Unidos, 2007
Dirige: Chris Miller

El ogro más querido por todo mundo está de regreso en la tercera entrega de una de las franquicias más poderosas que siguen vigentes hoy en día. Shrek no solo fue un parteagüas importantísimo en el género de la animación por computadora, sino que también abrió un nuevo camino para las sucesoras, al dejar en claro que las generaciones de hoy están hasta el gorro de las típicas historias sosas y ñoñas que nos recetaba la casa de Mickey Mouse año con año. La primera aventura combinó un humor irreverente, una historia divertida y una completa parodia a los cuentos de hadas que conocemos al pie de la letra, rompiendo los esquemas que conocíamos de las cintas de animación y también rompiendo con la brecha de edad, atrayendo por igual tanto a pequeños, como a adultos.

En el 2001, Shrek fue una propuesta fresca y distinta al resto, que con su humor único y personajes entrañables, conquistó tanto a chicos y grandes. Su secuela, 3 años más tarde, fue un poco más de lo mismo, pero logró mantenerse al nivel de su predecesora, cosa que raramente suele suceder cuando hablamos de segundas partes. Nuevamente, con un periodo de diferencia de 3 años, el estudio cinematográfico Dreamworks lanza al mercado su máquina automática de dinero titulada "Shrek Tercero".

En esta tercera aventura, Shrek recibe la noticia que será el próximo rey de "Muy Muy Lejano". Sacado de onda con esta idea, empieza a ver la manera de escapar de dicha responsabilidad y descubre que el único que puede asumir dicho cargo es Artie, el primo de Fiona. Por lo que Shrek, acompañado por sus inseparables secuaces: el Burro y el Gato con Botas, deciden ir a buscar a Artie para llevarlo al reino. En el inter, Príncipe Encantador se une a todos los villanos de los cuentos de hadas para convertirse en el nuevo rey de "Muy Muy Lejano" y deshacerse del ogro de una vez por todas.

"Shrek Tercero" es, sin lugar a dudas, muy distinta a sus antecesoras. Primeramente, no tiene ese espíritu de mofa. Mientras la primera película se encargaba de burlarse de las historias estilo Disney y la segunda del estilo de vida americano (retratado en la manera de vivir de Muy Muy Lejano), esta cinta simplemente se reduce a contarnos una historia que más que parodiar, se remite a presentarnos más a fondo las aventuras de los personajes. Es como si de pronto, aquel Shrek que odiaba tanto los cuentos de hadas, terminara por convertirse en el personaje principal de su propio cuento de hadas con final feliz incluído.

La película, a diferencia de las anteriores, no gira exclusivamente alrededor del monstruo verde. Al contrario, en esta entrega vemos que decidieron explotar al resto de los personajes y no únicamente presentarnos los conflictos de Shrek. Por lo que tenemos a Burro y Gato con sus cambios de cuerpo producto de la mala magia de un Merlín, cuyo personaje termina sobrando por completo, el grupo de princesas que luchan por su libertad y Encantador que desea convertirse en rey a toda costa.

No voy a decir que no es graciosa, pero es ya casi rumbo al final cuando se hace más amena y divertida. El inicio no me gustó para nada y ya para la mitad el ritmo estaba por los suelos que incluso me llegó a aburrir y desesperar, sobre todo el viajecito ese que emprenden para buscar a Artie. Los chistes se veían muy forzados y la parodia de la vida preparatoriana simplemente como que no es motivo de gracia aqui en nuestro país. A diferencia de las otras películas, no es Burro ni Gato quienes se llevan las carcajadas. En esta ocasión comparten esos créditos con el Hombre de Gengibre, Doris la Hermanastra Fea y las princesas de los cuentos de hadas.

Al final, "Shrek Tercero" cumple con su objetivo y entretiene, pero se aleja demasiado de aquel humor ácido que lo caracterizaba, para convertirse en un cuento de hadas más. Triste pero cierto. Shrek es la única franquicia que he disfrutado mucho más en su versión doblada al español y debo decir que nuevamente el doblaje fue acertado. El trabajo de Eugenio Derbez fue bueno, pero a mi gusto, estuvo mejor el que realizó en las anteriores cintas de Shrek. Por ahí se prepara ya una cuarta entrega, que obedecerá la regla de los 3 años para volver a ver al ogro verde en pantalla grande junto a sus hijitos. Ojalá que el ingenio de los escritores regrese al modo usual y que no terminen por destrozar una propuesta que prometía demasiado.

La Sangre Iluminada

2007-06-16T23:30:00.001-07:00

La Sangre Iluminada
México, 2007
Dirige: Iván Ávila Dueñas
Con: Gustavo Sánchez Parra, Jorge Zárate y Joaquin Cosio

Hace unos cuantos posts, casi me desviví en la reseña de "El Violín". No, no me retracto acerca de nada de lo que dije, pero en ese entonces tenía la idea que esa sería mi película mexicana favorita del año. Sin embargo, hoy me he llevado tremenda sorpresa con esta genial cinta que lleva por título "La Sangre Iluminada". Admito que entré a la sala con pocas expectativas, sobretodo porque antes de lanzarme a la Cineteca a verla, me pasé buscando en Internet la sinopsis, incluso vi el trailer, pero nada logró darme ni el más mínimo esbozo de la trama.

Escrita y dirigida por Iván Ávila Dueñas, quien hace algunos años presentó su opera prima "Adán y Eva (Todavía)", la cual, si mal no recuerdo, nunca fue estrenada en una sala comercial de mi querido Monterrey. Probablemente habrá sido exhibida un par de días en la Cineteca sin la más mínima intención de promocionarla y hasta ahora, me ha sido imposible conseguirla y echarle un vistazo. Es posible que "La Sangre Iluminada" corra con la misma suerte que la anterior obra de su realizador, al menos en nuestro país, aunque me encantaría que más gente tuviera la oportunidad de verla, reflexionarla y comentarla.

"La Sangre Iluminada" inicia con un hombre desconocido que se mete a una fuente de la Ciudad de México, comienza a sangrar de la nariz y muere. O al menos eso era lo que creíamos. En Zacatecas, un pequeño que va cruzando la calle, comienza a sangrar también de la nariz y se desmaya. Al recobrar el sentido, despierta con un collar que contiene dos fotografías y dice llamarse Mateo y haber muerto en una fuente de la capital. Es así como comienza una historia, que mezcla deliciosamente la fantasía con la realidad, plasmada en cada uno de los personajes que intervienen en el filme.

Poco a poco, el espíritu de Mateo va cambiando de cuerpo en cuerpo, siendo los "receptores" personas que tienen algo especial en su sangre. ¿Qué es? No lo sabemos y la verdad, no creo que tenga algo de relevancia. Lo que es un hecho es que el alma de este hombre continúa vagando por alrededor de 20 años y su finalidad es la de volver a reencontrarse con el amor de su vida, Amelia. El largo camino que el alma emprende para resolver los asuntos pendientes que dejó antes de morir, es sin duda alguna doloroso y difícil, pero es una manera de redención, un camino que inicia con un pequeño y termina con un anciano, un trayecto de crecimiento, de sabiduría que lo llevan a entender el porque su alma se aferró por tantos años a continuar viviendo en este mundo.

Mágica, cautivadora, intrigante. "La Sangre Iluminada" es un ejercicio narrativo sólido, que se conjuga con una cinematografía detallista, excelentes actuaciones (la de Cosio fue mi favorita y realmente me conmovió) y unas imágenes de sangre que aparecían en cada historia muy a lo "Requiem for a Dream". Es un filme que nos invita a reflexionar acerca de la brevedad de nuestra existencia y que por lo tanto, debemos aprovechar el tiempo sabiamente para decir y hacer todo aquello que es importante, ya que una vez que el tiempo se agote, no habrá una segunda oportunidad para remediar cualquier asunto pendiente que dejemos en este mundo, y en caso de que la hubiese, el camino no sería nada sencillo, pero aqui ya depende de las creencias de cada quien. Es una verdadera lástima que películas como ésta no tengan distribución comercial y aún es peor que estando en exhibición, la promoción sea nula. Por lo pronto, no podré decir que "La Sangre Iluminada" sea mi película mexicana favorita del 2007, porque aún faltan varios meses por venir, pero si en este momento tuviera que decidir, no titubearía en señalarla como mi favorita.

Play

2007-06-16T22:38:00.000-07:00

Play
Chile, 2005
Dirige: Alicia Scherson
Con: Viviana Herrera, Andrés Ulloa y Aline Küppenheim

"Play" es la ópera prima de la escritora y directora chilena Alicia Scherson, la cual al parecer ha sido bien recibida, tanto por la crítica especializada, como por la audiencia en festivales de cine a nivel internacional. La cinta se ubica en la capital de Chile, Santiago, para contarnos la historia de Cristina, una joven de descendencia indígena que se dedica a cuidar día y noche de un anciano moribundo que no habla en absoluto. Encerrada en su vida solitaria y monótona, las cosas cambian repentinamente cuando Cristina encuentra un maletín abandonado en el basurero. Es entonces cuando ella se embarca en una serie de aventuras a través de la ciudad de Santiago para seguir los pasos del dueño del maletín, Tristán, un joven cuya vida personal y profesional se desmorona por completo, cuando su novia lo deja por otro.

Lo primero que llama la atención de esta película, filmada en formato digital, es la fotografía. La directora se encarga de retratar una ciudad de Santiago totalmente colorida, llena de luz y de vida. Asimismo, Scherson nos ofrece unas tomas contemplativas de ciertas partes de la ciudad, como si tratase de que uno se adaptara al background que rodea a los personajes del filme y de esta forma, ser capaces de comprender sus conflictos. La música también juega un papel importante en "Play", sobretodo al momento de enfatizar sentimientos que se viven a cuadro.

La historia no es muy digerible que digamos, puesto que hay momentos en que uno quisiera que el ritmo fuera más ágil y nos explicaran claramente cuál es el objetivo de la película. No obstante, es hasta el final cuando todo queda aclarado "a medias" y ya es cuestión de cada uno juzgar el producto. "Play" es una obra que habla sobre las clases sociales en Chile, plasmado a través de los personajes de Cristina y Tristán. Cristina, al venir del sur (que al menos en la película hacen referencia como que es un lugar muy austero, yo la verdad ni idea), tiene el deseo de vivir en la ciudad. Le encanta la ciudad, su aroma, su ritmo, todo. Cuando encuentra el maletín de Tristán, de clase media-alta, ella comienza a seguirlo para darse cuenta el tipo de vida que lleva, se ilusiona con él, le encanta su olor, desea ser como su novia y vestirse como ella. El filme simplemente trata de retratar uno de los muchos efectos de la brecha extrema que existe entre las clases sociales que conviven en una misma ciudad y que resulta de lo más común en los países latinoamericanos.

¿Por qué Play? En sus viajes de espía, Cristina tomaba el iPod que venía en el maletín, se ponía a escuchar música y recorría las calles de Santiago. Al ponerle "play", asumía una posición diferente, ella se sentía importante pese a ser invisible para los demás. El darle "play" a la música era dejar que sus deseos y sueños se convirtieran en realidad por solo unos instantes, para después regresar a su rutina diaria. "Play" no es una historia de amor, como me la vendieron en IMDB. No no, la película tiene un enfoque más social, que si bien es media compleja en la manera de llevar la historia a la pantalla, resulta grata por su fotografía y estilo fresco.

Inside Deep Throat

2007-06-11T23:20:00.000-07:00

Inside Deep Throat
Estados Unidos, 2005
Dirigen: Fenton Bailey y Randy Barbato

Cuando toca el turno de hablar acerca de las cintas más redituables en la historia del cine, no cabe duda que una de las que posiblemente vendrán a la mente es "Garganta Profunda" (Deep Throat). Para aquellos que no saben o más bien, no han escuchado hablar acerca de esta cinta, se trata de un filme pornográfico que revolucionó la industria del cine para adultos como tal, dándole un enfoque mainstream y popular. Estrenada en 1972, el modesto filme realizado con tan solo $25,000 dólares, exploraba la historia de una chava que descubre que su clítoris se encuentra en su garganta, por lo que para satisfacerse, decide entrarle al sexo oral, un taboo para la sociedad americana de aquel entonces.

Entre filme pornográfico y comedia, "Garganta Profunda" se convirtió en un clásico de culto instantáneo y en una gallina de huevos de oro. Catapultó al estrellato a su estrella femenina, Linda Lovelace, se convirtió en el blanco de la censura y de las prácticas moralinas del presidente Richard Nixon y finalmente, fue el parteagüas para que la industria del porno floreciera en los Estados Unidos, en aquel entonces cuando todavía para algunos se le consideraba una forma de "arte" y no como hoy que el concepto se ha degenerado, especialmente al ver la gran cantidad de dinero que deja.

Este documental, como su nombre lo indica, nos lleva a escuchar el testimonio del director del filme, los actores, la audiencia y los jueces que se encargaron de censurar el filme en aquella época. "Inside Deep Throat" explica que el fenómeno que surgió alrededor de esta cinta se debió a la propaganda que el mismo gobierno hizo por tratar de prohibirla y de cierta manera, servir de amenaza para aquellos que se dedicaban a este tipo de actividades ilícitas e inmorales. Sin embargo, lo que obtuvieron como resultado fue que las personas, incluso de clases altas, se interesaran por ver "ese filme prohibido" del que todo mundo habla, ese del que las personas en la televisión hacen referencia y bromean, ese que me dicen que no debo ver, pero al ser una persona libre, debo poder verlo. De pronto, el no haber visto "Garganta Profunda" te ponía fuera de la jugada.

Además de ello, la cinta explora la vida de su protagonista, Linda Lovelace, que pese a la fama momentánea que obtuvo, lo único que consiguió fue un pase inmediato a una vida personal y profesional fracasada. Posteriormente, la actriz declaró que realizó la cinta bajo amenaza de su entonces novio, quien la obligaba con un arma a realizarla. Lovelace se unió a varios grupos feministas para luchar en contra de la pornografía, en un acto que algunos califican de hipócrita, mientras que otros la consideran toda una víctima que fue explotada y al final pasó el resto de sus días sin un solo centavo.

"Inside Deep Throat" te lleva a la escena de los años setenta. Te transporta a una sociedad americana sedienta de libertad de expresión, de mujeres que buscaban la igualdad de sexo. Una sociedad que quería liberarse de los tapujos para explorar más su sexualidad. "Garganta Profunda" fue la cereza en el pastel, la gota que derramó el vaso. Finalmente, las decisiones que se tomaron en aquel entonces siguen vigentes hasta la actualidad. El sueño de varios por tratar de abrirse más a la sexualidad humana, terminó por degenerarse de forma descontrolada en una industria poderosa, millonaria e ícono de la vida norteamericana que continúa enfrentándose, ya no al gobierno, sino a la misma sociedad, aquella que en un principio propició a que todo ésto se desencadenara y que ahora se da golpes de pecho y toma estandartes de moral.

La Última Mirada

2007-06-11T22:54:00.001-07:00

La Última Mirada
México, 2006
Dirige: Patricia Arriaga Jordán
Con: Sergio Mateu, Marisol Centeno y Arcelia Ramírez

"La Última Mirada" es el primer largometraje de la escritora y directora Patricia Arriaga Jordán, y por si acaso se preguntaran sobre lo familiar de su apellido, en efecto Patricia es la hermana de Guillermo Arriaga, responsable de historias como "Babel" y "Los Tres Entierros de Melquiades Estrada", entre otras cintas más.

La película narra la historia de dos personajes, que aunque al primer vistazo parecen ser completamente distintos, en el fondo tienen los mismos anhelos, sueños, esperanzas, miedos y tristezas. Por una parte tenemos a Homero, un pintor que descubre que heredó la enfermedad de su padre y está perdiendo rápidamente la vista. De vivir en un mundo de supuesta felicidad, donde los colores y la luz eran todo para él, pronto pasará a vivir en la oscuridad que él solo ha propiciado al no enfrentar con determinación su enfermedad y aceptar su destino. Mientras que por otro lado tenemos a Mei, la hija de una prostituta que decide largarse a los Estados Unidos, abandonando a Mei junto a sus abuelos en un burdel. Fungiendo como sirvienta del lugar, Mei tiene la esperanza que su madre regresará, que encontrará el amor verdadero y que algún día, tendrá la oportunidad de mejorar y no terminar en los mismos pasos que su madre.

La historia no es más que el relato de dos personajes que se rehusan a ver la realidad. Homero no puede ver, pero es incapaz de aceptar su enfermedad y finge tener vista. Mei puede ver, pero se refugia en su mundo de fantasía para alejarse de la dolorosa verdad. La cinta tiene un estilo exquisito y unas tomas que exhudan belleza al saturan el lente con colores rojos, muy al estilo de Almodóvar. Al ver el filme, es como si estuvieramos leyendo un poema. El guión de repente toma rumbos medio poéticos, aderezados por la delicadeza de sus tomas, que entre escena y escena nos muestran lo que posiblemente sea un trágico desenlace que unirá a ambos personajes.

Por momentos el ritmo suele decaer, más no obstante las tomas y las actuaciones logran sobrellevar la cinta. Quien realmente me sorprendió fue Marisol Centeno, a quien solamente la había visto actuar en telenovelas y que ofrece una interpretación fresca, emotiva y a la medida de la inocente Mei, convirtiéndola en una revelación en la pantalla grande. Con demasiadas alusiones a la cultura oriental, las cuales le dan un toque como más mágico, "La Última Mirada" nos enseña primeramente a enfrentarnos a la realidad, por más difícil que ésta sea y que finalmente, el destino es incierto, pero a veces la casualidad y el azar nos ponen en el camino a personas que pueden ayudarnos a salir adelante y a permitirnos no perder la esperanza.

El Violín

2007-06-10T16:36:00.000-07:00

El Violín
México, 2005
Dirige: Francisco Vargas Quevedo
Con: Don Ángel Tavira, Gerardo Taracena y Dagoberto Gama

Finalmente llegó a las pantallas regiomontanas la aclamada cinta mexicana "El Violín". Muchos creían que la suerte de este filme sería como la de muchos otros productos mexicanos que nunca ven la luz de la distribución, pese a tener una corrida excepcional en festivales de cine y mercados extranjeros. Pero en esta ocasión, la suerte cambió, no únicamente para esta película, sino para la cinematografía mexicana en general. Realmente que agallas de haberla lanzado a cartelera en plena batalla campal de blockbusters veraniegos, aunque creo que después de todo, esto más que perjudicarle, le beneficiará.

Ante una sala completamente llena, "El Violín" da inicio, haciéndolo de una manera violenta al presentar a miembros del ejército torturando a otras personas en busca de información. La primera impresión que nos da, es que se tratará de una cinta cruda, posiblemente en conjunción con esa fotografía en blanco y negro que nos sumerge en un mundo de pobreza y desesperanza. Sin embargo, la película nos tiene deparado un viaje que nos llevará de la mano hacia rumbos totalmente opuestos.

La historia en sí, es completamente simple. No tiene giros inesperados, no nos tiene reservada ninguna sorpresa hacia el final y la narración es lineal. Situada en una comunidad campesina, que bien podría ser la de cualquier país latinoamericano, vive Don Plutarco (Don Angel Tavira, sensacional!) junto con su hijo, su nuera y sus nietos. Sin embargo, la situación está difícil ya que últimamente, el ejército ha atacado ciertas comunidades aledañas con la finalidad de destruir con las guerrillas y grupos armados que se han organizado para contrarrestar la injusticia con la que son despojados de sus terrenos.

Un buen día el ejército llega a la comunidad, como era de esperarse, y mientras unos logran escapar, otros tantos son capturados, entre ellos, la nuera y la nieta de Don Plutarco. Decidido a buscar a su esposa e hija, Genaro busca ayuda en sus compañeros de la guerrilla, quienes están a punto de dar el gran paso y enfentarse al ejército. Mientras tanto, Don Plutarco decide arreglar las cosas de otra forma, y montándose en una burra, acompañado de su inseparable violín, enfrentará al ejército e intentará ayudar a su hijo dentro de sus posibilidades.

En primera instancia, "El Violín" presenta el retrato de marginación e injusticia que se vive en este tipo de poblaciones, que realmente no es único en nuestro país. Desgraciadamente, al ser uno de los sectores más apartados de la civilización y que se encuentra en lugares tan recónditos, uno está ajeno a todo lo que sucede en esos lugares, donde la ambición de los más poderosos no tiene límites, sin importarles el daño que causan a quienes habitan, trabajan y sobreviven en base a sus tierras. Obviamente, aunque tal vez no sea el objetivo principal de la cinta, de cierta forma trata de alertarnos que pese a que todos nos hacemos de la vista gorda y nos metemos en nuestra burbuja, en el mismo territorio nacional, ciudadanos como tú o como yo, tuvieron la desdicha de no contar con las mismas oportunidades, los mismos tratos y el mismo estilo de vida.

La película desenmascara la probablemente ya conocida verdad: se trata de una lucha entre la misma gente. Realmente los poderosos y los que dan las órdenes están de lo más cómodos, mientras que los soldados no son más que gente pobre que, en busca de una vida distinta, decidieron enrolarse y luchar por un fin que ni ellos mismos comprenden ni simpatizan. Es un triste retrato de la manipulación, explotación y poder de las clases influyentes en las que carecen de recursos. Y es aqui donde la música del violín y este instrumento ligan esta parte de la trama. La música de Don Plutarco logra unir de una forma pacífica y humana a los dos bandos, permite que ambos se conozcan y finalmente se den cuenta, que comparten las mismas raíces, la misma cultura, el mismo patrimonio.

Más allá de esto, "El Violín" es un relato humano y honesto, que sin necesidad de recurrir a explosiones, efectos especiales o de sonido, ni actores de gran calibre, te sumerge por completo en la historia y combinado con su ritmo lento y su estilo contemplativo, logran que para el final, termines comiéndote las uñas de la emoción. Es un filme que de iniciar violento, opta por un camino más pacífico, para mostrarnos que la mejor manera de resolver los conflictos, no es por medio de las armas, de la muerte, sino que basta con entenderse mutuamente y darse cuenta que los enfrentamientos de este tipo no tienen sentido.

"El Violín" es sin duda, un gran ejercicio de reflexión y un excelente trabajo cinematográfico en todos los sentidos. Una película que con poco, logra volcar tus emociones y sentimientos de una forma casi inimaginable. Es un retrato crudo, directo y desesperanzador de lo que se ha vivido, lo que se vive actualmente y de lo que probablemente, continuará ocurriendo.

The Hidden Blade

2007-06-10T15:57:00.000-07:00

Kakushi ken oni no tsume
Japón, 2004
Dirige: Yoji Yamada
Con: Masatoshi Nagase, Takako Matsu y Yukiyoshi Ozawa

Me ha quedado más que claro que cuando se trata de culebrones, ningún país queda exento. Esas historias de amores imposibles, fatídicos destinos y conflictos internos no son exclusivos de la cinematografía mexicana o gringa, sino que los japoneses, gracias a "The Hidden Blade", demuestran que también le saben a eso.

"The Hidden Blade" es diferente a las cintas asiáticas que por lo general nos llegan a la pantalla grande, las cuales tienen un sabor mucho más occidental, tal vez con la finalidad de encontrar un mercado más amplio por estos rumbos. Ubicada en la época donde los samurais comenzaron a desaparecer, la película nos presenta a Munezo Katagiri, un samurai de clase media que aún se rige por los principios de honor y lealtad que sus antepasados le enseñaron.

Cuando uno de los rebeldes escapa de prisión, el general de los samurais le pide a Munezo que se encargue de buscarlo y acabar con su vida en un duelo de espadas. Lo que Munezo no sabe es que el rebelde es nada más y nada menos que Yaihiro Hazama, su compañero de preparación samurai, que además de ser un excelente espadachín capaz de derrotarlo, es uno de los muchos que se opone a los altos mandos samurais que están acabando con su cultura al enseñarles a utilizar armamento de fuego occidental.

"The Hidden Blade" es quizá lo que a "The Last Samurai" le hubiera gustado ser. Sin necesidad de recurrir a peleas de artes marciales extravagantes como las típicas cintas de Jet Li o Chow Yun Fat, ni a escenas de violencia descabellada y sin sentido, la cinta es capaz de presentarnos el conflicto interno del personaje principal, quien se debate entre su deber como samurai y su vida personal. Asimismo, nos lleva hasta los últimos días de los samurais, al presentarlos como personas que perdieron los ideales básicos del honor y verdad.

Sin embargo, todo esto viene a ser simplemente el trasfondo de una historia de amor entre Munezo y su sirvienta Kie, un amor imposibilitado debido a la diferencia de clases sociales, al mero estilo de una telenovela mexicana. Lo que le viene a ayudar a la película es su calidad técnica, la extraordinaria música y una buena dirección. El resultado es bueno, más no excepcional. "The Hidden Blade" deja ese sabor de boca de "been there, seen that" y un ligero malestar al enterarnos que todo el circo, maroma y teatro fue solamente el background de un romance insípido y desangelado.